Rezension | Taddei: Die Este und das Heilige Römische Reich im langen 16. Jahrhundert

Elena Taddei: Die Este und das Heilige Römische Reich im langen 16. Jahrhundert. Kontakte – Konflikte – Kulturtransfer (Wien-Köln-Weimar 2021) ISBN 978-3-205-21214-0, 588 Seiten

Karl Vocelka (Wien)

Die feudi imperiali italiani, die vom Reich lehensabhängigen Gebiete in Italien waren lange Zeit nicht sehr beachtet, haben aber in der letzten Zeit in der Forschung an Bedeutung gewonnen. Das vorliegende Buch greift eine exemplarische Herrschaft heraus und analysiert nicht nur die Beziehungen der Fürsten von Ferrara, Modena, Reggio, Carpi und Garfagnana mit dem Heiligen Römischen Reich, sondern erschließt auch sehr profund das gesamte Netz an Bezügen der Familie Este mit den ober- und mittelitalienischen Kleinstaaten und verschiedenen Reichfürsten. Da die Este einerseits für Ferrara Lehensträger der Päpste waren und andererseits auch zeitweilig intensive Kontakte zu Frankreich und Spanien hatten, sind sie diplomatisch und politisch gesehen, trotz der Kleinheit ihres Staates, wichtige „Player“ der europäischen Politik und vor allem eine Drehscheibe des Kulturtransfers von Hof zu Hof.

Das Heilige Römische Reich war in sich sehr kleingliedrig strukturiert, neben den 300–350 deutschen Höfen waren weite Teile des Nordens und der Mitte Italiens Reichslehen (Mailand, Mantua, Modena, Genua, Lucca und Florenz) im Laufe der Geschichte häufig im Konflikt mit der päpstlichen Herrschaft.

Der erste Teil des Buches erläutert sehr detailliert und kenntnisreich die komplizierten rechtlichen und politische Strukturen in Italien im Allgemeinen und in den stati estensi mit den Institutionen ihrer Macht im Besonderen.

Das zentrale Thema schlechthin für die Familie Este im 16. Jahrhundert, war der Präzedenzstreit zwischen dem Haus Este und den Medici in der Toskana. Für das in der Zeit wichtige Zeremoniell waren Fragen, wie: wer geht zuerst durch eine Tür, wer sitzt vor den andern in der ersten Reihe etc. von grundlegender Bedeutung. Eine damit parallellaufende Bestrebung war die Erhöhung des Titels und der Anrede (z.B. Serenissimo und Altezza) einer Dynastie.

Nicht nur politisch beherrschte dieser Konflikt die Diplomatie der Este, sondern er hatte auch Auswirkungen auf die Diplomatie der Familie, die besonders weiträumig und sehr früh professionell war – Übergang von ad hoc Gesandten zu ständigen Vertretern in loco – was auch Nebenwirkungen auf den kulturellen Transfer, der ein Zentrum des Buches bildet, hatte. Den Beginn des Konfliktes kann man auf das Jahr 1541 festlegen, in dem der toskanische Herrscher Cosimo I. und Ercole II. d’Este in Luca um die Präzedenz zankten. In den 1560er Jahren wuchsen die Gerüchte über eine bevorstehende Standeserhöhung der Medici, die sich schließlich bewahrheiten sollten, was die Aktivitäten der Este antrieb. Im Jahr 1569 verlieh Papst Pius V. Cosimo Medici den Titel eines Großherzogs (Gran Duca), die weitere Geschichte bis zu Anerkennung durch den Kaiser war ebenfalls langwierig und für die Este erfolglos.

Dieser Präzedenzstreit hatte große Auswirkungen auf die Historiographie der Este und Medici, die im Falle der Este die alte Herkunft der Familie und ihre Verdienste hervorstrich. Die Spekulationen gingen so weit, dass auch – gestärkt durch die Heirat Alfonso II. mit Erzherzogin Barbara – eine Spekulation über den Titel Erzherzog für die Familie Este zu beobachten war.

Eine zweite entscheidende Frage für die Este in diesem Zeitraum, waren die illegitimen Kinder und die Belehnung der Seitenlinie mit kaiserlichen Lehen. Das war eine Hauptaufgabe der estensischen Diplomatie, die mit Hilfe von „Bestechung, Drohung, Treuekundgebungen und Geschenken“ (S. 164) versuchten, den Kaiser dazu zu bewegen, Cesare Este von Montecchio (mit unehelich geborenen Vorfahren) nach dem kinderlosem Tod Alfonso II. 1597 mit Modena zu belehnen. Schwieriger war noch die Lage in Ferrara, das ja ein päpstliches Lehen war und nach dem Tod Alfonso II. direkt an Papst Clemens VIII. ging. Der Papst wehrte sich auch gegen eine Belehnung Cesares mit den kaiserlichen Lehen und griff sogar zum Mittel einer Bannbulle. Ähnliche Expansionsbestrebungen des Papsttums fand man auch in Montefeltro, ein päpstliches Lehensgebiet, das schließlich an den Kirchenstaat überging.

Sowohl für die politischen als auch für den kulturellen Aspekte – die estensischen Gebiete, die ein Zentrum der Renaissancekultur mit der voranschreitenden Urbanisierung und der Förderung der Künste waren – sind diese diplomatischen Bemühungen um Unterstützung fruchtbar geworden.

Die intensiven Kontakte zu den Kaisern des Reiches, aber auch zu verschiedenen Reichsfürsten, die engen diplomatischen Verbindungen zu anderen italienischen Mächten, aber auch zu Frankreich und zum Papst hat neben der Heiratspolitik der Este ein Netzwerk gebildet, dass auch einen materiellen und geistigen Austausch ermöglichte. Während die Heiraten der Este im Mittelalter meist Bräute aus reichen Familien betrafen, sind später Heiraten mit den Dynastien der Gonzaga in Mantua, der Sforza in Mailand oder der Della Rovere in Urbino an der Tagesordnung.

Der Höhepunkt waren allerdings sicher die Eheverbindungen Alfonso II., der mit Renée de France, die einen gewaltigen Hofstaat aus Frankreich mitbrachte, der auch Kultur veränderte, und mit der Erzherzogin Barbara in zweiter Ehe – beide also höherstehend – verheiratet war. Diese Hochzeit ist im Kontext einer stärkeren Heiratspolitik des Habsburgers Ferdinand I. zu sehen, vier von seinen elf Töchtern heirateten nach Italien. Diese Netzwerke auf verschiedenen Ebenen werden von der Autorin theoretisch untermauert, der Forschungstand über Netzwerkbildung, aber auch über Kulturaustausch und Transfer wird vorgestellt und kritisch diskutiert. Die Erzählweise erinnert stark an die thick description von Clifford Geertz und an Elemente der „Neuen Kulturgeschichte“.

Beim Export von Ideen und Sachen sind vor allem Sprache und Architektur hervorzuheben, während ein Import vor allem in der Musik zu sehen ist, viele Musiker der flandrischen Schule gingen nach Ferrara, andererseits befeuerte Isabella d’Este, die mit dem Markgrafen Gianfrancesco II. Gonzaga von Mantua verheiratet war, das Musikleben, das dann wieder durch den Heiratsbeziehungen mit den Habsburgern in den Raum der Habsburgermonarchie exportiert wurde. Im Zusammenhang mit Diplomatie, aber noch intensiver bei den verwandtschaftlichen Beziehungen durch Eheschließungen gab es Geschenke und Gegengeschenke, die Valentin Groebner trefflich als Kommunikationsmedien charakterisiert, die von bedeuteten Kunstwerken über Lebensmittel, Tiere (Falken, Hunde, Pferde) zu Alltagsgeschenken reicht.

Nicht nur Dinge, sondern auch Personen wurden ausgetauscht, Reisen und Besuche (z.B. die Kaiser in Italien), Kavalierstouren, Pilger- und Wallfahrtsreisen führten zu einem regen Austausch auf verschiedenen Ebenen.

Neben dem Kaiser hatten die Este auch Kontakte zu anderen Habsburgern, insbesondere zu Ferdinand von Tirol, aber auch zur innerösterreichischen Linie des Erzhauses und den Wittelsbachern sowie zu einigen – nicht zuletzt auch protestantischen Reichsfürsten. Besonders zu Kurfürst Moritz von Sachsen und dem Fürstenaufstand hatten die Este eine unerwartete Nahbeziehung.

All diese Netzwerke und die Dichte der Kontakte und Korrespondenz wurden von der Autorin in mühsamer Kleinarbeit in vielen Archiven in Italien, Deutschland und Österreich herausgearbeitet.

Ein weiteres kulturelles Zentrum des Kulturaustausches und Wissenstransfers war die 1391 von Alberto d’Este gegründete Universität Ferrara, an der Theophrastus Bombast von Hohenheim, genannt Paracelsus, und Nikolaus Kopernikus promovierten.

Eine Frage, die kaum in einer neuen Publikation fehlen darf, die Fremd- und Eigenwahrnehmung, die allerdings meist Klischees und Vorurteile bestätigt und damit signalisiert, dass diese Ansichten wahr sind, wird ebenfalls behandelt und gibt einen guten Überblick zum Deutschen- und Italienbild der Frühen Neuzeit.

Die gediegene auf gründliche Recherchen in Archiven und einer großen Menge an Sekundärliteratur, vorwiegend in deutscher und italienischer Sprache, basierende Publikation ist ein hervorragendes Werk, dass an der breiten Fallstudie zur Familie Este zeigt, welche Möglichkeiten und Chancen zur Erforschung der Kultur in der Frühen Neuzeit noch schlummern – nicht nur in Italien.

Printversion: Frühneuzeit-Info 32, 2021, S. 263–265

Veranstaltungsbericht | Zwischen Bewunderung und Ablehnung

„Zwischen Bewunderung und Ablehnung. Ausländische Wahrnehmung französischer Kunst am Übergang vom 17. zum 18. Jahrhundert“ Internet-Tagung der Universität Marburg am 5. und 6. Mai 2021

Friedrich Polleroß (Wien)

Noch als Professor an der Universität Reims hat Hendrik Ziegler ein bemerkenswertes deutsch-französisches Editionsprojekt angestoßen, welches jetzt zum Abschluss gekommen ist: Unter dem Titel Architrave wurde mit der Finanzierung des Wissenschaftspreises Gay-Lussac Humboldt sowie der beiden nationalen Forschungsagenturen um 500.000 Euro eine Datenbank installiert, in welcher mehrere Reisebeschreibungen deutscher Adeliger und Architekten zu Versailles und Paris enthalten sind.1 Sie ist seit 10. Mai online.2 Aus diesem Anlass fand vom 5. bis 6. Mai eine von der Universität Marburg ausgehende Internettagung statt, bei welcher das zweisprachige Unternehmen und einige Forschungsaspekte vorgestellt wurden. Nach der Begrüßung durch Hendrik Ziegler und die Vertreter der beteiligten Institutionen – Mathieu Da Vinha (Centre de recherche du chateau de Versailles), Thomas Kirchner (Deutsches Forum Paris) sowie Christoph Kudelka (Niedersächsische Staats- und Universitätsbibliothek Göttingen) – stellte der Initiator die Datenbank vor. Im Unterschied etwa zum 2018 nach zwölfjährigem Versuch eingestellten Romprojekt des Max-Planck-Instituts für Kunstgeschichte in Rom3 hat man hier in wenigen Jahren eine sehr gut funktionierende Datenbank auf die Beine bzw. ins Internet gestellt, auch wenn der Umfang zumindest im Vergleich zu den römischen Ambitionen noch überschaubar ist. In diesem Falle gab es administrative Probleme, weil es offensichtlich nach Jahrzehnten EU noch immer ein schwierig ist, wenn eine deutsche Kollegin in Deutschland für ein französisches Projekt arbeitet bzw. bezahlt wird!

Schwieriger waren allerdings die fachlichen Probleme zu lösen: Alle deutschen Texte des Botschafters Ferdinand Bonaventura von Harrach sowie der Architekten Christoph Pitzler (1657–1707), Lambert Friedrich Corfey (1668–1733), Leonhard Christoph Sturm (1669–1719), Christian Friedrich Gottlieb von dem Knesebeck (✝1710) und Balthasar Neumann (1687–1753) mussten zuerst aus Manuskripten oder – im Falle von Pitzler – von 130 Seiten auf Glasnegativen4 in ein durchsuchbares System eingegeben und dann ins Französische übersetzt werden. Da jedoch jeweils ein Foto des Originals der Transkription gegenübersteht (Abb. 1), lassen sich auch mögliche Fehler schnell entdecken. Wie das Tagebuch ausführt, befand sich Graf Harrach 1698 in Paris in Begleitung eines Sohnes sowie des Neffen Johann Adam von Lamberg. Das findet man zwar nicht direkt auf der Seite, aber über das Register heraus (Abb. 2).5

Ebenso schwierig wie die Identifizierung aller in den Texten genannten Personen war die Übersetzung bzw. auch schon die heutige Deutung. Ein Beispiel für die Problematik: Das barocke Wort „schlecht“ bedeutet z. B. nicht falsch oder übel, sondern nur moderat im Unterschied zu einer luxuriösen Gestaltung! Außerdem wurden Itinerarien dieser Reisenden erstellt, ein Index, eine Zeitleiste, Themenschwerpunkte wie „Malerei“ behandelt und es gibt auch einen Blog. Man kann von einem bestimmten Begriff im Text zu einer Person oder zu einem Ort bzw. zu einem konkreten Kunstwerk kommen und findet dazu die wichtigsten Informationen bzw. den jeweiligen Museumskatalogeintrag.

1 Originalseite und Transkription aus dem Tagebuch des Grafen Ferdinand Bonaventura von Harrach (Foto: Architrave)

2 Erläuterung zu Harrachs auf dieser Seite genannten Neffen Johann Adam von Lamberg (Foto: Architrave)

Das Ganze ist auch mit Landkarten verlinkt, z. B. die Reiseroute von Harrach (Abb. 3) oder seine Besichtigungen in Paris. Entweder direkt oder über das Register kommt man zu jeweiligen Kurzinformationen und Literaturhinweisen, z. B. des Hôtel de Guise (Abb. 4) sowie zu den Links des Ortes oder Objektes im Internet, d. h. bei der noch existierenden Place des Vosges zur entsprechenden Aufnahme bei Google (Abb. 5) bzw. zu einer historischen Ansicht in der Bibliothèque Nationale oder zu einem Foto des Gemäldes in einer Museumsdatenbank! Eine weitere Leistung ist die Quantifizierung vom Verhältnis des Textes zu den Abbildungen bzw. ganz- oder viertelseitig zur Bewertung einer Aussage (aber dazu mehr unten).

Zwar nicht laut Programm aber inhaltlich lieferte der freischaffende holländische Kunsthistoriker und Journalist Thomas von der Dunk den kunstpolitischen Hintergrund mit der Rivalität zwischen Habsburgern und Bourbonen. Wie immer rhetorisch gut zugespitzt brachte er die Thematik auf den Punkt, z. B. das habsburgische Gottesgnadentum und die universale Kreuzzugsvision, die etwa in der Karlskirche zum Ausdruck kommen, wie man seit Hans Sedlmayr weiß.6 Leider blieb der Referent aber auf dem Forschungsstand seiner umfangreichen und 2003 gedruckten Dissertation7 stehen. Mittlerweile sind aber von Hendrik Ziegler, Franz Matsche, Manuel Weinberger und auch vom Rezensenten einige Beiträge erschienen, die das Bild zwar nicht grundlegend ändern, aber doch differenzierter erscheinen lassen, als es Sedlmayrs politisch problematischer „Reichsstil“ im Jahr 1938 gezeichnet hat.8

Eine der Vorkämpferinnen der digitalen Kunstgeschichte insbesondere bezüglich von Architekturtrakten der Renaissance, Fréderique Lemerle Pauwels (CNRS Tours), bot zum Einstieg sozusagen die Vorgeschichte, nämlich einen Überblick über die deutschsprachigen Reisenden der ersten Hälfte und Mitte des 17. Jahrhunderts. Natürlich standen die Loire-Schlösser Blois, Chambord, Amboise sowie Schloss Madrid in Paris und deren Gärten im Fokus der Touristen. Dazu kam später Schloss Richelieu, das auch noch Leopold Joseph von Lamberg 1677 auf seiner Kavalierstour besuchte.9 Im Süden von Frankreich beachtete man vor allem die antiken Reste, und selbst die Protestanten besuchten auch die katholischen Kirchen. Es gab erste Reiseführer, und insbesondere Merians Topographia Galliae spielt mit ihren vielen Stichen eine wichtige Rolle für den Kulturtransfer der barocken Schreibtischreisenden. Noch um 1660 wird im Reisebericht der Prinzen Johann Christian und Johann Seyfried von Eggenberg Versailles nicht einmal erwähnt, hingegen die Bedeutung der „Tour nach dem fluß Loire“ für die mitteleuropäischen Kavaliersreisenden betont und der Besichtigung von Richelieu bereits jene von Vaux-le-Vicomte angeschlossen.10 

Der Absicht, die Daheimgebliebenen mit Wissen zu versorgen, galt auch das Bestreben von Sturms zwei Publikationen, die Simon Paulus (Universität Hannover) vorgestellt hat. Das 1706 veröffentlichte Werk Die zum Vergnügen der Reisenden geöffnete Baumeister-Akademie bildete sozusagen das Lehrbuch der Wolfenbütteler Ritterakademie, die Architektonischen Reise-Anmerckungen von 1719 hatten hingegen weniger Abbildungen. Man kann auch die von Sturm benützte Literatur nachweisen, hat er doch viele Informationen ohne eigenen Augenschein niedergeschrieben. Auffallend ist außerdem, dass der aus Süddeutschland stammende Protestant die süddeutsche und insbesondere die habsburgische Architektur praktisch ausgeklammert hat. Dafür hat er bei den Bauten, die er selbst gesehen hat, gerne Korrekturen eingezeichnet oder angemerkt, etwa bei den Säulenordnungen von St. Gervais in Paris. Sturm gilt ja bekanntlich als Architekt, der mehr durch papierene Rechthaberei als durch gute Bauten aufgefallen ist …

Sandra Bazin-Henry (Universität Clermont Auvergne) untersuchte den Einfluss der Spiegelgalerie von Versailles auf die deutschen Spiegelkabinette. Zuvor hatte es jedoch schon ein Spiegelkabinett in St. Germain-en-Laye gegeben. Die wirtschaftlich-politische Bedeutung des Spiegels war vom Wirtschaftsminister Colbert erkannt worden, der daraufhin eine entsprechende Produktion ins Leben rief. Später traten die französischen Glashändler auch in Berlin und Bayern auf. Die deutschen Besucher lobten einerseits die verdoppelte Aussicht und kritisierten andererseits, dass der Platz für Gemälde besser zu nutzen gewesen wäre. Eine direkte Rezeption gab es etwa im Stadtpalais Harrach in Wien auf der Freyung, wo die Spiegelgalerie vom französischen Architekten Pierre Cottard geplant wurde.11 Der Kölner Kurfürst Joseph Clemens ließ sein Spiegelkabinett von Robert de Cotte in Bonn mit chinesischem Porzellan bereichern. Diese Mischform findet man auch im Winterpalais des Prinzen Eugen in Wien, dessen Wanddekoration später ins Untere Belvedere übertragen wurde, während der Plafond am Ort blieb.12

3 Karte mit der Reiseroute Harrachs in Frankreich (Foto: Architrave)

4 Erläuterung zu dem von Harrach besuchten Hôtel de Guise (Foto: Architrave)

5 Link zu Google Maps bei der von Harrach besuchten Place des Vosges (Foto: Architrave)

6 Karl VI. mit französischen Polster (Lit de Justice), Kupferstich von Andreas und Joseph Schmutzer nach Johann Veit Hauckh, 1728; Privatsammlung (Foto: Friedrich Polleroß)

Matthieu Lett (Université de Bourgogne) widmete sich der Rolle der Ehrentreppe und deren Einfluss von Frankreich versus Italien. Dabei kam es sowohl zu politischen als auch zu künstlerischen Überlegungen, wobei es etwa um die Stellung des Treppenhauses im Gesamtgefüge des Schlosses oder die Treppenführung und Beleuchtung ging.13 So galt etwa die nicht erhaltene „Gesandtentreppe“ in Versailles als zu finster. Während sich Prinz Eugen offensichtlich trotzdem daran ein Vorbild nahm,14 war Graf Harrach überzeugt, seine niedrigen Stufen im Stadtpalais seien bequemer und schöner als jene in Frankreich. Wie auch bei den Spiegelkabinetten kam es durchaus zu Mischformen mehrerer Vorbilder, z. B. in Würzburg, wo ebenfalls Robert de Cotte tätig war.

Veronika Hyden-Hanscho (ÖAW Wien) fragte ausgehend von ihrer Dissertation nach dem Einfluss der französischen Vorbilder beim österreichischen Adel.15 Durch den Krieg des Kaisers mit dem Sonnenkönig war die Situation komplexer, da der Kauf französischer Luxusgüter eigentlich verboten war. Besonders beliebt waren die Erzeugnisse der Mode und des Kunstgewerbes.16 Die Vermutung der Referentin, dass der aus Paris kommende Jacques van Schuppen bei den Porträts Karls VI. einen Polster, d. h. das zeremoniell eindeutig französische Lit de Justice17 malte, führt sie auf den Streit zwischen dem österreichischen und spanischen Vliesorden zurück. Es scheint jedoch naheliegender, hier eine unbedachte künstlerische Übernahme des französischen Vorbildes zu vermuten, weil es ja in beiden Fällen auch ohne Ordenstracht vorkommt (Abb. 6).18

Holger Kürbis (Forschungszentrum Gotha) stellte die beiden Frankreichreisen von Friedrich I. von Sachsen-Gotha und Altenburg vor. Die Tagebücher der Reise 1667/68 sind vor einigen Jahren publiziert worden.19 Der Fürst reiste inkognito, traf aber Ludwig XIV., dem er Soldaten vermieten wollte. Leider sind die Beschreibungen der Schlösser kurz ausgefallen; zu den Gärten findet man etwas mehr. Die zweite Reise 1687/88 brachte Friedrich ein königliches Diamantenporträt um 20.000 Reichsgulden ein und manche Bauideen. Die Vermutung, dass Schloss Friedrichswerth vom Schloss Richelieu inspiriert sei, wurde in der Diskussion von Hendrik Ziegler jedoch in Frage gestellt.

Angela Göbel (Projektmitarbeiterin der Universität Marburg) hat den Parisaufenthalt des späteren Frankfurter Bürgermeisters und Mäzens Johann Friedrich Armand von Uffenbach 1715/16 analysiert, der sich seinem Porträt zufolge auch als Amateurarchitekt verstand. Er hatte Bankiersverwandtschaft an der Seine, war u. a. mit dem Grafen Friedrich Karl von Hardenberg20 sowie einem Wiener Baron Klein – vielleicht ein Pseudonym für Joseph Wenzel von Liechtenstein? – unterwegs, wohnte mit einem Herrn von Imhoff aus Wolfenbüttel im Hotel d’Allemagne und hinterließ ein Journal de Voyage mit 4.000 Seiten in der SUB Göttingen.21

Uffenbach besuchte die Maler Louis de Silvestre sowie Francois de Troy und kaufte zahlreiche Bücher sowie Stiche, die er in einer öffentlichen Bibliothek zugänglich machte. Er hat die Publikationen mit der Realität verglichen bzw. kritisch kommentiert. So warf er einem Stadtführer von 1713 vor, aus französischer Prahlsucht zu übertreiben. Auch bei seinen Besichtigungen war er nicht zimperlich. Er drang durch die Hintertüren in Adelspaläste ein und warf den Hausangestellten schlechtes Benehmen vor, wenn sie ihn des Hauses verwiesen! Er ging jedoch nicht nur mit „ehrvergessenen Franzosen“ streng ins Gericht, sondern kritisierte an seinen Landsleuten, dass sie lieber unter sich bleiben würden. Manche nationalen Stereotypen halten sich offensichtlich lange …

Gerrit Verhoeven (Universität Antwerpen), der sich mit der Grand Tour von Niederländern beschäftigt, warf einen Blick auf die Frankreichreisenden aus dieser Region. Es gibt ungefähr 150 Quellen, meist aus den nördlichen Niederlanden. Man kann zwischen den klassischen Bildungsreisen meist junger Männer und den kurzen Vergnügungsreisen ganzer Familien unterscheiden, bei denen es neben der Besichtigung von „Flagshiparchitecture“ und Kulturgenuss hauptsächlich um Mode im „Shoppingcenter“ Paris ging. Obwohl die Länder jahrzehntelang im Krieg mit Frankreich standen und die gegen die Niederlande bzw. Spanien gerichteten Aussagen der Denkmäler des Sonnenkönigs allgemein bekannt waren22, stießen sich nur wenige daran. Aber politisch korrekter Tourismus hat ja auch heute keine Chance, wenn die Preise günstig oder die Fetzen chic sind … Die Armut im Norden des Königreiches und die schlechten Zähne des Sonnenkönigs wurden hingegen negativ vermerkt!

Verena Friedrich (Universität Würzburg), beleuchtete die Dienstreise des Würzburger Hofarchitekten Balthasar Neumann im Jahr 1721.23 Die Vorbereitungen dauerten einige Jahre, wurden aber für ein gewissenhaftes Literaturstudium genutzt, was auch durch die Bücher in seiner Bibliothek nachgewiesen werden kann.24 Zweck der Reise war das Neubauprojekt der Fürstbischöflichen Residenz durch Johann Philipp von Schönborn, der damit den von seinem Reichskanzleronkel bevorzugen Bruder Johann Friedrich in Wien ausstechen wollte. Es ging u. a. um den Kontakt mit den französischen Hofbauarchitekten Boffrand und de Cotte, deren Pläne aber ebenso wie in Bonn auf die zeremoniell-praktischen Unterschiede zwischen französischer und deutscher Bautradition stießen25. Wesentlich einfacher war es hingegen, die modischen französischen Ornamente wie Bandlwerk oder Rocaille zu übernehmen26. Zu dieser Fragestellung speziell hinsichtlich des Raumzeremoniells ist 2017 ein jahrelang verspäteter Band einer Tagung in Paris im Internet erschienen.27

Die damals schon beteiligte Eva-Bettina Krems (Universität Münster) hat ihr seinerzeitiges Thema aufgegriffen und anhand der Frage „privat“ versus „öffentlich“ in der fürstlichen Wohnung methodisch zugespitzt. Dies betraf vor allem den Unterschied zwischen dem französischen Zeremoniell, wo alle vor dem König gleich gewesen seien, und dem Spanischen Hofzeremoniell am Kaiserhof,28 wo die Standesunterschiede besonders gepflegt wurden, obwohl es an beiden Höfen neben dem alten Geburtsadel einen neuen Beamtenadel gab.29 Eine wesentliche Rolle spielte in diesem Zusammenhang die Lage und Funktion des Schlafzimmers. Die Referentin zog für ihre Interpretation die Zeremonialtraktate (Lünig, Moser) heran und sah dabei das Problem durch Begriffe bzw. Fakten wie „Privat=Audienzen“ oder „Geheime Ratsstuben“ verunklärt. Man könne daher nicht von einer Trennung zwischen den beiden Bereichen sprechen. Gewiss war der Kaiser auch dort, wohin der König zu Fuß geht, eine öffentliche Person. Aber meiner Meinung nach, geht dies am Problem vorbei bzw. wird erst durch diese Bezeichnungen die Thematik verdeutlicht. Denn die kaiserliche Audienz in der Retirade bzw. dem Kabinett im Unterschied zur allgemeinen Zutritt in der Ritterstube mit dem ersten Thron war ein ebenso deutliches Distinktionsmerkmal wie die Mitgliedschaft im Geheimen Rat, obwohl sich 1705 nicht weniger als 164 Adelige als kaiserliche Räte bezeichnen durften.30 Die Geheime Ratsstube der Wiener Hofburg ist daher kein winziger Raum und fungierte sogar als zweiter Thronsaal31 (Abb. 7): „Noch höher im Rang stand die anschließende Geheime Ratsstube, die neben den kaiserlichen Geheimen Räten und den obersten Hofwürdenträgern nur regierenden Fürsten, Kardinälen und Gesandten königlicher Häuser vorbehalten war. Die innersten Gemächer, das Allerheiligste des Habsburgerreiches sozusagen, wurde von der Retirade (wörtlich Rückzugsort), wo höchsten Gästen die Gnade eines persönlichen Gespräches mit dem Monarchen zuteilwurde, […] dominiert.“32 Doch auch in Versailles hat man sehr wohl zwischen einem Empfang im Kabinett und im Schlafzimmer unterschieden. So wurde 1731 nur dem Erbprinzen von Hessen-Darmstadt ein Besuch bei Ludwig XV. im Cabinet bewilligt, seine jüngeren Brüder mussten sich hingegen mit dem Ceremoniel im Schlafzimmer des Königs begnügen und waren dementsprechend enttäuscht.33 Ähnlich war es ja auch mit dem Incognito: Wenn der unter einem Pseudonym auftretende Herzog von Sachsen-Gotha den Sonnenkönig „zufällig“ auf dem Feld traf, so wusste man natürlich, wer er war. Aber der Status des Incognito erlaubte beiden Seiten den Verzicht auf eine standesgemäße Repräsentation und ermöglichte ebenso informelle Gespräche, die ohne politische Konsequenzen bleiben konnten. Es scheint also, dass der Unterschied zwischen „privat“ und „öffentlich“ durchaus deutlich registriert wurde.

7 Geheime Ratsstube der Wiener Hofburg, Zustand um 1900 (Foto: Bildarchiv der ÖNB)

Die Gartenspezialistin Iris Lauterbach (Zentralinstitut München) untersuchte einmal mehr den Einfluss französischer Gärten auf deutsche Gärtner, der auch eine Professionalisierung des Berufsstandes zur Folge hatte. Der Zugang zu den Vorbildern war allerdings nicht ganz einfach und mit langen Wartezeiten verbunden; es herrschte teilweise sogar ein Zeichenverbot, weil man „Betriebsspionage“ vermeiden wollte. Lauterbach widmete sich vor allem den Salzburger Hofgärtnern Matthias Diesel und Franz Anton Danreiter, denen schon ein Heft der Salzburger Barockberichte gewidmet worden war.34 Diesel, der gemeinsam mit dem Münchner Architekten Josef Effner noch während des Spanischen Erbfolgekrieges in Paris war, ist vor allem deswegen wichtig, weil er auch detaillierte Aufzeichnungen über die technische Methoden, zur Botanik und zu Gerätschaften publiziert hat. Auch Danreiter hat derartige Zeichnungen hinterlassen bzw. 1731 einen französischen Gärtnertraktat ins Deutsche übersetzt. Bei den Architekten Sturm und Johann Friedrich Karcher in Dresden sowie den Kavalieren Friedrich von Mecklenburg und Friedrich Karl von Hardenberg35 hinterließ jedoch eigentlich Marly mehr Eindruck als Versailles. Und ein französischer Botaniker lobte damals seine deutschen Studenten, während er den Franzosen Reisefaulheit vorwarf. Daran scheint sich ja erst im 21. Jahrhundert etwas geändert zu haben … Im Land der Reiseweltmeister kann man daher jedoch mit weiteren Archivfunden zur französischen Gartenkunst rechnen!

Anna-Victoria Bognár (Universität Gießen) hat ihre 2020 auch im Internet publizierte Dissertation den beamteten Architekten im Römisch-deutschen Reich gewidmet.36 Im Vortrag hat sie die Bedeutung einer Frankreichreise dafür untersucht. Sie hat 409 Architektenbiographien des 16. bis 18. Jahrhunderts in Generationsgruppen eingeteilt und statistisch ausgewertet. Die Frankreichreise hat sich offensichtlich förderlich für die Karriere ausgewirkt, und der französische Einfluss zeigte sich auch in den Hofbauämtern an den französischen Berufsbezeichnungen, auch wenn die tatsächlichen Aufgaben und die Vorgangsweise unterschiedlich waren. So wurden in Frankreich die praktischen Aufträge an Betriebe vergeben, während man in Deutschland eigene Mitarbeiter dafür beschäftigte. Die Erkenntnis, dass der italienische Einfluss von einem französischen abgelöst wurde, ist ja seit langem durch kunsthistorische Analyse allgemein bekannt. Dies kann von der Referentin etwas detaillierter bestätigt werden. Eine solche statistische Methode kann also durchaus hilfreich sein, aber wenn eine Kategorie zwei Personen umfasst und ein Faktum bei einer zutrifft, von einer Trefferquote von 50 Prozent zu sprechen, scheint schon problematisch. Denn jede zusätzlich gefundene Person wirft das Ergebnis ziemlich durcheinander …

Ebenso ambivalent erscheint die statistische Dissertation des Projektmitarbeiters Florian Dölle (Stiftung Preußischer Schlösser und Gärten). Er hat die Frankreichrezeption in den Reiseberichten der Architekten Putzler, Corvey und Sturm hinsichtlich Inhalt, Vorgangsweise und Quellen statistisch ausgewertet. Während man bisher „Bildplagiate“ meist erkannt hat, ist es nun mit den in der Datenbank eingegebenen Texten leicht möglich, auf übernommene Beschreibungen aus Reiseberichten etc. aufmerksam zu werden. Das ist ebenso hilfreich wie der z. B. beim schwedischen Architekten Nicodemus Tessin d. J. anzutreffenden Hinweise, dass er dieses oder jenes nicht beschreibt, weil es eine Publikation dazu gibt oder in anderen Fällen bedauert, dass es so etwas (z. B. in Wien und Prag) noch nicht gibt.37 Auch eine Analyse von Bildvorlagen oder Bauaufnahmen nach der Natur ist natürlich sinnvoll und hilft zur Bewertung. Aber ob man unbedingt eine Abmessung von ganz- halb- oder viertelseitigen Abbildungen und die Anzahl der Worte zu einem Objekt braucht, um die Wertschätzung eines Gebäudes durch den Autor beurteilen zu können, scheint mir fraglich. Abgesehen davon, dass es wohl egal ist, ob Versailles 35 oder 38 Prozent des für Bild bzw. Text zur Verfügung stehenden Platzes einnimmt, kann ja eine solche rein statistische Auswertung angesichts der zahlreichen damals schon existierenden Versaillespublikationen völlig an der einem Bauwerk zugestandenen Bedeutung bzw. Qualität vorbeigehen. Trotzdem sind solche neuen Methoden zu begrüßen.

In der Schlussdiskussion hat Hendrik Ziegler Querbeziehungen zwischen den einzelnen Vorträgen hergestellt, und es gab noch einige Ergänzungen, z. B. den Hinweis auf ein Gemälde von Versailles im Rittersaal des Schloss Weikersheim der Grafen Hohenlohe nach 1709, welches den Stellenwert des Vorbildes bzw. die Konkurrenzsituation bestätigt. Offene Fragen sind etwa Reiserouten aufgrund von Guiden oder Familienbeziehungen (siehe Uffenbach und Harrach-Lamberg: Der kaiserliche Botschafter war auf der Heimreise von Madrid nach Wien und kaufte in Paris u. a. Luxuskleidung für die Hochzeit Josephs I. ein, Sohn und Neffe waren auf Kavalierstour in Frankreich unterwegs38). Nicht zu vernachlässigen sind auch die chronologischen bzw. Generationsunterschiede. So war es etwa vor dem Frieden von Rastatt mit Frankreich nur selten möglich Paris länger zu besuchen.39 Auch sei es nicht einfach, alle Architekten bzw. Quellen über einen Kamm zu scheren. So gilt Sturm als „Trainingsweltmeister“ (Meinrad von Engelberg), während Neumann nichts publiziert, aber dafür umso mehr gebaut hat. Natürlich gibt es auch zu den zirkulierenden Bildquellen noch Forschungsbedarf etwa zur Topographia Galliae von Merian oder zum Theatrum Europaeum, während die Stiche des Architekten Marot jüngst von Kristina Deutsch aufgearbeitet wurden.40 Gleichsam die Fortsetzung dieser Tagung ist analog in Versailles für Jänner 2022 geplant.

Printversion: Frühneuzeit-Info 32, 2021, S. 282–291

  1. https://www.uni-marburg.de/de/fb09/khi/forschung/ forschungsprojekte-detailseiten/architrave. []
  2. https://architrave.eu/contact.html?lang=de []
  3. http://lineamenta.biblhertz.it/ []
  4. Der Berliner Teil dieses Materials wurde bereits von Hellmut Lorenz und seinen Berliner Studierenden publiziert: Hellmut Lorenz (Hg.): Berliner Baukunst der Barockzeit: Die Zeichnungen und Notizen aus dem Reisetagebuch des Architekten Christoph Pitzler (1657–1707), Berlin 1998. []
  5. Zu diesem Aufenthalt siehe auch: Friedrich Polleross: Die Kunst der Diplomatie. Auf den Spuren von Leopold Joseph Graf von Lamberg (1653–1706). Petersberg 2010, S. 42–44. []
  6. Siehe zuletzt: Friedrich Polleross: Votivkirche und Staatsdenkmal. Die Karlskirche als Kunstwerk und politisches Symbol. In: Elke Doppler/Christian Rapp/Sándor Békési (Hg.): Am Puls der Stadt: 2000 Jahre Karlsplatz, AK Wien 2008, S. 80–87. []
  7. Thomas H. von der Dunk: Das Deutsche Denkmal. Eine Geschichte in Bronze und Stein vom Hochmittelalter bis zum Barock (= Beiträge zur Geschichtskultur 18). Köln/ Weimar/ Wien 1999. []
  8. Franz Matsche: Joseph Emanuel Fischer von Erlach und die französische Architektur. In: Lorenz Dittmann/Christoph Wagner/Dethard von Winterfeld (Hg.): Sprachen der Kunst. Festschrift für Klaus Güthlein zum 65. Geburtstag. Worms: Werner 2007, S. 1–18; Hendrik Ziegler: STAT SOL, LUNA FUGIT. Hans Jacob Wolrabs Josua-Medaille auf Kaiser Leopold I. und ihre Rezeption in Frankreich. In: Christoph Kampmann/Katharina Krause/Eva-Bettina Krems/Anuschka Tischer (Hg.): Bourbon – Habsburg – Oranien. Konkurrierende Modelle im dynastischen Europa 1700. Köln/Weimar/Wien 2008, S. 166–181; Manuel Weinberger: L’architecture à la française. Die Hofburg zu Beginn des 18. Jahrhunderts. In: Werner Paravicini/Jörg Wettlaufer (Hg.): Vorbild – Austausch – Konkurrenz. Höfe und Residenzen in der gegenseitigen Wahrnehmung (Residenzenforschung 23), Ostfildern 2010, S. 289–300; Friedrich Polleross: Zwischen Konfrontation und Imitation. Französische Einflüsse am Wiener Hof um 1700. In: Karl Möseneder/Michael Thimann/Adolf Hofstetter (Hg.): Barocke Kunst und Kultur im Donauraum. Beiträge zum Internationalen Wissenschaftskongress 9.–13. April 2013 in Passau und Linz, 2. Band, Petersberg 2014, S. 530–547. []
  9. Polleross, Lamberg (wie Anm. 5), S. 129, Abb. 109. []
  10. Václav Bok/Anna Kubíková (Hg.): Bericht über die Reise Johann Christians und Johann Seyfrieds von Eggenberg durch die Länder Mittel-, West- und Südeuropas in den Jahren 1660–1663. Eine kommentierte Edition, České Budějovice 2012, S. 140–170. []
  11. Wilhelm Georg Rizzi: Das Palais Harrach auf der Freyung. In: Palais Harrach. Geschichte, Revitalisierung und Restaurierung des Hauses an der Freyung in Wien. Wien 1985, S. 11–40, hier 18–21. []
  12. Richard Kurdiovsky/Klaus Grubelnik/Pilo Pichler: Das Winterpalais des Prinzen Eugen. Von der Residenz des Feldherrn zum Finanzministerium der Republik, Wien 2001, S. 114–119; Ulrike Seeger: Stadtpalais und Belvedere des Prinzen Eugen. Entstehung, Gestalt, Funktion und Bedeutung, Wien/Köln/ Weimar 2004, S. 100–108 und 303–308. []
  13. Einen Überblick zum Thema bietet: Anja Karlsen: Das mitteleuropäische Treppenhaus des 17. und 18. Jahrhunderts als Schaubühne repräsentativer Inszenierung. Architektur, künstlerische Ausstattung und Rezeption, Petersberg 2016. []
  14. Kurdiovsky/Grubelnik/Pichler (wie Anm. 12), S. 66. []
  15. Veronika Hyden-Hanscho: Reisende, Migranten und Kulturmanager. Mittlerpersönlichkeiten zwischen Frankreich und dem Wiener Hof (1630–1730). (= Vierteljahrschrift für Sozial- und Wirtschaftsgeschichte 221), Stuttgart 2013. []
  16. Siehe dazu auch die Barockberichte 67/2020. Sie enthalten die Nachlasspublikation des vor zwei Jahren verstorbenen Franz Wagner, der jahrzehntelang Material zu den Kunsthandwerkern gesammelt hat. Französisch klingen auch die Namen zahlreicher dieser Meister von Du Paquier (Porzellan) bis zu Morison (Goldschmied), und auch das „Vieux-Laque-Zimmer“ in Schönbrunn verweist auf die französische Variante des Orientalismus. Einen Schwerpunkt des Heftes bilden die Porzellanspezialisten, darunter auch der Bossierer Dionys Bouillion, der am berühmten Zwettler Tafelaufsatz mitgewirkt hat. []
  17. Elizabeth A. R. Brown / Richard C. Famiglietti: The Lit de Justice. Semantics, Ceremonial, and the Parlement of Paris 1300–1600 (= Beihefte der Francia, 31), Sigmaringen 1994. []
  18. Zu den Porträts Karls VI. siehe jüngst: Friedrich Polleross: Karl VI. im Porträt – Typen und Maler. In: Stefan Seitschek/Sandra Hertel (Hg.): Herrschaft und Repräsentation in der Habsburgermonarchie (1700–1740). Die kaiserliche Familie, die habsburgischen Länder und das Reich (= Bibliothek altes Reich 31). Berlin/ Boston 2020, S. 347–373. []
  19. Roswitha Jacobsen/Juliane Brandsch (Hg.): Friedrich I. von Sachsen-Gotha und Altenburg: Tagebücher 1667/1669–1677, 1. Band, Weimar 1998. []
  20. Bisher wurde nur dessen spätere Parisreise ausgewertet: Marcus Köhler: „Paris est un mer pleine de Sirènes & d’écueils …“ Le voyage de Paris de Friedrich Karl von Hardenberg 1741–1744. In: Art Française et Art Allemand au XVIIIe Siècle. Regards Croisés. Rencontre de l’École du Louvre, Paris 2007, S. 311–325; derselbe: ‚Juste milieu‘ – Die Kunstreisen Hardenbergs. In: Wilhelm v. Bothmer/Marcus Köhler (Hg.): Im Auftrag der Krone. Friedrich Karl von Hardenberg und das Leben in Hannover, Rostock 2011, S. 27–33. []
  21. Fürst Anton Florian, der auf seiner Kavalierstour 1675 als „Baron Testitz“ reiste, empfahl das Incognito 1715 auch für seinen Neffen Joseph Wenzel: Gernot Heiss: „Ihro keiserlichen Mayestät zu Diensten … unserer ganzen fürstlichen Familie aber zur Glori“. Erziehung und Unterricht der Fürsten von Liechtenstein im Zeitalter des Absolutismus. In: Evelin Oberhammer (Hg.): Der ganzen Welt ein Lob und Spiegel. Das Fürstenhaus Liechtenstein in der frühen Neuzeit, Wien/München 1990, S. 155–181, hier 172, 174. []
  22. Wolfgang Cillessen (Hg.): Krieg der Bilder. Druckgraphik als Medium politischer Auseinandersetzung im Europa des Absolutismus, AK DHM. Berlin 1997; Hendrik Ziegler: Der Sonnenkönig und seine Feinde. Die Bildpropaganda Ludwigs XIV. in der Kritik. Petersberg 2010. []
  23. Siehe dazu auch: Ulrich Fürst: „Ich finde viele Sachen, die sehr nutzlich sein“ (je trouve de nombreuses choses très utiles) – le rôle des modèles français dans l’architecture profane baroque en Bavière et en Franconie. In: Patrick Michel (Hg.): Art français et art allemand au XVIIIe siècle (= Rencontres de l’École du Louvre 20), Paris 2008, S. 35–49. []
  24. Jarl Kremeier: Balthasar Neumann (1687–1753) und seine Bibliothek. Einblicke in einen barocken Bücher-und Grafikschatz. in: Elisabeth Tiller (Hg.): Bücherwelten – Raumwelten, Köln [u.a.] 2015, S. 187–218. []
  25. Ulrike Seeger: L’appartement électoral entre Vienne et Versailles. L’appartement de parade de la résidence princière de Rastatt, in: Thomas W. Gaehtgens/ Markus A. Castor/Frédéric Bussmann/Christophe Henry (Hg.): Versailles et l’Europe. L’appartement monarchique et princier. Architecture, décor, cérémonial (Passages online, Band 1), Paris 2017, Heidelberg: arthistoricum.net, 2017. DOI: https://books. ub.uni-heidelberg.de/arthistoricum/catalog/book/234 []
  26. Thomas Wilke: Innendekoration. Graphische Vorlagen und theoretische Vorgaben für die wandfeste Dekoration von Appartements im 17. und 18. Jahrhundert in Frankreich, München: 2016. []
  27. https://books.ub.uni-heidelberg.de/arthistoricum/ catalog/book/234. []
  28. Henriette Graf: Das kaiserliche Zeremoniell und das Repräsentationsappartement im Leopoldinischen Trakt der Wiener Hofburg um 1740. In: Österreichische Zeitschrift für Kunst und Denkmalpflege, 51 (1997), S. 571–587; Rainer Valenta: L’appartement impérial à l’époque de Charles VI. Proposition de reconstitution. In: Thomas W. Gaehtgens u.a. (Hg.): Versailles et l’Europe: L’appartement monarchique et princier. Architecture, décor, cérémonial: https:// books.ub.uni-heidelberg.de/arthistoricum/catalog/ book/234. Siehe dazu auch das Kapitel „Zeremoniell und Raum“ in: Hellmut Lorenz/Anna Mader-Kratky (Hg.): Die Wiener Hofburg 1705–1835. Die kaiserliche Residenz vom Barock bis zum Klassizismus, Wien 2016, 318–354. []
  29. Zu den Gemeinsamkeiten und Unterschieden siehe: Jeroen Duindam: Vienna and Versailles. The Courts of Europe’s Dynastie Rivals, 1550–1780. Cambridge 2003. []
  30. Andreas PEČAR: Die Ökonomie der Ehre. Der höfische Adel am Kaiserhof Karls VI. (1711–1740), Darmstadt 2003, S. 28–30 und 161–170. []
  31. Irmgard Pangerl: „Höfische Öffentlichkeit“. Fragen des Kammerzutritts und der räumlichen Repräsentation am Wiener Hof. In: Irmgard Pangerl/Martin Scheutz/ Thomas Winkelbauer (Hg.): Der Wiener Hof im Spiegel der Zeremonialprotokolle (1652–1800). Eine Annäherung, Innsbruck/Wien/Bozen 2007, S. 255–285. []
  32. Martin Mutschlechner in: https://www.habsburger. net/de/kapitel/das-zeremonialappartement-der-hofburg. []
  33. Mathis Leibetseder: Die Kavalierstour. Adlige Erziehungsreisen im 17. und 18. Jahrhundert (= Beihefte zum Archiv für Kulturgeschichte 56), Köln/Weimar/ Wien 2004, S. 131. []
  34. Andrea Alexa Schnitzler-Sekyra: Franz Anton Danreiter (1695–1760). In: Barockberichte, 53/54 (2010), S. 451–484; Iris Lauterbach: Franz Anton Danreiter, hochfürstlicher Garteninspektor in Salzburg. In: Barockberichte, 53/54 (2010), S. 501–520; Élisabeth Maisonnier: Franz Anton Danreiter, ein Salzburger Gartenarchitekt in Versailles im Jahr 1723. Ein unveröffentlichtes Album mit Zeichnungen der Gärten in Versailles. In: Barockberichte, 65 (2018), S. 35–56; Iris Lauterbach: Danreiter, Köllner, Sckell, Petri, Heyken. Zu Ausbildung, Reisen und Netzwerken deutscher Hofgärtner im 18. Jahrhundert – Alte Desiderate und neue Funde. In: Die Gartenkunst, 32 (2020), Heft 2, S. 219–238. []
  35. Dessen Frankreichreise wurde von der Forschung schon zur Kenntnis genommen: Marcus Köhler: Ausführungen zum Editionsprogramm der Reiseberichte Friedrich Karl von Hardenbergs (1744/45), Ernst Ludwig Julius von Lenthes (1780) und Jobst Anton von Hinübers (1766/67). In: Hubertus Fischer/Joachim Wolschke-Bulmahn/John Beardsley (Hg.): Reisen und Gärten Reisen und Gärten. Reisen, Reiseberichte und Gärten vom Mittelalter bis in die Gegenwart, Hannover 2019, S. 291–297. []
  36. Anna-Victoria Bognár: Der Architekt in der Frühen Neuzeit. Ausbildung, Karrierewege, Berufsfelder (Höfische Kultur interdisziplinär – Schriften und Materialien des Rudolstädter Arbeitskreises zur Residenzkultur): https://heiup.uni-heidelberg.de/catalog/ book/580. []
  37. Merit Laine/Börje Magnusson (Hg.): Nicodemus Tessin the Younger. Sources – Works – Collections. Travel Notes 1673–77 and 1687–88, Stockholm 2002. []
  38. Zu diesen beiden häufigsten Arten der Frankreich-Reise siehe: Hyden-Hanscho, Reisende (wie Anm. 15), S. 38–69; zu den Gesandten u.a. Martin Pozsgai: Die Gesandten am französischen Hof als Kunstagenten. Daniel Cronström aus Schweden und Ernst Ludwig Carl aus Brandenburg-Ansbach. In: Mark Häberlein/ Christof Jäggle (Hg.): Materielle Grundlagen der Diplomatie. Schenken, Sammeln und Verhandeln im Spätmittelalter und Früher Neuzeit (= Irseer Schriften 9), Konstanz/München 2013, S. 175–192. []
  39. Marcel Schumacher: Von Wien nach Paris. Der Parisaufenthalt Joseph Emanuel Fischers von Erlach im Kontext der Architektenreisen nach 1715. In: Frühneuzeit-Info 19 (2008), Nr. 2, S. 48–58; Franz Matsche: Le Comte du Luc’ und Joseph Emanuel Fischer von Erlach. Zum französischen Kunsttransfer nach Österreich im 18. Jahrhundert. In: Frühneuzeit-Info 22 (2011), S. 163–170; Martin Pozsgai: Germain Boffrand und Joseph Effner. Studien zur Architektenausbildung um 1700 am Beispiel der Innendekoration. Berlin 2012. Zu den kriegsbedingten Rückgängen der Frankreichreisen siehe auch: Eva Bender: Die Prinzenreise. Bildungsaufenthalt und Kavalierstour im höfischen Kontext gegen Ende des 17. Jahrhunderts, Berlin 2011, S. 175–180. []
  40. Kristina Deutsch: Jean Marot. Un graveur d’architecture à l’époque de Louis XIV (Ars et Scientia 12), Berlin 2015. []

Jour fixe | 18.05.2022 | Dumont: Mary of Burgundy and Margaret of Austria

Vortragender: Jonathan Dumont (Wien)

Titel: Mary of Burgundy and Margaret of Austria. Two Female Rulerships in the Habsburg Low Countries

Moderation: Karl Vocelka

Ort: Hörsaal 30 im Hauptgebäude der Universität Wien statt (1010 Wien, Universitätsring 1) und Online!

Zeit: Mittwoch, 18.05.2022, 18:30

Abstract:

This lecture will focus on the legitimation of female rulership in the late fifteenth- and the early sixteenth-Habsburg Low Countries. During this period, the Low Countries were ruled by two women: Duchess Mary of Burgundy (r. 1477–1482) as sovereign ruler, and her daughter Margaret of Austria as governor general (1507–1515, 1519–1530). The context and the characteristics of these two rulerships were very different. Mary’s rule was contested by the king of France. She counterattacked by claiming that she was the sole heir of her father Duke Charles the Bold and therefore the only natural sovereign of her lands. Margaret of Austria ruled as governor general by delegation of her nephew Charles V’s sovereignty. She legitimated her position by relying on a very specific conception of power that characterised dynastic rulership: shared sovereignty. This lecture will present the results of two recent collective books codirected by the speaker: Marie de Bourgogne/ Mary of Burgundy. Reign, ‘Persona’, and Legacy of a Late Medieval Duchess/ Figure, principat et postérité d’une duchesse tardo-médiévale, eds M. Depreter, J. Dumont, E. L’Estrange, S. Mareel, Turnhout, Brepols (coll. Burgundica, 31), 2021, 475 p. URL: http://www.brepols.net/Pages/ShowProduct.aspx?prod_id=IS-9782503588087-1) and La Paix des Dames (1529), eds J. Dumont, L. Fagnart, P.-G. Girault, N. Le Roux, Tours, Presses universitaires François Rabelais, 2021 (coll. Renaissance), 464 p. URL: https://pufr-editions.fr/produit/la-paix-des-dames/).

Zur Person:
Dr. Jonathan Dumont holds a PhD in History, Art, and Archaeology (Université de Liège, Belgium). He is currently Research Fellow at the Österreichische Akademie der Wissenschaften (Institut für Mittelalterforschung). His work focusses on late medieval and early modern political history and history of political cultures, particularly in France, the Low Countries, and the early Habsburg Monarchy.

‼️‼️ WICHTIG ‼️‼️
Der Vortrag findet vor Ort mit beschränkter Teilnehmer*innenzahl statt, wird aber gleichzeitig online angeboten. Die Teilnehmer*innenzahl wird entsprechend den geltenden Corona-Vorgaben der Bundesregierung geregelt.
Für den Besuch der Vorträge ist eine schriftliche Anmeldung an folgende E-Mail-Adresse verpflichtend: ++++ gam.geschichte@univie.ac.at ++++

Dieser Vortrag findet auch digital statt:
Gastlink: https://univienna.zoom.us/j/65296178004?pwd=NGJVak5VSUlRYmYxaHNuNmk4UkYxdz09

Der Gastlink ist am Tag des Vortrages ab 18:15 aktiv, geben Sie bitte bei der Anmeldung Ihren Namen ein.

Weitere Details erfahren Sie auf der Website und unserem E-Mail-Aussendungen.

Rezension | Yordanova / Raggi / Biggi (eds.): Theatre Spaces for Music in 18th-Century Europe

Iskrena Yordanova, Giuseppina Raggi, Maria Ida Biggi (eds.): Theatre Spaces for Music in 18th-Century Europe (= Cadernos de Queluz 3 / Specula Spectacula 10), Wien: Hollitzer Verlag 2020. 660 S. ISBN 978-3-99012-771-1

Andrea Sommer-Mathis (Wien)

Bei dem vorliegenden Sammelband handelt es sich um den dritten Band der Serie Cadernos de Queluz, die ihren Namen vom Palácio Nacional de Queluz bei Lissabon herleitet. Dort, in der ehemaligen Sommerresidenz des Königshauses von Braganza, finden seit 2014 alljährlich im Centro de Estudos Musicais Setecentistas de Portugal „Divino Sospiro“ internationale Tagungen statt, die verschiedenste Themen aus der europäischen Theater- und Musikgeschichte während des 18. Jahrhunderts behandeln. War der erste Band der Serenata und Festa teatrale gewidmet1 und stand im zweiten Band die Rolle der Diplomaten und Aristokraten als Mäzene von Musik und Theater im Zentrum,2 so beleuchtet der soeben erschienene vierte Band die große Bedeutung von Briefen als Quelle für die musikalischen und theatralischen Entwicklungen in ganz Europa aus unterschiedlichen Perspektiven.3

Der hier vorgestellte dritte Band wurde – wie alle anderen – hauptverantwortlich von der Musikwissenschaftlerin und Geigerin Iskrena Yordanova herausgegeben. In diesem Fall wurde sie unterstützt von der Kunsthistorikerin Giuseppina Raggi und der Theaterwissenschaftlerin Maria Ida Biggi.

Die 22 Beiträge dieses Bandes untersuchen aus einer multidisziplinären Perspektive die unterschiedlichen Räume, die bei musikalischen und theatralischen Aufführungen, insbesondere bei Opern, im 18. Jahrhundert in mehreren Ländern Europas Verwendung fanden. Die hier vertretenen Musik-und Theaterwissenschaftler, Kunsthistoriker und Architekten wählten dafür verschiedene methodische Zugänge und Raumkonzepte. Räume werden hier einerseits konkret als reale Theatergebäude und Veranstaltungssäle verstanden, aber im übertragenen Sinn auch als Spielräume des höfischen Zeremoniells oder der politischen Allegorie. Auch ephemere Festarchitekturen finden Berücksichtigung, etwa in dem Aufsatz von Armando Fabio Ivaldi über die Londoner Festlichkeiten des Jahres 1749, für die Jean-Nicolas Servandoni zur Musik von Georg Friedrich Händel eine spektakuläre Feuerwerksmaschinerie entwarf, oder in dem Beitrag von Cristina Isabel Pina Caballero über Musik und ephemere Triumpharchitekturen in Murcia anlässlich königlicher Proklamationen im Laufe des 18. Jahrhunderts.

Unter den hier versammelten Aufsätzen finden sich sowohl Überblicksdarstellungen wie etwa die grundlegende Einführung in das Thema der Theaterarchitektur von Maria Ida Biggi als auch verschiedene Case Studies aus dem Bereich des höfischen wie öffentlichen Theaters. Der Band umfasst auch geografisch ein großes Spektrum: Naturgemäß liegt der Schwerpunkt der Beiträge auf Portugal und Italien, doch finden sich auch Studien zu theatralen Räumen in Spanien, Frankreich, England und Zentraleuropa (Mähren, Ungarn).

Maria Ida Biggi betrachtet den Theaterraum als Spiegel des politischen und sozialen Lebens und gibt einen Überblick über die Theaterarchitektur in Europa während des 18. Jahrhunderts, wobei sie auch die zeitgenössische Theoriebildung mitberücksichtigt. Daran anschließend bietet der portugiesische Architekt Luís Soares Carneiro einen Einblick in die Entwicklung der Theaterbauten in Portugal im 18. Jahrhundert und zeichnet dabei den Weg des Kulturtransfers aus Italien nach.

Giuseppina Raggi vertieft diesen Ansatz und weist, wie schon in früheren Studien, neuerlich überzeugend darauf hin, dass die italienische Oper nicht erst in den 30er-Jahren des 18. Jahrhunderts in Portugal Fuß fasste, sondern bereits zu Beginn des Jahrhunderts durch den Einfluss der Habsburgerin Maria Anna, die nach ihrer Heirat mit dem portugiesischen König João V. die ihr von ihrem Heimathof in Wien wohl vertraute italienische Musik- und Theaterkultur in Lissabon etablierte. Raggi zeigt auch die Konsequenzen auf, welche die 1722 geplante, aber nicht zustande gekommene Eheverbindung der Schwester von João V., Francisca de Bragança, mit dem Prinzen von Piemont für das Theaterleben der portugiesischen Metropole hatte: Das von Filippo Juvarra aus diesem Anlass entworfene Projekt eines königlichen Theaters in Lissabon wurde nicht realisiert, und so kam es erst 30 Jahre später (1752–55) mit der Ópera do Tejo zum ersten modernen Theaterbau für den portugiesischen Hof, dessen Aussehen Raggi mit Plänen und zeitgenössischen Beschreibungen reich dokumentiert.

José Camões und Paulo Roberto Masseran rekonstruieren in ihrem Beitrag das Teatro Real de Belém, das älteste, in Resten noch erhaltene Theater von Lissabon, das von Giovanni Carlo Sicinio Galli Bibiena im Jahre 1757 kurz nach dem Erdbeben erbaut wurde, dort, wo sich heute das Teatro Camões hinter der Fassade aus der Mitte des 18. Jahrhunderts befindet.

Eines der größten Verdienste der portugiesischen Beiträge zu diesem Sammelband ist es, dass hier auf der Grundlage von vielen neuen Quellen aus in- und ausländischen Archiven und Bibliotheken ältere Forschungsergebnisse korrigiert und wichtige Aspekte neu beleuchtet werden. Das zeigt etwa auch der von Licínia Ferreira und Rita Martins gemeinsam verfasste Artikel über die öffentlichen Theater von Bairro Alto und Rua dos Condes.

Spanien ist nur mit zwei Aufsätzen zu zwar interessanten, aber doch eher peripheren Phänomenen der dortigen Theater- und Musikgeschichte vertreten. Mit einem Beitrag von Aurèlia Pessarrodona zur Praxis der Tonadillas, kurzen musikalischen Komödien satirischen Inhalts, die sich in der zweiten Hälfte des 18. Jahrhunderts in Spanien großer Beliebtheit erfreuten, sowie dem bereits erwähnten Artikel von Cristina Isabel Pina Caballero zu den Festlichkeiten in Murcia anlässlich der Thronbesteigung verschiedener spanischer Könige.

Italien nimmt in dem Sammelband einen deutlich größeren Platz ein, wobei es bemerkenswert erscheint, dass vor allem kleineren musiktheatralischen Zentren besondere Aufmerksamkeit geschenkt wird. Nur eines der bedeutendsten Opernzentren des 18. Jahrhunderts, Neapel, ist durch einen Beitrag von Francesco Cotticelli und Paologiovanni Maione repräsentiert, die sich mit den Theater-, Musik- und Tanzaufführungen im Palazzo Reale von Portici, der Sommerresidenz der bourbonischen Königsfamilie, beschäftigen. Das dort eingerichtete Theater wurde später in eine Kirche umgewandelt, was die enge Beziehung zwischen Theater und Kirche zeigt, die beide aus demselben Wunsch gespeist werden, ihre Besucher bzw. Zuschauer zu beeindrucken.

Die Musikerin und Musikwissenschaftlerin Sarah M. Iacono widmet sich auf der Basis von zeitgenössischen Chroniken und Zeitungen den verschiedenen Aufführungsstätten von serenate, divertimenti, balli, drammi per musica, accademie, etc. in der Provinz Otranto, wobei sich eine erstaunliche Bandbreite von Festveranstaltungen und szenischen Räumen festmachen lässt. Ähnliches gilt auch für Sizilien, wo sich in Palermo, Catania und Messina ein reiches kulturelles Leben entfaltete, wie Eliade Maria Grasso zeigt.

Lorenzo Ebanista beleuchtet als Spezialist für die historische Entwicklung der berühmten neapolitanischen Krippen vom 17. bis ins 19. Jahrhundert die Rolle der Musik sowohl aus der Perspektive von musikalischen Darstellungen als auch der Ausübung von Musik im Zusammenhang mit den Krippen.

Reggio Emilia, Livorno und Bergamo stehen im Mittelpunkt der Aufsätze des Musikwissenschaftlers Giovanni Polin, des Theaterhistorikers Stefano Mazzoni und der Sängerin Serena Labruna. Während Polin am Beispiel der 1741 erfolgten Eröffnung des neuen Theaters in Reggio Emilia mit Apostolo Zenos Vologeso Überlegungen zur Funktion des theatralen Raumes und zu dessen Interpretation durch den venezianischen Librettisten anstellt, führt Stefano Mazzoni ausführlich und wohl dokumentiert aus, dass auch die kleine toskanische Hafen- und Handelsstadt Livorno im 18. Jahrhundert ein reiches Theaterleben entfaltete. Serena Labruna widmet sich ihrerseits dem Theater von Bergamo, das 1791, also erst knapp vor Ende des 18. Jahrhunderts, eröffnet wurde, und zeigt, wie die Stadt darum kämpfte, ein eigenes festes Theater in der Unterstadt zu errichten, und sich dabei gegen die Regierungshoheit der Republik Venedig stellte. Das Teatro Riccardi wurde schließlich unter Mitwirkung von Pietro Gonzaga gebaut, einem bedeutenden Bühnenbildner, dem man auch in mehreren anderen Artikeln begegnet, was einmal mehr die große Mobilität der italienischen Künstler im 18. Jahrhundert illustriert. Der Star der ersten Opernaufführung am Theater von Bergamo, Didone abbandonata, war allerdings mit Luisa Todi eine portugiesische Sängerin – auch das ein Beispiel für den damaligen regen Kulturaustausch innerhalb Europas.

Den mit „Austria – Moravia – Hungary“ überschriebenen Abschnitt hätte man sich vielleicht ein bisschen umfangreicher gewünscht, doch bieten die Aufsätze von Maria Paola Del Duca und János Malina immerhin interessante Einblicke in zwei Randgebiete der europäischen Theater- und Musikgeschichte, zum einen in das Mäzenatentum des Grafen Franz Anton Rottal, der in seinem Schloss in Holešov (Holleschau) in Mähren ein Theater einrichtete und zahlreiche Opernaufführungen in Auftrag gab; zum anderen in die Aufführungsstätten der Opern und Symphonien von Joseph Haydn nicht nur in Eisenstadt und Eszterháza (heute Fertöd, Ungarn), sondern auch im Schloss der Grafen Morzin in Lukawitz (Dolní Lukavice) und im Palais der Fürsten Esterházy in Wien (Wallnerstraße) und Kittsee.

Großbritannien ist in dem Band gleichfalls nicht gerade prominent vertreten, sondern nur durch den bereits erwähnten Aufsatz von Armando Fabio Ivaldi, der sich dem großen Feuerwerk von 1749 im Green Park in London widmet, das König George II. aus Anlass des Friedensschlusses von Aix-la-Chapelle zum Abschluss des Österreichischen Erbfolgekrieges veranstalten ließ. Ein großes, von Jean-Nicolas Servandoni entworfenes Feuerwerksspektakel zur Musik von Georg Friedrich Händel bildete den Höhepunkt der Festivitäten.

Um Fragen der Darstellung königlicher Macht und Repräsentation geht es auch in den drei Beiträgen des folgenden Abschnitts, in dem die europäischen Höfe als Schauplätze von Theater- und Musikaufführungen sowie die vielfältigen Aspekte der Theatralität im gesellschaftlichen Leben behandelt werden. Der Historiker Giulio Sodano gibt eine Einführung in die Organisation des Zeremoniells als Inszenierung des Lebens in all seinen Spielarten an den wichtigsten europäischen Höfen und geht auch kurz auf das Verhältnis der Höfe zu den privaten Räumen ein.

Im Artikel des Kulturhistorikers Gerardo Tocchini geht es hingegen am Beispiel der Aufführung des Phaëton von Jean-Baptiste Lully im Jahre 1683 um die Theaterpraktiken am Hofe König Ludwigs XIV. sowie um den kulturellen Wandel vom 17. zum 18. Jahrhundert, in dem der zunehmende Verlust des komplexen allegorisch-politischen Bedeutungsgehalts dieser Oper zu beobachten ist.

Der kunsthistorische Beitrag von Giulio Brevetti beschäftigt sich gleichfalls mit Herrschaftsdarstellungen, allerdings in der Bildenden Kunst des 18. Jahrhunderts und zeigt am Beispiel verschiedener europäischer Höfe (London, Wien, Neapel, Paris), wie Musik und Theater auch in Familienporträts Raum fanden.

Im abschließenden, mit „Beyond the stage“ betitelten Kapitel widmet sich der Musikwissenschaftler Lorenzo Mattei der Musik, die in der zweiten Hälfte des 18. Jahrhunderts hinter den Kulissen der Oper gespielt wurde, während Clara-Franziska Petry das Verhalten des Bürgertums und die Aufführungspraxis in den Konzerthallen des 18. Jahrhunderts analysiert.

Natürlich kann man einem so umfangreichen Sammelband Unausgewogenheit in der Behandlung mancher Themenbereiche vorwerfen, andererseits liegt die Attraktivität der Cadernos de Queluz gerade in der Themenvielfalt und den unterschiedlichen methodischen Zugängen, sodass man gerne geneigt ist, über die Heterogenität hinwegzusehen und sich über neue Erkenntnisse vor allem aus der portugiesischen Theater- und Musikgeschichte zu freuen, die bis zum Erscheinen dieser Sammelbände nicht wirklich im Fokus der Forschung gestanden ist. Dass sie mehrsprachig in einem Wiener Wissenschaftsverlag erscheinen, wird zweifellos auch zu einer größeren internationalen Resonanz beitragen. Mögen noch viele weitere Tagungen in Queluz veranstaltet werden und die entsprechenden Sammelbände auch in Zukunft pünktlich Jahr für Jahr erscheinen.

Printversion: Frühneuzeit-Info 32, 2021, S. 272–275

  1. Iskrena Yordanova / Paologiovanni Maione (Hg.): Serenata and Festa Teatrale in 18th Century Europe (= Cadernos de Queluz 1/Specula Spectacula 5), Wien: Hollitzer Verlag 2018. 550 S. []
  2. Iskrena Yordanova/Francesco Cotticelli (Hg.): Diplomacy and the Aristocracy as Patrons of Music and Theatre in the Europe of the Ancien Régime (= Cadernos de Queluz 2 / Specula Spectacula 7), Wien: Hollitzer Verlag 2019. 546 S. []
  3. Iskrena Yordanova/Cristina Fernandes (Hg.): „Padron mio colendissimo …“: Letters about Music and the Stage in the 18th Century (= Cadernos de Queluz 4 / Specula Spectacula 13), Wien: Hollitzer Verlag 2021. 820 S. []

Rezension | Wangermann: Aufklärung und Josephinismus

Ernst Wangermann: Aufklärung und Josephinismus. Studien zu Ursprung und Nachwirkungen der Reformen Josephs II. Mit einleitenden Beiträgen von Robert Hoffmann, Alan Scott und Franz A. J. Szabo. Bochum: Winkler 2016, 314 S.

ISBN 978-3-89911-257-3.

Stephan Steiner (Wien)

Wohl kein zweiter bedeutender Historiker hat sich so früh und so vehement für die Existenz einer eigenständigen Form der Aufklärung im Habsburgerreich ausgesprochen wie der mittlerweile im 97. Lebensjahr stehende Ernst Wangermann. Pointiert und hartnäckig hat er auf Phänomene hingewiesen, wie sie aus einer spezifisch josephinischen Atmosphäre erwachsen sind, jener Mischung aus einem energischen und bisweilen auch erratischen Herrscher, seinen oft äußerst bemerkenswerten Spitzenbeamten, aber auch und vor allem unzähligen Publizisten und Pamphletisten, die die Reformen begleiteten. Ablehnung und Zustimmung brandeten in der von den Fesseln der Zensur recht weitgehend befreiten Öffentlichkeit der 1780er-Jahre hoch, und es waren ausgerechnet die glühendsten Anhänger der Reformen, die so weit gingen, diese schließlich auch gegen den Kaiser selbst zu wenden und damit demokratische Prinzipien in nuce vorwegzunehmen.

Wangermanns Weg als „österreichischer“ Historiker war vollkommen atypisch und prägte seine Schriften nachhaltig: In Wien aufgewachsen, war er aufgrund eines jüdischen Großelternteils von der Rassenpolitik des Nationalsozialismus bedroht und verließ als Halbwüchsiger Österreich Richtung England. Perfekt zweisprachig geworden, studierte er in Oxford, prominente Historiker wie Christopher Hill gehörten zu seinen akademischen Lehrern. Für Archivrecherchen zu seiner Dissertation From Joseph II. to the Jacobin Trials kehrte er für zwei Jahre nach Wien zurück und bewegte sich im Umfeld weit links stehender Intellektueller. Keine gute Basis für eine Karriere im Nachkriegsösterreich, weshalb viele Jahre im Universitätsbetrieb von Leeds folgten, bis Wangermann 1984 in Salzburg zum ordentlichen Professor berufen wurde und eine neue Generation von österreichischen Historikerinnen und Historikern mit prägte.

Wangermanns teils auf Englisch, teils auf Deutsch verfasstes OEuvre ist schmal und konzis, Präzision ist in ihm gepaart mit stilistischer Eleganz. Auf reichem Quellenstudium basierende Forschungsergebnisse wurden in bloß vier Monographien (die bereits genannte Doktorarbeit, eine Geschichte Österreichs im 18. Jahrhundert, ein Buch über Gottfried van Swieten und eines über den Funktionswandel der politischen Literatur unter Joseph II.) niedergelegt. Diese bildeten dann oft den Grundstock für die insgesamt etwa 100 Aufsätze, die Wangermann zwischen 1956 und 2016 verfasste. Niemals ausufernd und schnell zum Punkt kommend und all in all very British wurde darin oft am Spielmaterial aus den Büchern weitergearbeitet, indem es neu gruppiert, erweitert, vertieft, präzisiert, zu neuen Fragestellungen vorangetrieben wurde.

In Aufklärung und Josephinismus wird dem Lesepublikum in 21 durchwegs aus Sammelbänden stammenden Beiträgen ein interessanter und durchaus repräsentativer Querschnitt durch die vielen Facetten von Wangermanns Lebenswerk geboten. Als wäre es nicht schon spannend genug, damit einem Experten durch die verschiedensten Grauzonen der Aufklärung folgen zu dürfen, werden durch die Auswahl und den langen Beobachtungszeitraum aber auch weniger beachtete Werkaspekte sichtbar.

Unter diesen überraschenden Momenten ist zuerst einmal der nicht unerhebliche Anteil von Arbeiten, die das 19. Jahrhundert betreffen: von Grillparzer über 1848 bis zu Fragen der Arbeiterbewegung. Oft sucht Wangermann in den zwischen Restauration und Revolution oszillierenden Ereignissen nach Spätfolgen jener josephinischen Aufklärung, die er letztlich auch deshalb nicht als verfehlt bewertet, weil er ihre Spuren noch im 19. und sogar 20. Jahrhundert nachhallen zu hören vermeint.

Was der vorliegende Band ebenfalls in ein eher unerwartetes und starkes Licht rückt, ist Wangermanns wiederkehrende Beschäftigung mit Fragen der Ästhetik. Anthony Ashley Cooper, der dritte Graf von Shaftesbury, wird dabei als ein Kompass für die Aufklärung immer gerne zitiert, die Romantik hingegen – zumindest in ihrer Rolle als Wegbereiterin des Nationalismus, Irrationalismus und Mystizismus – deutlich abgelehnt. Und immer wieder ist es die Musik, die nicht als bloß kulturelles Beiwerk betrachtet wird, sondern als schöpferischer Akt, an dem Wesentliches aus dem Jahrhundert der Aufklärung sich festmachen lässt, von Carl Philipp Emanuel Bach über Gluck zu Haydn.

Eine umfangreiche Festschrift hat Wangermann anlässlich seines 70. Geburtstags bereits erhalten, mit dem vorliegenden Sammelband wurde seine Ehrung vielleicht noch nachhaltiger vorgenommen: Einem Reigen von Aufsätzen, die in verschiedensten Sammelbänden zersplittert dahinschlummerten, wurde gleichsam ein zweites Leben eingehaucht.

Printversion: Frühneuzeit-Info 32, 2021, S. 275f.

Jour fixe | 27.04.2022 | Boll: Die Münchner Fürstenhochzeit von 1568

Vortragender: Stephan Boll (München)

Titel: „Prachtvolle, bis an das Wunderbare grenzende Dinge“. Die Münchner Fürstenhochzeit von 1568

Moderation: Friedrich Polleroß

Ort: Hörsaal 30 im Hauptgebäude der Universität Wien statt (1010 Wien, Universitätsring 1) und Online!

Zeit: Mittwoch, 27.04.2022, 18:30

Abstract:

Mit der Einholung der Braut Renata von Lothringen (1544–1602) durch den späteren Herzog Wilhelm V. (1548–1626) in Schloss Dachau begann am 22. Februar 1568 eine Serie von spektakulären, die Hochzeit über 18 Tage begleitenden Festen. Die Trauung durch den Kardinal-Bischof von Augsburg in der Frauenkirche wurde gefolgt von den unterschiedlichsten Divertissements. Bei winterlichen Schlittenfahrten, Tanzveranstaltungen bis hin zu öffentlichen Turnieren, aber auch Theateraufführungen und einer eigens für diesen Anlass von Orlando di Lasso verfassten commedia dell’arte wurden an verschiedenen markanten Orten der Stadt die Münchner Bürger, der bayerische Adel und die geladenen ausländischen verwandten Standesgenossen und Botschafter der europäischen Mächte unterhalten. All diese und weitere amusements wurden detailliert in Bild und Text dokumentiert und publiziert.

Zur Person:
Dr. Stephan Boll, Studium der Kunstgeschichte, Geschichte und Philosophie in Stuttgart. Magisterarbeit über „Die Funktion des Bildes in den gedruckten Weltchroniken des 15. Jahrhunderts“. Publikation der Promotion zur religiösen Malerei Pietro Novellis (il Monrealese), voraussichtlich 2022. Forschungsgebiete: frühneuzeitliche Bildkünste auf Sizilien, Kunstgewerbe des 18. Jahrhunderts und Kunstpatronage der Wittelsbacher.

‼️‼️ WICHTIG ‼️‼️
Der Vortrag findet vor Ort mit beschränkter Teilnehmer*innenzahl statt, wird aber gleichzeitig online angeboten. Die Teilnehmer*innenzahl wird entsprechend den geltenden Corona-Vorgaben der Bundesregierung geregelt.
Für den Besuch der Vorträge ist eine schriftliche Anmeldung an folgende E-Mail-Adresse verpflichtend: ++++ gam.geschichte@univie.ac.at ++++

Dieser Vortrag findet auch digital statt:
Gastlink: https://univienna.zoom.us/j/67481156111?pwd=L08vV0FyalZZS0xibFFJSjlJemtEUT09

Der Gastlink ist am Tag des Vortrages ab 18:15 aktiv, geben Sie bitte bei der Anmeldung Ihren Namen ein.

Weitere Details erfahren Sie auf der Website und unserem E-Mail-Aussendungen.

Rezension | Stagno / Franco Llopis (Hg.): Lepanto and Beyond

Laura Stagno, Borja Franco Llopis (Hg.): Lepanto and Beyond. Images of Religious Alterity from Genoa and the Christian Mediterranean (Leuven: University Press 2021), 324 Seiten, viele Abbildungen. ISBN 978 94 6270 264 6

Karl Vocelka (Wien)

Die Galeerenschlacht im Golf von Patras bei Lepanto am 7. Oktober 1571 galt den Zeitgenossen und auch in der späteren Historiographie als ein entscheidender Sieg gegen das Osmanische Reich. Zwar hatte dieser Triumph des „Christentums“ keine unmittelbaren politischen Folgen, aber die Vernichtung der als unbesiegbar geltenden osmanischen Flotte unter dem Befehl des Kaptan-i-Derya Ali Paşa, der in der Schlacht fiel, war ein psychologisch wesentliches Ereignis.

Der vorliegende Band vermittelt die Ergebnisse eines großen Projektes und einer Tagung in Genua 2018 und ist in jeder Hinsicht vorbildlich, der Zugang zum Thema ist interdisziplinär und international, wobei die Beiträge aus Italien, mit einem besonderen Fokus auf dem bisher eher vernachlässigten Anteil Genuas, und jene aus Spaniens eine für Mitteleuropa neue Perspektive aufzeichnen und vermitteln. Die Aufsätze basieren nicht nur auf einer breiten Basis der Sekundärliteratur, sondern erschlossen viele gedruckte, bildliche und im Archiv liegende Quellen, die gründlich studiert wurden.

Da die Protagonisten der Heiligen Liga, die Papst Pius V. zusammenbrachte, neben dem Papst, Spanien, Venedig und Genua umfassten und von vielen italienischen Staaten finanziell unterstützt wurden, sind die beiden Schwerpunkte mehr als verständlich. Kaiser Maximilian II. trat der Heiligen Liga nicht bei, was einen gleichzeitigen Angriff zu Lande ausschloss. Die Studie erweitert jedenfalls die Erkenntnisse der deutschsprachigen Literatur zum „Türkenbild“ erheblich und macht Vergleiche möglich.

Es geht in diesem Buch nicht nur um die Schlacht selbst und ihre zeitgenössische Darstellung in der Kunst, sondern auch um Themen, wie „Eigenbild und Fremdbild“ oder die lange anhaltende Propaganda als Nachwirkungen der Schlacht.

Ein wesentlicher Aspekt des Buches ist auch die religiöse Deutung des Ereignisses, das mit der Verehrung der Jungfrau vom Siege oder auch Unserer lieben Frau vom Siege, die angeblich Papst Pius V. in einer Vision den Sieg ankündigte, eng zusammenhängt.

Auch die von Papst aufgebrachte Verehrung der Frau vom siegreichen Rosenkranz spielt in den Interpretationen eine wesentliche Rolle. Dazu gibt es auch eine Verbindung zur Habsburgermonarchie, da nach dem Sieg des Prinzen Eugen von Savoyen bei Peterwardein/Petrovaradin 1716 das Rosenkranzfest für die ganze Kirche eingeführt wurde.

Der hervorragende Überblick über die Forschungslage von Laura Stagno für Italien und Borja Franco Llopis für Spanien zeigt die Unterschiede der beiden historiographischen Traditionen auf, da es in Spanien viele, vor allem historische Einzelstudien gibt, aber keine zusammenfassende Darstellung zum Türkenbild. Auch die Tatsache, dass in Spanien die ephemere Kunst dominierte und mehr literarische Quellen als Bilder existieren, ist bemerkenswert.

Die Diskussion darüber, dass König Philipp II. keine große Siegesfeier zelebrierte, wurde immer mit der Tatsache, dass der Sieger in Lepanto sein Halbbruder Don Juan de Austria war, mit dem er nicht in sehr guten Beziehungen stand, wird zum Teil neu aufgerollt. Bei Philipp steht nicht sehr überraschend der religiöse Aspekt im Vordergrund, nicht nur durch den antiken Wahlspruch in hoc signo vinces, sondern auch seine Stilisierung des Königs im Sinne des „Messianismus“.

Der kurze Artikel, von Steven Hutchinson zur Andersartigkeit ist sehr philosophisch und abstrakt, geht aber wenig auf das konkrete Feindbild ein.

Der Beitrag von Stefan Hanß über die spanischen Erzählungen zur Schlacht von Lepanto zeigt deutlich auf, dass ein heroisches Bild vermittelt wird, wobei die beiden Befehlshaber Juan de Austria und der Genuese Giovanni Andrea Doria und seine „Feigheit“ gegenüber dem osmanischen Admiral Uluç Ali Paşa im Vordergrund stehen. Wesentlich für die Betonung der spanischen Seite gegen das Selbstlob in Venedig, Rom und Florenz waren die Schriften, die spanische Botschafter in Italien in Umlauf brachten. In der bildenden Kunst brachten Medaillen und Geschenke vor allem für Don Juan de Austria eine Betonung seiner Leistung besonders in seiner Zeit als Statthalter in den Niederlanden (1577–1578), die unter dem Motto in hoc signo vinci Turcos, in hoc signo vincam haereticos (S. 96) standen. Eine Gleichsetzung von „Türken“ und „Ketzern“, wie man sie auch häufig in der Propaganda der Habsburgermonarchie findet.

Víctor Mínguez analysiert unter dem Titel A Sea of Dead Turks die Ikonographie der Schlachtdarstellungen und stellt sie in den Kontext von Michelangelos Fresken in der Sixtinischen Kapelle (Hölle und Flut) und mit den Darstellungen von Giorgio Vasari für die Sala regia im Vatikan, die viele Nachfolger fand. Ein Alleinstellungsmerkmal hat das Bild von Tizian, mit der Allegorie der Geburt des Infanten nach der siegreichen Seeschlacht von Lepanto.

Emiliano Beri und Laura Stagno widmen sich in ihren Aufsätzen der Situation in Genua, das nur einen geringen Teil der Flotte stellte, Andrea Doria elf Galeeren, andere Adelige ca. ein Dutzend Galeeren und die Republik Genua nur drei Galeeren. Daher dominieren nicht heroische Themen, sondern religiöse. Die Rosenkranz Ikonographie wird an Pius V. und Phillip II. gemeinsam abgehandelt, obwohl, den Ideen der Zeit nach, die Rosenkranzmadonna sowohl Schutz am Meer als auch gegen die für Genua besonders gefährlichen Korsaren angerufen wurde. Ein wesentlicher Aspekt der Diskussion in Genua, ist Anklage, Verteidigung und Selbstverteidigung Andrea Dorias nach der Schlacht in Lepanto (Motto: Viele Helden und ein Feigling).

Der Beitrag von Bastien Carpentier geht vor allem der sozialen Rolle der Kriegsunternehmer nach. Grundlage ist, dass Spanien Beobachtungspunkte für den maritimen Bereich und die Levante in Venedig und Neapel hatte, die mit Madrid Informationen austauschten, sodass der militärischer Entscheidungsprozess dezentralisiert war. Um die maritime Front zu kontrollieren war Genua ein besonders wichtiger Kontakt, Andrea Doria wirkte nach Lepanto als Capitán del Mar im Dienste Spaniens. In Genua brauchen jene, die mit Kriegsrüstung ihr Geld verdienten, das Feindbild der Osmanen und Korsaren in Nordafrika. Auf der Suche nach einen casus belli gab es sogar „fake wars“: So verbreitete man nach dem Ende des Osmanischen Krieges mit Persien 1590 das Gerücht, dass 223 osmanische Galeeren gebaut wurden.

Zwei der letzten drei Studien (Andrea Zappia, Mercedes Alacalá Galán) sind dem Thema der Sklaverei gewidmet, die sowohl im Maghreb als auch in Genua Realität war, es gab muslimische Slaven in Genua und genuesische Sklaven im Maghreb. Die Lebensbedingungen dieser Gefangenen waren ähnlich, in beiden Staaten existierte ein Bagno (Strafanstalt), aber die Auslösung der Sklaven, durch die große Summen in den muslimischen Bereich flossen, war eher einseitig, da es für die muslimischen Sklaven keine Institutionen wie in den christlichen Staaten (z.B. der Trinitarier-Orden) gab.

Ein besonders spannendes und sicher ausbaubares Thema unter dem Titel Sex und Sklaverei in der Literatur des frühneuzeitlichen Spanien analysiert Galán an vielen Beispielen. Die Spannungsfelder der Texte zwischen sexuellen Wünschen und dem hinderlichen Festhalten an der religiösen Orientierung, wobei immer nur Frauen von ihren muslimischen Herren zur Heirat eingeladen oder gezwungen wurden, werden klar gemacht. Auch das in der alten Gesellschaft so wichtige Wort Ehre taucht in den meisten dieser Erzählungen auf, in denen die Frauen durch Vergewaltigung und gebrochene Versprechen zutiefst erniedrigt wurden.

Der Aufsatz von Giuseppe Capriotti geht von der Darstellung der türkischen Sklaven im Umfeld des Kirchenstaates aus. Ein Objekt, das ich trotz vieler Sommer in den Marken, nie gesehen habe, steht dabei im Vordergrund, die Villa Buenaccorsi in Potenza Piceno. Dort hat der Maler die Loggia unter den Rückgriff auf Torquato Tassos La Gerusalemme liberata freskiert und stellt damit einen Bezug von den Kreuzzügen zu der Zeit um 1750 her. In den kurzen Seitenmauern der Loggia sind türkische Trophäen und Sklaven dargestellt.

Jeder der gediegenen Aufsätze ist mit Fußnoten und einem alphabetischen Literaturverzeichnis versehen. Die vielen Bilder, die in den Texten beschrieben und erklärt werden, sind in – leider zu klein geratenen und qualitativ nicht immer befriedigenden – Schwarz-Weiß Photographien im Text abgebildet, die wichtigsten Bilder sind allerdings erfreulicher Weise auch in der „Gallery Section“ in Farbe zu sehen.

Alles in allem eine sehr gediegene Publikation, die unser Wissen über die mediterranen Konflikte und die Propaganda zur Schlacht von Lepanto, die sich heuer zum 450. Mal jährt, und grundsätzlich die Auseinandersetzung mit den Osmanen, von einer anderen, als der zentraleuropäischen Perspektive darstellt. Jedenfalls ein sehr lesenswerter Beitrag zum Thema Orient und Okzident.

Printversion: Frühneuzeit-Info 32, 2021, S. 261–263

Rezension | Tischler-Hofer: Wie südosteuropäisch ist Graz?

Ulrike Tischler-Hofer (Hg.): Wie südosteuropäisch ist Graz? 50 Jahre Südosteuropäische Geschichte und 150 Jahre Slawistik an der Universität Graz, Graz-Wien: Leykam Buchverlagsgesellschaft, 2021, 208 Seiten. ISBN: 978-3-7011-0467-3

Edgar Lein (Graz)

Wie südosteuropäisch ist Graz? Dieser Frage gehen die zwölf Autorinnen und Autoren der Beiträge in dem von Ulrike Tischler-Hofer herausgegebenen und hier zu besprechenden Band nach. Anlass für diese Publikation waren das 50-jährige Bestehen des Fachbereichs Südosteuropäische Geschichte und Anthropologie sowie das 150-jährige Bestehen des Instituts für Slawistik an der Karl-Franzens-Universität Graz; beide Jubiläen hätten bereits 2020 gemeinsam gefeiert werden sollen.

Der Sammelband ist in zwei große Themenbereiche gegliedert. Dem Kunstschaffen im Alpen-Adria-Raum im 18. Jahrhundert sind Beiträge von Ulrike Tischler-Hofer, Dubravka Botica, Julia Strobl und Matej Klemenčič gewidmet. Die wissenschaftlichen Begegnungen zwischen Graz und Südosteuropa: Sammeltraditionen und Forschungsinteressen werden von Wolfgang Eismann, Karl Peitler, Susanne Kogler sowie Barbara Derler und Karl Kaser untersucht. Einführende Aufsätze stammen von Ulrike Tischler-Hofer, Walter Brunner und Alois Kernbauer, das Nachwort in Form eines Essays über Graz und den Südosten Europas hat Harald Heppner beigetragen. Die Ausrichtung auf die Fächer Südosteuropäische Geschichte und Slawistik an der Universität Graz hat wohl dazu geführt, dass von den zwölf Autorinnen und Autoren nur drei nicht in Graz tätig sind.

In ihrer Einführung skizziert die Herausgeberin die vielfältigen kulturellen Beziehungen zwischen Graz und der Alpen-Adria-Region, verweist auf Materialsammlungen und Inventare, die in verschiedenen steirischen Archiven und Bibliotheken zur weiteren Erforschung bereitstehen, erwähnt bestehende sowie bereits abgeschlossene internationale Forschungskooperationen und stellt die Beiträge der Autorinnen und Autoren kurz vor.

Walter Brunner gibt anhand von vier im Umfang höchst unterschiedlichen Themenbereichen einen Überblick über politische und kulturelle Wechselwirkungen zwischen Graz und Südosteuropa vom frühen Mittelalter bis zum Zweiten Weltkrieg. Nur kurz umrissen wird die Politik als Herrschaftsanspruch im slawischen Karantanien des Frühmittelalters und in der hochmittelalterlichen Steiermark. Sehr allgemein gehalten sind auch die Bemerkungen zu Studenten aus Südosteuropa an der 1586 von Erzherzog Karl II. gegründeten Jesuitenuniversität, der Vorläuferin der heutigen Karl-Franzens-Universität, und der Technischen Universität, die aus der 1811 von Erzherzog Johann gegründeten technischen Lehranstalt hervorgegangen ist; gern hätte man mehr über Anzahl und Herkunft der Studenten erfahren. Interessant sind die Ausführungen über Graz als Drehscheibe für aus dem nationalsozialistischen Deutschen Reich vertriebene jüdische Flüchtlinge und den als „Judenschlepper“ bekannten Grazer Josef Schleich, der anfangs mit Erlaubnis der Gestapo Wien möglichst viele Juden illegal über die südsteirische Grenze nach Jugoslawien schleuste. Ausführlich werden die innerösterreichische Regierung bzw. deren Vorgängerbehörden in Graz gewürdigt. Im Anschluss an eine Auflistung der Bestände im Steiermärkischen Landesarchiv, die zur Erforschung Sloweniens und Südosteuropas in der frühen Neuzeit bereitstehen, folgt eine umfassende Beschreibung der Maßnahmen, die ab 1480 zur Verteidigung der Landesgrenzen gegen türkische und ungarische Truppen ergriffen und finanziert werden mussten.

Alois Kernbauer beleuchtet in seinem ausführlichen Bericht die Rolle der Universität Graz für den Südosten von 1585 bis in die ersten Dekaden nach dem Zweiten Weltkrieg. Berücksichtigt werden die verschiedenen Bevölkerungs- und Sprachgruppen sowie die konfessionelle Zugehörigkeit der Bevölkerung, die allerdings seit Erzherzog Karl II. mit Hilfe der Jesuiten rekatholisiert wurde. Nachdem sich die Jesuiten lange einer Ausweitung des Studienangebots und der Gründung einer juridischen sowie einer medizinischen Fakultät widersetzt hatten, wurde die Universität Graz auf Anweisung Maria Theresias ab 1760 in eine staatliche Lehranstalt umgewandelt, deren Ziel vor allem die praxisorientierte Ausbildung von Staatsdienern in den verschiedenen Sprachen des Vielvölkerstaates war. Ab 1863 wurde die Universität Graz zur „Hochschule für den Südosten des Reiches“ ausgebaut. Der Beitrag schließt mit der Darstellung der Situation in der Zwischenkriegszeit, der Zeit des Nationalsozialismus und nach 1945. Zu allen Zeiten war der Standort Graz für Studenten aus Südosteuropa von größter Bedeutung, und Wissenschaftler und Studenten aus Jugoslawien wurden durch gezielte Austauschprogramme an die Universität geholt.

Im ersten großen Themenblock, der dem Kunstschaffen im 18. Jahrhundert gewidmet ist, geht es um Architekten, Baumeister, Maler, Bildhauer und Steinmetze, die im 18. Jahrhundert in Graz tätig waren und mit ihrem Werk weit in den Alpen-Adria-Raum ausgestrahlt haben.

Die Grazer Historikerin Ulrike Tischler-Hofer untersucht die Rolle des steirischen Grafen Ignaz Maria I. von Attems als Kunstmäzen und Bauherr zu Beginn des 18. Jahrhunderts. Nach einer Einführung zur Bedeutung des innerösterreichischen Adels nach der Übersiedlung des Hofes nach Wien sowie zur Herkunft der Familie Attems und zum Leben des 1652 in Ljubljana geborenen Ignaz Maria, der 1732 in Graz verstarb und dessen Grabmal sich in der Franziskanerkirche befindet, widmet sich die Autorin der Bautätigkeit und Sammelleidenschaft des Grafen, der testamentarisch zwei Fideikommisse stiftete, um sein Erbe vor Zerstückelung und Veräußerung zu bewahren. Zur Ausstattung seiner Schlösser in der Untersteiermark (Stattenberg/Štatenberg, Rann/ Brežice, Schloss Windischfeistritz/Slovenska Bistrica u.a.) sowie des repräsentativen Palais Attems in Graz und des vor der Stadt gelegenen Schlosses in Gösting bediente er sich der Maler Antonio Maderni, Franz Carl Remp, Matthias von Görz, Johann Caspar Waginger und Franz Ignaz Flurer. Ausführlicher gewürdigt wird das Palais Attems, das einst die größte und bedeutendste private Gemäldesammlung beherbergte. Ein Großteil der Sammlung wurde im 19. Jahrhundert von Graf Ignaz Maria III. von Attems dem neu gegründeten Joanneum überlassen, um diese der Öffentlichkeit zugänglich zu machen, und schließlich 1851 dem Museum testamentarisch vermacht. Nach der Abtretung der Untersteiermark (Štajerska) an den SHS-Staat und endgültig nach dem Ende des Zweiten Weltkriegs fehlten den Erben die wirtschaftlichen Grundlagen zum Erhalt des Grazer Palais. In den folgenden Jahren wurden zahlreiche Ausstattungsgegenstände (Gobelins, Rüstungen, Waffen, eine Mineraliensammlung sowie Gemälde) veräußert. Schließlich wurde das Palais 1962 vom Land Steiermark erworben. Der Beitrag von Ulrike Tischler-Hofer endet mit einem Appell an die Verantwortlichen, dieses für die Steiermark und den Alpen-Adria-Raum kulturhistorisch so bedeutende Baudenkmal angemessen zu würdigen, zu erhalten und sinnvoll zu nutzen.

Die an der Universität Zagreb tätige Kunsthistorikerin Dubravka Botica untersucht das Werk des letzten großen in Graz ansässigen Barockarchitekten Josef Hueber, der auch im benachbarten Slowenien und in Kroatien tätig war. Bereits im 16. Jahrhundert hatte der innerösterreichische Oberbaumeister Domenico dellʼ Allio auch in den kroatischen Städten Warasdin und Koprivnica als Festungsbaumeister gewirkt, und auch der Grazer Hofbaumeister Andreas Stengg und sein Sohn Johann Georg arbeiteten in der Steiermark und den angrenzenden Ländern. Hueber, der unter anderem die barocke Fassade der Mariahilferkirche in Graz, die Wallfahrtskirchen in St. Veit am Vogau und am Weizberg in Weiz entwarf, beeinflusste mit seinen doppeltürmigen Fassadenentwürfen und seinen dynamisch gestalteten Innenräumen andere spätbarocke Sakralbauten wie die von Josef Hoffer erbaute Wallfahrtkirche im slowenischen Sladka Gora oder die nach Entwürfen Huebers von Mathias Persky errichtete Kathedrale der Hll. Hermagoras und Fortunatus in Obernburg/ Gornji Grad in Slowenien. Im Auftrag steirischer und österreich-ungarischer Adeliger war Hueber auch für die Umgestaltung und Modernisierung von Stadtpalais und Schlössern verantwortlich. Exemplarisch werden Schloss Dornau/Dornava bei Pettau/Ptuj in Slowenien, das 1753 bis 1755 im Auftrag von Joseph Thaddäus Graf Attems von Hueber umgebaut wurde, und das nördlich von Warasdin/ Varaždin gelegene Schloss Ludbreg in Kroatien, das in den Jahren 1745 bis 1749 für die Grafen Batthyány um- und neugestaltet wurde, genannt. In einem Ausblick auf künftige Forschungen fordert die Autorin nachdrücklich dazu auf, bei der Erforschung architektonischer Phänomene über Graz und die heute bestehenden Ländergrenzen hinaus zu denken, um die Bedeutung von Architekten wie Joseph Hueber, dessen Ideen auch die Sakral- und Palastarchitektur in Warasdin und Zagreb geprägt haben, angemessen würdigen zu können.

Die Wiener Kunsthistorikerin Julia Strobl, die bereits an dem internationalen Forschungsprojekt „Tracing the Art of the Straub Family“ beteiligt war, erläutert die Bedeutung von Philipp Jakob Straub und seinen Brüdern. Philipp Jakob, der die Bildhauerei bei seinem Vater Johann Georg Straub in Wiesensteig erlernt und in München und an der kaiserlichen Hofakademie in Wien vervollkommnet hatte, kam auf Empfehlung Johann Christoph Maders nach Graz, wo er 1733 die Witwe des Bildhauers Johann Jakob Schoy heiratete und bei den Landständen um Bestellung zum Bildhauer ansuchte. In Straubs Grazer Werkstatt waren als Gesellen auch sein jüngerer Bruder Joseph sowie seine beiden Halbbrüder Johann Georg und Franz Anton tätig, die sich später in Marburg/Maribor, Radkersburg und Zagreb niederließen. Das fast ausschließlich sakrale bildhauerische Werk der Brüder findet sich demzufolge in der Steiermark und dem heutigen Slowenien, vereinzelt auch in Kärnten, Görz und Krain, aber auch in Ungarn, Kroatien und Slawonien. Ausführlich beschrieben werden die Stationen der Ausbildung und die Tätigkeit des Grazer Bildhauers Philipp Jakob Straub und der Weg Joseph Straubs von Graz über Laibach/Ljubljana nach Marburg/Maribor, wo er eine Familie gründete. Von Marburg aus schuf er Skulpturen für Kirchen in Pettau/Ptuj, aber auch in Czakathurn/Čakovec und Warasdin/Varašdin in Kroatien und Großkirchen/Nagykanisha in Ungarn. Johann Georg verließ die Grazer Werkstatt, um sich in Radkersburg niederzulassen und zu heiraten. Allerdings kann dem Bildhauer bisher kein Werk gesichert zugewiesen werden. Auch Philipp Jakobs jüngster Bruder Franz Anton arbeitete wohl ebenfalls einige Jahre in der Grazer Werkstatt, bevor er sich in Zagreb niederließ, wo er außerhalb der Zunft unter dem Schutz von Franz Thauszy, dem Bischof von Agram/Zagreb tätig war. Von Graz ausgehend prägten die Brüder Straub die barocke Altarskulptur bis in die südwestlichen und südöstlichen Randgebiete der Habsburgermonarchie und brachten diese zu einer letzten Blüte, die durch die von Maria Theresia eingeleiteten und von Joseph II. durchgeführten Reformen sowie einen gänzlich neuen Stil beendet wurde.

Matej Klemenčič, Kunsthistoriker an der Universität von Ljubljana, untersucht am Beispiel des barocken Hochaltars und des Franz-Xaver-Altars im Grazer Dom die Beziehungen von Bildhauern und Steinmetzen sowie die Rolle der Jesuiten in den dreißiger Jahren des 18. Jahrhunderts zwischen Graz und Venedig. Maßgeblich an der Entstehung des Grazer Domaltars beteiligt war der Jesuit Georg Kraxner, der zuvor in Gorizia gelebt hatte. Kraxner beauftragte den Grazer Bildhauer Johann Jakob Schoy, der vor allem in Holz zu arbeiten verstand. Der Vertrag mit Schoy wurde am 27. Mai 1730 abgeschlossen, zwei Tage später erhielt der Bildhauer eine Anzahlung in Höhe von 500 Gulden. Im April 1731 erhielt Schoy weitere 800 Gulden als Anzahlung für Statuen im unteren Teil des Altars sowie 14 Gulden für eine Reise nach Venedig und 400 Gulden für Marmor. In Venedig wandte sich Schoy an den Jesuiten Donato Mora, der ihm beim Ankauf des Marmors half und die Steinmetze Giuseppe Formentini und Carlo Saldon empfahl, die das Tabernakel am Hochaltar schufen. Aus Venedig wurden schließlich über Triest sechs Säulen und sechs grob zugehauene Marmorblöcke nach Graz geschafft.

Während die figurenreiche Marienkrönung im Altaraufsatz von Schoy geschaffen wurde, waren die Schöpfer der beiden Statuen und der beiden Skulpturengruppen im unteren Teil des Altars lange Zeit unbekannt. Klemenčič kann nachweisen, dass die von Schoy entworfenen Figuren von Giovanni Marchiori geschaffen wurden, der in Graz das Bürgerrecht erworben hatte, aber nach Schoys Tod (1733) nach Venedig zurückkehrte, weil der aus Wien nach Graz empfohlene Philipp Jakob Straub Schoys Werkstatt übernahm. Auch der 1737 errichtete Franz-Xaver-Altar im Grazer Dom wurde in Marmor ausgeführt. Bezugnehmend auf Forschungen von Radmila Matejčič und Monica de Vicentini präzisiert Klemenčič die Zuschreibungen der Skulpturen dahingehend, dass die beiden Engel auf dem gesprengten Giebel und das Relief mit dem Tod des Hl. Franz Xaver von Michelazzi geschaffen wurden, während die Figuren der beiden Jesuitenheiligen Franz Borgia und Franz Régis von Giovanni Maria Morlaiter stammen. Ungeklärt bleibt, ob Morlaiter, der auch für die Jesuiten in Venedig tätig war, von Michelazzi in das Projekt eingebunden wurde oder ob die Grazer Jesuiten ihn für diesen Auftrag hinzugezogen haben. Durch die Verwendung von Marmor anstelle von Holz versuchten die Grazer Jesuiten es den Jesuiten in Laibach, Klagenfurt, Rijeka, Triest, Görz und Zagreb gleichzutun und wohl auch andere jesuitische Gemeinschaften zu Altarstiftungen aus Marmor anzuregen.

Im zweiten, ebenfalls vier Kapitel umfassenden Anschnitt umreißt der Grazer Slawist Wolfgang Eismann die über 200-jährige Tradition der Erforschung südosteuropäischer verbaler Folklore durch Grazer Slawisten, die auf Janez Primic, den Inhaber der ersten Lehrkanzel für „wendische Sprache“ in Graz zurückgeführt werden kann. Stanko Vraz, der in Graz Philosophie und Jus studiert hatte, veröffentlichte eine Sammlung illyrischer Volkslieder, die in der Steiermark, Krain, Kärnten und dem westlichen Teil Ungarns gesungen wurden. Mit dem Sammeln und Erforschen von Volksliedern beschäftigte sich auch Gregor Krek, der zum a. o. Professor der 1870 gegründeten Grazer Lehrkanzel ernannt wurde. Von ihm übernahm Karel Šterkelj die Herausgabe slowenischer Volkslieder aus dem Nachlass von Stanko Vraz. Kreks Nachfolger, der von 1902 bis 1917 in Graz tätige Matija Murko, war einer der bedeutenden Erforscher südslawischer Volksliteratur. Er interessierte sich vor allem für die epischen Gesänge der Mohammedaner in Bosnien und Herzegowina, von denen er auch Tonaufzeichnungen anfertigte.

Bis 1919 wurde das Grazer Institut ausschließlich von slowenischen Gelehrten geleitet. Nach vier Jahren der Vakanz übernahm der deutsche Heinrich Felix Schmidt, dessen Arbeiten zwischen Deutschen und Slawen vermitteln, den Lehrstuhl. Ihm folgte Bernd von Arnim. Am Institut habilitiert wurden Josef Matl und Linda Sadnik, die wesentlich zur Erforschung der Volkskunde Südosteuropas beigetragen haben. Während Matl das Verhältnis von Deutschen und Slawen untersuchte, widmete sich Sadnik bulgarischen und makedonischen Rätseln, die sich auf Himmelskörper, atmosphärische Erscheinungen und Feuer beziehen. Mit Stanislaus Hafner wurde 1964 ein Schüler von Arnims nach Graz berufen, dessen gemeinsam mit Erich Prunč geleitetes Forschungsprojekt der lexikalischen Inventarisierung der slowenischen Volkssprache in Kärnten gewidmet war. Fortgeführt wurde die Beschäftigung mit der südosteuropäischen Folklore von dem 2009 emeritierten Wolfgang Eismann und dem 2019 verstorbenen Peter Grzybek, die sich bereits zuvor mit der Erforschung von Sprichwörtern und Rätseln befasst hatten. Unerwähnt bleibt, ob und von wem die traditionell in Graz betriebenen Forschungen heute fortgeführt werden.

Karl Peitler, Leiter der Abteilung Archäologie und Numismatik am Universalmuseum Joanneum, erläutert an ausgewählten Objekten aus den beiden Sammlungsbereichen die auf Südosteuropa ausgerichteten Sammlungstraditionen und Forschungsinteressen am Joanneum. Vorgestellt werden keramische Objekte der prähistorischen Vinča-Kultur, ein römischer Porträtkopf aus dem kroatischen Salona, der aus Graz stammende und in Athen und Konstantinopel/Istanbul tätige Gelehrte und Sammler Anton Prokesch von Osten, eine Serie von Medaillen auf griechische Freiheitskämpfer aus dem 19. Jahrhundert und eine nicht realisierte Anbringung der Namen dieser Freiheitskämpfer an der Fassade des sogenannten Eisernen Hauses in Graz. Die vorgeschichtlichen und römischen Objekte belegen ebenso wie die im 19. Jahrhundert geschaffenen Medaillen die engen Verbindungen zwischen der Steiermark und den südosteuropäischen Ländern. Von besonderer Bedeutung für die Geschichte des von Erzherzog Johann gegründeten Museums ist Anton Prokesch von Osten, der dem Joanneum mehr als 1500 Münzen und Medaillen vermachte. In seiner Zeit als österreichischer Gesandter am Hof König Ottos in Athen verfasste er eine Geschichte des griechischen Freiheitskampfes, die bereits 1848 vollendet war, aber aus politischen Gründen erst 1867 gedruckt werden konnte.

Am Ende des Beitrags werden zwei Forschungsprojekte vorgestellt, die die von Peitler geleitete Abteilung mit Partnern aus Südosteuropa betreibt. 23 Partner aus zehn europäischen Ländern sind an dem Projekt „Danube’s Archeological eLandscapes“ beteiligt, um unter der Leitung des Universalmuseums Joanneum das archäologische Erbe und die archäologischen Landschaften des Donauraums mit Hilfe von Virtual-Reality- und Augmented-Reality-Technologien sichtbar und erlebbar zu machen. Das zweite, in Zagreb angesiedelte Projekt, dem Institutionen aus Österreich, Ungarn, Slowenien und Kroatien angehören, ist die „Iron Age Danube Route“ und dient der Ausarbeitung von Kulturrouten, um das eisenzeitliche kulturelle Erbe zu bewahren und bekannt zu machen.

Anhand von Archivalien im Archiv der Grazer Kunstuniversität rekonstruiert die Grazer Musikwissenschaftlerin Susanne Kogler Aufgaben und Wirken der Grazer Musikakademie von der Nachkriegszeit bis zum Ende der 1970er Jahre. Die Ausrichtung der Grazer Akademie für Musik und darstellende Kunst auf den südosteuropäischen Raum wurde bereits in den 1960er Jahren bei der Umwandlung des steiermärkischen Landeskonservatoriums in eine staatliche Akademie erwogen. Auch wenn die Bezeichnung „Südost Akademie für Musik und Darstellende Kunst“ aus politischen Gründen nicht eingeführt wurde, war die Pflege der Kontakte zu südosteuropäischen Musikakademien ein erklärtes Ziel. Prägend war Walter Wünsch, der seit 1966 Professor für Musikgeschichte an der Grazer Musikhochschule war. Er gründete das Institut für Musikfolklore, das er bis 1977 leitete. Gemeinsam mit dem Grazer Institut für Slawistik wurden seit 1964 alle zwei Jahre internationale Balkanologentagungen abgehalten, die der Volksmusik des Ostens und Südostens, dem orientalischen und dem romanischen Element am Balkan sowie der südosteuropäischen Volkskultur in der Gegenwart gewidmet waren.

Ausführlich beschrieben werden die in der Nachkriegszeit kontrovers geführten Auseinandersetzungen um die steirische Volkskultur und die Rolle des Grazer Musikwissenschaftlers Erich Markhl. Neben Kontakten zur Bundesrepublik Deutschland wurden in den 60er Jahren vor allem Beziehungen zu Italien, Jugoslawien, Griechenland, Bulgarien, Ungarn und der Tschechoslowakei geknüpft. Bedeutsam waren vor allem Kontakte nach Ljubljana und Zagreb. Zur Festigung der Beziehungen zu Slowenien wurden regelmäßige Austauschkonzerte in Graz und Laibach, aber auch in Maribor abgehalten. Ebenso gab es Austauschkonzerte in Zagreb, Prag und Pressburg/Bratislava.

Der Radius der Beziehungen vor allem nach Südosteuropa wurde in den 60er und 70er Jahren ständig erweitert. Auch die Anzahl der Studierenden aus Südosteuropa, die an der Grazer Kunstuniversität und ihren Vorgängerinstitutionen tätig sind, konnte stetig gesteigert werden. Ähnlich verhält es sich mit Lehrkräften, von denen Milan Horvat und Edo Micic sowie Andrzej Dobrowolski erwähnt und gewürdigt werden.

Im dritten und letzten Kapitel des Bandes formuliert der Grazer Historiker Harald Heppner allgemein gültige Aussagen über den Ursprung und die organisatorische Bedeutung der Stadt Graz, den Blick von Graz aus auf den Südosten und die südosteuropäische Sicht auf Graz. Ausgehend von der Bedeutung des Wortes Gradec für „kleine Burg“ wird die Besiedelung der Stadt durch Slawen kurz umrissen. Im Anschluss daran wird die funktionale Bedeutung der Stadt für das allmählich sich ausbildende Herzogtum Steiermark und als Regierungssitz von Innerösterreich beschrieben. Parallel dazu wurde Graz durch die von Erzherzog Karl II. gegründete Jesuitenuniversität zu einem Bildungszentrum auch für Studenten aus Südosteuropa, das seit dem 19. Jahrhundert durch die Gründung der Technischen Hochschule und der Akademie für Musik und Darstellende Kunst weiter ausgebaut wurde. Um den Blick der Grazer auf den Südosten Europas darzustellen, werden diese in drei Gruppen unterteilt. Zur ersten Gruppe gehören diejenigen, die sich und ihr Land als Teil der Europäischen Union und Zentraleuropas sehen. Daneben gibt es Menschen, die berufsbedingt mit Südosteuropa und den dort lebenden Menschen zu tun haben, und schließlich diejenigen Personen, die gezielt Kontakte zu Südosteuropa aufbauten und unterhielten. Der Blick von Südosteuropäern auf Graz wird an wenigen Personen kurz umrissen. Sowohl der ungarische König Béla IV. als auch der Reichsfürst Ulrich von Cilli hatten die Absicht, ihr Herrschaftsgebiet auf die Steiermark auszudehnen, was zu einer grundlegend anderen geographischen Ausrichtung der Stadt und des Landes geführt hätte. Die Sicht auf Graz und die Steiermark vom 17. bis zum 20. Jahrhundert wird schließlich an dem osmanischen Dolmetscher ʼOsman Ağa, dem Bojaren Dinicu Golescu, Moritz Ritter von Kaiserfeld-Blagatinschegg aus der Untersteiermark und dem jugoslawischen Schriftsteller Ivo Andrić erläutert, wobei vieles hypothetisch bleibt. Wie auch andere AutorInnen in diesem Band beendet Heppner seinen Beitrag mit dem Appell, angesichts der Vielfalt der Beziehungen zwischen Graz und der Steiermark zu den Ländern Südosteuropas, diese in transdisziplinären Forschungsvorhaben eingehend zu studieren und die Ergebnisse an ein breites Publikum zu vermitteln.

In allen in diesem Sammelband vereinten Beiträgen wird die Bedeutung einer den historischen Gegebenheiten geschuldeten, auf Südosteuropa und den Alpen-Adria-Raum ausgerichteten länderübergreifenden Forschung betont. Dieser Ansatz wird an der Universität Graz von den Instituten für Slawistik und Südosteuropäische Geschichte, deren Bestehen mit diesem Band gewürdigt wird, aber auch seitens der Archäologie verfolgt. Bedauerlicherweise gilt dies nicht mehr für das von Josef Strzygowski gegründete Grazer Institut für Kunstgeschichte, das im Jahr 2020 sein 125-jähriges Bestehen hätte feiern können. Eine mehrjährige, vom Rezensenten mit KollegInnen in Maribor und Ljubljana betriebene Kooperation, die auch auf eine Förderung des wissenschaftlichen Nachwuchses ausgerichtet war, wurde bereits 2019 von der Universitätsleitung zu Gunsten einer neuen, transatlantischen Ausrichtung und einer Fokussierung auf die zeitgenössische Kunst abrupt beendet. Anzumerken bleibt, dass eine spezifische, auf Österreich ausgerichtete Kunstgeschichte an keiner österreichischen Universität mehr gelehrt wird. Die kunsthistorische Forschung zu der Steiermark und zu Innerösterreich wird jedoch seit Jahren sehr erfolgreich von slowenischen KollegInnen betrieben, bleibt allerdings von österreichischer Seite weitgehend unbekannt, was auch daran liegt, dass die Ergebnisse meist in slowenischer Sprache (mit einer kurzen englischen Zusammenfassung) publiziert werden. Die in den Anmerkungen zu den in diesem Band enthaltenen kunsthistorischen Beiträgen zitierte Literatur zeigt anschaulich, dass Grundkenntnisse der slowenischen Sprache für die weiteren Forschungen auf diesen Gebieten von Vorteil sind.

Printversion: Frühneuzeit-Info 32, 2021, S. 276–281

Rezension | Bůžek: Tod und Begräbnis Ferdinands I. und seiner Söhne

Václav Bůžek: Tod und Begräbnis Ferdinands I. und seiner Söhne. Repräsentation katholischen Glaubens, politischer Macht und dynastischen Gedächtnisses bei den Habsburgern (Wien- Köln-Weimar: Böhlau Verlag 2021) 252 Seiten ISBN 978-3-20521294-2

Karl Vocelka (Wien)

Lange Zeit standen in der Erforschung der Frühen Neuzeit kulturhistorische Themen im Hintergrund. Konfessionelle Fragen, Strukturen der Politik oder kriegerische Ereignisse lagen im main stream der älteren Forschung. Erfreulicherweise hat sich das in den letzten Jahrzehnten geändert und Fragen der symbolischen Politik, der Repräsentation und der Lebensverhältnisse stehen heute durchaus im Vordergrund der Forschungsthemen. Auch das vorliegende Buch von Professor Václav Bůžek von der Südböhmischen Universität Budweis (Jihočeská univerzita v Českých Budějovicích), einem der – weit über die tschechische Republik hinaus – führenden Frühneuzeit Historiker, schlägt in diese Kerbe. Die deutsche Veröffentlichung ist die Übersetzung des vor kurzem erschienenen tschechischen Originals.

Mehrere Publikationen der letzten Jahre hatten das Thema „Tod und Begräbnis“ eines Herrschers gewählt. Allerdings geht die Studie von Václav Bůžek in mehreren Aspekten weit darüber hinaus. Das Buch beschäftigt sich mit vier habsburgischen Herrschern, den römisch-deutschen Kaisern Ferdinand I. (1503–1564) und seinem Sohn Maximilian II. (1527–1576), sowie dem Herrscher Innerösterreichs Karl (1540–1590) und Tirols und Vorderösterreichs Ferdinand (1529–1595). Nach der Herrschaftsteilung im Testament Ferdinands I. waren die österreichischen Erbländer seit 1564 dreigeteilt. Dass hier mehrere Herrscher (und deren Frauen Anna Jagiełło von Böhmen und Ungarn, Maria von Spanien, Maria von Bayern, Philippine Welser und Anna Caterina Gonzaga) in dieser Publikation vergleichend behandelt werden, zeichnet die Studie aus. Die Schilderung der Begräbnisse und ihres jeweiligen Ablaufs wird im Sinne von Clifford Geertz thick description (dichte Beschreibung) ausgeführt, Bůžek gibt eine auf ungedruckten und gedruckten Quellen, sowie der reichen Sekundärliteratur beruhende detaillierte Schilderung des Ablaufs der Begräbnisse, die aber mit einer Interpretation der Bedeutung und Symbolik des Zeremoniells verbunden ist. Die Grundstruktur des Begräbnisses – Obduktion und Konservierung der Leiche, Entnahme der Eingeweide und des Herzes, öffentliche Aufbahrung und Totenfeier in einer dafür entsprechend hergerichteten Kirche, Leichenzug, Castrum doloris, Gebetsformen etc. – bleiben immer gleich, aber gerade mit den viele Begräbnissen innerhalb von etwa 30 Jahren ließen sich feine Unterschiede herausarbeiten und deren Bedeutung festmachen. Naheliegend ist die Tatsache, dass die beiden „Kaiserbegräbnisse“, die sich auch am Bestattungszeremoniell Karls V. orientieren, anders waren als die Feierlichkeiten beim Ableben der beiden regionalen Herrscher in Innerösterreich sowie Tirol und den Vorlanden, obwohl auffallend ist, dass letztendlich immer die Gesamtheit der Dynastie symbolisch in die Zeremonien einbezogen wurde. Diese detailorientierte und dennoch holistische Zugangsweise der Interpretation ist sicherlich eine der großen Stärken dieses Buches.

Ein weiterer Fortschritt in der Betrachtung des Themas Tod und Begräbnis ist die akribische Auswertung der Quellen in Hinsicht auf den körperlichen Verfall, die Krankheiten und die Todesursachen der Herrscher, die bisher stark vernachlässigt wurden. Gerade dieser Teil der Forschung enthüllt ein erschreckendes Bild der körperlichen Verfassung der Habsburger, die von Gicht, Kältegefühlen, Herzleiden, Ess- und Verdauungsproblemen, sowie Störungen der Ausscheidung zwischen Durchfall und Verstopfung gekennzeichnet waren. Oftmals konnten die Herrscher, die auch durch Alterserscheinungen (Demenz) beeinflusst wurden, das Bett nicht verlassen und ihre Arbeit verrichten. Das Bild, das wir lange vor Augen hatten, des gesunden und tatkräftigen Herrschers bis zum Tod, müssen wir aufgeben. Ob diese sehr ähnlichen Krankheitsverläufe genetisch mitgetragen wurden oder vor allem mit der ungesunden Ernährung zusammenhingen – fettes rotes Fleisch und zu viel roter Wein seien stellvertretend genannt – gibt ein breites Feld für Spekulationen. Leider fehlte bisher noch immer eine Auswertung der Quellen, vor allem auch der Obduktionsberichte, in einer Zusammenarbeit zwischen Geschichte und Pathologie, der Habsburger in einer längeren Zeitebene. Die Publikation des Pathologen Hans Bankl: Die kranken Habsburger. Befunde und Befindlichkeiten einer Herrscherdynastie (Wien 1998) beruht nur auf Sekundärliteratur und keineswegs auf Quellen, man hätte aus dem Thema viel mehr machen können. Eine neuere Publikation des Historikers Christoph Brandhuber und der Rechtsmedizinerin Edith Tutsch-Bauer unter dem Titel Kräuterkunst & Knochensäge. Medizin am Hof der Salzburger Barockfürsten (Salzburg 2015) zeigt methodisch genau den Weg, der einzuschlagen ist. Die Verfasserin und der Verfasser dieser Publikation planen auch eine Untersuchung der Habsburger, dabei kann ihnen die vorliegende Publikation von Václav Bůžek als Vorbild dienen.

Die Reihenfolge der Schritte vom Ableben des Herrschers bis zur endgültigen Bestattung war bei allen Begräbnissen sehr ähnlich, die Verbreitung der Todesnachricht, die Obduktion und Einbalsamierung des Leichnams und die Präsentation des „unsterblichen politischen Körpers“, deren Interpretation auf den Arbeiten über die beiden Körper des Herrschers von Kantorowicz aufbaut, waren in allen Fällen gegeben. Erstaunlich ist, dass die öfter zitierte Publikation von Ernst Kantorowicz’ The King’s two bodies (1957) in deutscher Übersetzung Die zwei Körper des Königs immer in der tschechischen Übersetzung angegeben wird, das hätte der Übersetzerin oder der Lektorin/dem Lektor auffallen müssen. Dasselbe gilt für die zwei Bücher von Robert J. W. Evans, von denen ebenfalls immer nur die Titel in der tschechischen Übersetzung angegeben werden.

Die Zeremonien, die den Herrscher als christlichen Ritter und Vertreter des Katholizismus – was besonders bei Maximilian II., der mit dem Protestantismus sympathisierte, einer Beschönigung bedurfte – stilisierten und die Betonung des Zusammenhalts der Dynastie waren wesentliche Bestandteil der Repräsentation.

Pannen mit Terminverschiebungen, durch die Verzögerungen der Aufstellung des Castrum doloris sind ebenfalls ein wesentlicher Gesichtspunkt der Ereignisse. Der Autor geht auch auf die Grabdenkmäler ein, das wichtigste war das von Ferdinand I. und seiner Frau Anna Jagiełło und ihres Sohnes Maximilian II. im Veitsdom in Prag, das allerdings erst viel später, 1589, fertiggestellt wurde. Karl von Innerösterreich und seine Frau Maria errichteten schon zu Lebzeiten ein Mausoleum in der Abtei Seckau, wo auch einige ihrer Kinder begraben wurden. Ferdinand von Tirol und seine erste Frau, Philippine Welser, wurden in der Silbernen Kapelle in der Hofkirche in Innsbruck beigesetzt. Seine zweite Frau, Anna Caterina Gonzaga, die erst 1621 starb und ihre Witwenzeit im Innsbrucker Damenstift verbrachte, wurde hingegen in den von ihr gestifteten Servitenkloster in Innsbruck begraben.

Neben den vier Hauptkapiteln zu Ferdinand I., Maximilian II., Karl von Innerösterreich und Ferdinand von Tirol sind dem Buch zwei Kapitel vorangestellt. Im erster wird detailreich, aber doch übersichtlich die Geschichte der Habsburger im 16. Jahrhundert erzählt und in einem weiteren Abschnitt der Funeralkult für Kaiser Karl V. behandelt, in dem sich viele Vorbilder für die Gestaltung von Leichenfeiern im späten 16. Jahrhundert finden.

Das Buch schließt mit einer hervorragenden Zusammenfassung, die alle wesentlichen Themen und Interpretationen nochmals kurz summiert und in einer knappen und informativen Weise den Forschungsansatz und seine Ergebnisse klarlegt.

Das Quellenverzeichnis am Schluss zeigt auf, dass die Arbeit auf den Recherchen in den Archiven in verschiedenen Ländern (Spanien, Deutschland, Österreich und Tschechische Republik) und den edierten Quellen (Korrespondenzen, persönlichen Aufzeichnungen, Nuntiaturberichten etc.) und einer umfangreichen Sekundärliteratur beruht. Ein Orts-und Personenregister macht das Buch gut benützbar.

Eine Pflichtlektüre für alle Habsburg-Forscher, durch die man neue Perspektiven kennlernen kann, und viele Anregungen bekommt, die in der weiteren Forschung berücksichtigt werden sollten.

Printversion: Frühneuzeit-Info 32, 2021, S. 259–261

Jour fixe | 16.03.2022 | Gruber: Travelogues: Ein Bericht zur computer¬gestützten Analyse deutschsprachiger Reiseberichte (1500–1876)

Vortragende: Doris Gruber (Wien/Wolfenbüttel)

Titel: Travelogues: Ein Bericht zur computergestützten Analyse deutschsprachiger Reiseberichte (1500–1876)

Moderation: Wladimir Fischer-Nebmaier

Ort: Der Vortrag wird online abgehalten und falls möglich im Hörsaal 30 im Hauptgebäude der Universität Wien (1010 Wien, Universitätsring 1) übertragen.

Zeit: Mittwoch, 16.03.2022, 18:30

Abstract:
Reiseberichte enthalten Informationen über die Wahrnehmungen von Fremdheit, wie verschiedenste Regionen, Kulturen und Religionen. Gleichzeitig sind Reiseberichte stark von den an ihrer Produktion beteiligten Personen und ihren Selbstdarstellungen geprägt. Das interdisziplinäre und internationale Projekt „Travelogues: Perceptions of the Other 1500–1876 – A Computerized Analysis“ sammelte und analysierte fast 4.000 deutschsprachige Reiseberichte der Zeit 1500–1876 aus dem Bestand der Österreichischen Nationalbibliothek. Es wurden Algorithmen zur semi-automatisierten Auffindung und Auswertung der digital verfügbaren Druckschriften entwickelt, um darin Wahrnehmungen von „Fremdheit“ und vom „Orient“ zu untersuchen. Für die Analyse besonders herausfordernd waren die große Zahl an überlieferten Texten und die Heterogenität der Quellengattung. Der Vortrag fasst die Ergebnisse des Projekts zusammen, das von 2018 bis 2021vom FWF und der DFG finanziert wurde. Am Projekt beteiligt waren das Institute for Habsburg and Balkan Studies an der Österreichischen Akademie der Wissenschaften, das Austrian Institute of Technology, die Österreichische Nationalbibliothek und das Forschungszentrum L3S an der Universität Hannover.

Zur Person:
Dr.in Doris Gruber ist (Kunst-)Historikerin mit Schwerpunkten in der Medien-, Kultur- und Wissensgeschichte der Frühen Neuzeit sowie den Digital Humanities. Ihre Forschungen zur Wahrnehmung von Kometen und der Analyse von Reiseberichten wurden mit dem „Jubiläumspreis des Böhlau Verlages Wien“, dem „Franz-Stephan-Preis“ und dem „Lee Dirks Award“ ausgezeichnet.

‼️‼️ WICHTIG ‼️‼️
Der Vortrag wird online abgehalten und falls möglich im Hörsaal 30 im Hauptgebäude der Universität Wien (1010 Wien, Universitätsring 1) übertragen. Die Teilnehmer*innenzahl wird entsprechend den geltenden Corona-Vorgaben der Bundesregierung geregelt.
Für den Besuch der Vorträge ist eine schriftliche Anmeldung an folgende E-Mail-Adresse verpflichtend: ++++ gam.geschichte@univie.ac.at ++++

Dieser Vortrag findet auch digital statt:
Gastlink: https://univienna.zoom.us/j/69565828907?pwd=enNBblZuemtzZmtoRGN0SlFla0FKZz09

Der Gastlink ist am Tag des Vortrages ab 18:15 aktiv, geben Sie bitte bei der Anmeldung Ihren Namen ein.

Weitere Details erfahren Sie auf der Website und unserem E-Mail-Aussendungen.

Vorschau auf die Jour fixes des Sommersemesters 2022

👀  Im Sommersemester 2022 finden folgende IEFN-Vorträge statt: 👀

16. März 2022: Doris Gruber (Wien/Wolfenbüttel): Travelogues: Ein Bericht zur computer­gestützten Analyse deutschsprachiger Reiseberichte (1500–1876) (Moderation: Wladimir Fischer-Nebmaier)

27. April 2022: Stephan Boll (München): „Prachtvolle, bis an das Wunderbare grenzende Dinge“. Die Münchner Fürstenhochzeit von 1568 (Moderation: Friedrich Polleroß)

18. Mai 2022: Jonathan Dumont (Wien): Mary of Burgundy and Margaret of Austria. Two Female Rulerships in the Habsburg Low Countries (Moderation: Karl Vocelka)

22. Juni 2022: Ilya Berkovich (Wien): Mobilisierung für die Moderne? Die Habsburger­monarchie und ihre Armee (1781–1817) (Moderation: William Godsey)

In der Hoffnung auf rege Teilnahme an unseren Veranstaltungen verbleiben wir mit freundlichen Grüßen

Univ.-Prof. Dr. Karl Vocelka – Dr. Susanne Claudine Pils – Dr. Friedrich Polleroß

‼️‼️ WICHTIG ‼️‼️

Die Jours fixes finden jeweils an einem Mittwoch um 18 Uhr 30 online statt. Wenn es möglich ist, werden die Vorträge in einem Hörsaal der Universität hybrid angeboten. Details erfahren Sie auf der Website und unserem E-Mail-Aussendungen.

Virtueller Jour fixe | 19.01.2022 | O’Reilly: The many bodies of the king

Vortragender: William O’Reilly (Cambridge)

Titel: The many bodies of the king. The roving court of Archduke Charles Habsburg, 1700-11.

Ort: ausschließlich digital

Tool: via Zoom, Gastlink: https://univienna.zoom.us/j/94186209332?pwd=YUJHS2MwcWVrT1lvOWZPQTVFd3hpdz09

Zeit: Mittwoch, 19.01.2022, 18:30

Moderation: Stephan Steiner

Abstract: In late 1703 the Holy Roman Emperor Leopold I’s second son – the Habsburg archduke and self-styled Charles III of Spain, who would later become Emperor Charles VI – embarked on a laborious tour across Europe. The meandering spectacle of the Habsburg ceremonial was encouraged in a bid to secure the Spanish throne in the face of the rival Bourbon claimant. Travelling overland from the imperial residence Vienna to his new royal residence Barcelona, via London, this paper argues that Charles’s tour constituted a dynamic and potent roving ‘theatre of ceremony and precedence’ which outlined a rigid set of rules for the expression of socio-cultural rank through court etiquette. Charles’s travelling court was met with fanfare and fascination in most places, just as it was skeptically scrutinized and debated where it remained absent. The many bodies of the king, and this paper will focus on four, could not be permitted to exist simultaneously in the same place and at the same time, as this paper will argue.  The journey was perceived and resonated in a variety of spaces –courtly, religious, social and political,– some well-disposed to his cause, others repelling and refuting it, showing that although these bodies were detached and distant, they remained co-dependent at all times. The journey resulted in a Europe-wide debate about the public nature of legitimate rule and how different dynasties came to embody different kinds of government. Archduke Charles’s expedition was a formative experiment within an increasingly complex politics of precedence and ceremony, as well as a hitherto overlooked event of great personal import to the future Habsburg Emperor.

Lebenslauf: William O’Reilly, B.A., M.St. (Hist. Res.), D.Phil. (Oxon), FRHistS, FRSA, is Senior Lecturer in History and Associate Director at the University of Cambridge, Centre for History and Economics. His research is primarily in the field of early modern History and he publishes regularly in the history of migration, of colonialism, of trans-Atlantic relations and the social, cultural and economic history of Europe, 1500–1800.

+++ WICHTIG +++
Dieser Vortrag findet ausschließlich digital statt:
Gastlink: https://univienna.zoom.us/j/94186209332?pwd=YUJHS2MwcWVrT1lvOWZPQTVFd3hpdz09

Der Gastlink ist am Tag des Vortrages ab 18:15 aktiv, geben Sie bitte bei der Anmeldung Ihren Namen ein.

Jour fixe | 15.12.2021 | Iby & Anna Mader-Kratky: Das Rokoko in der Einschätzung klassizistischer Architekten

Vortragende: Elfriede Iby (Wien) & Anna Mader-Kratky (Wien)

Titel: „Schnirkeln von schlechtem Geschmack“ – Das Rokoko in der Einschätzung klassizistischer Architekten am Beispiel von Schloss Schönbrunn

Moderation: Friedrich Polleroß

Ort: Online via ZoomLink: https://univienna.zoom.us/j/95483375249?pwd=RVFBUkorYmUxbTFobExLNDBSL3NVUT09

Zeit: Mittwoch, 15.12.2021, 18:30

Abstract:

Nach dem Tod Maria Theresias (1780) blieb Schloss Schönbrunn weitgehend unbewohnt, bis es Kaiser Franz II./I. zu Beginn des 19. Jahrhunderts wieder als Sommerresidenz wählte und Umbauarbeiten im Inneren wie am Außenbau initiierte. Der von einem Teileinsturz bedrohte Dachstuhl machte eine umfangreiche Renovierung der Bausubstanz notwendig. Diese nahm Hofarchitekt Johann Aman zum Anlass, eine Fassadenneugestaltung im klassizistischen Zeitgeschmack vorzuschlagen, der unter anderem der Rokokodekor zum Opfer fiel. Auch einige Innenräume wurden nach den napoleonischen Besetzungen (1805 und 1809) im Stil der Zeit neu ausgestattet, um dem gängigen Wohnkomfort zu entsprechen. Während von diesen Neueinrichtungen wenig erhalten geblieben ist, präsentiert sich das Schloss in seiner Außenerscheinung bis heute mit den von Aman modifizierten Fassaden.
Der Vortrag zeichnet den Wandel der spätbarocken Sommerresidenz Maria Theresias zu einem moderat klassizistischen Bau nach, der stets unter der Prämisse größter Sparsamkeit zu erfolgen hatte. Welche Rückschlüsse lassen diese Umgestaltungen auf die damalige Bedeutung Schönbrunns im alljährlichen Residenzwechsel des Wiener Hofes zu, und in welchem Verhältnis stehen sie zu zeitgleichen Bauinitiativen in der Hofburg und in Laxenburg?

Zu den Personen:

Dr.in Elfriede Iby, Studium der Kunstgeschichte und Völkerkunde in Wien, seit 1994 für Schönbrunn tätig und seit 1997 Leiterin der wissenschaftlichen Abteilung der Schloß Schönbrunn Kultur- und Betriebsges.m.b.H. Laufende Forschungsarbeiten zur Bau- und Ausstattungsgeschichte Schönbrunns und zu den Kaiserappartements der Wiener Hofburg sowie Publikationen zum Thema.
Dr.in Anna Mader-Kratky, Studium der Kunstgeschichte, Geschichte und klassischen Archäologie an der Universität Wien; 2017 Promotion mit einer Arbeit zum Wiener Hofarchitekten Johann Ferdinand Hetzendorf von Hohenberg (1733–1816). Seit 2002 wissenschaftliche Mitarbeiterin der Österreichischen Akademie der Wissenschaften (Forschungsprojekte zur Wiener Hofburg, zu Schloss Schönbrunn, zu barocker Architektur in Wien und zum Wien[n]erischen Diarium). Forschungsschwerpunkte: Architekturgeschichte des 17. bis 19. Jahrhunderts, Residenzforschung, Zeremoniell und Hofkultur, österreichische Barockmalerei.

‼️‼️ WICHTIG ‼️‼️

Dieser Vortrag findet ausschließlich digital statt:
Gastlink: https://univienna.zoom.us/j/95483375249?pwd=RVFBUkorYmUxbTFobExLNDBSL3NVUT09

Der Gastlink ist am Tag des Vortrages ab 18:15 aktiv, geben Sie bitte bei der Anmeldung Ihren Namen ein.

Jour fixe | 17.11.2021 | Haas: Orthodoxe aus der Habsburgermonarchie als Schüler und Studenten in Halle

Vortragender: Daniel Haas (Hamburg)

Titel: „der gute geruch von halle“: Orthodoxe aus der
Habsburgermonarchie als Schüler und Studenten in Halle um 1750

Moderation: Stephan Steiner

Ort: Hörsaal 30 im Hauptgebäude der Universität Wien statt (1010 Wien, Universitätsring 1) und Online!

Zeit: Mittwoch, 17.11.2021, 18:30

Abstract:
Im Jahr 1768 beeindruckte der Priestermönch Pahomije Knežević Kaiser Joseph II. mit seinen guten Deutschkenntnissen. Diese habe er, so berichtete Knežević, in Ofen, Preßburg und Sachsen erworben – genauer: in Halle. Knežević gehörte zu einer Gruppe junger Orthodoxer aus dem Einflussbereich des Metropoliten von Karlowitz, die in der Mitte des 18. Jahrhunderts dem „guten geruch von halle“ gefolgt waren, wie Gotthilf August Francke formulierte. Sie besuchten die pietistischen Schulen der Glauchaschen Anstalten und studierten vorwiegend Theologie an der noch jungen Alma mater hallensis (gegr. 1694). Der Vortrag soll die Alltags- und Wissensgeschichte dieses Migrationsphänomens beleuchten und die Funktion der Gastschüler und -studenten als Mittler zwischen Halleschen Pietisten und orthodoxen Christen entlang der Militärgrenze und ihrem Hinterland darlegen.

Zur Person:
Daniel Haas ist wissenschaftlicher Mitarbeiter und Doktorand am Graduiertenkolleg „Interkonfessionalität in der Frühen Neuzeit“. In seinem Promotionsprojekt behandelt er die Verflechtungen des Halleschen Pietismus mit dem Östlichen Christentum.

‼️‼️ WICHTIG ‼️‼️
Der Vortrag findet vor Ort mit beschränkter Teilnehmer*innenzahl statt, wird aber gleichzeitig online angeboten. Die Teilnehmer*innenzahl wird entsprechend den geltenden Corona-Vorgaben der Bundesregierung geregelt.
Für den Besuch der Vorträge ist eine schriftliche Anmeldung an folgende E-Mail-Adresse verpflichtend: ++++ gam.geschichte@univie.ac.at ++++
Bitte beachten Sie ferner die an der Universität Wien geltende 2,5G-Regel sowie die Maskenpflicht.

Dieser Vortrag findet auch digital statt:
Gastlink: https://univienna.zoom.us/j/96010469860?pwd=Sm5UTzdWRjc4SXdxSy9GQ3RpZTJkdz09

Der Gastlink ist am Tag des Vortrages ab 18:15 aktiv, geben Sie bitte bei der Anmeldung Ihren Namen ein.

Weitere Details erfahren Sie auf der Website und unserem E-Mail-Aussendungen.

Veranstaltungsbericht | Ein Geschenk des Himmels

Ein Geschenk des Himmels. Zur Ausstellung „Raffaello 1520–1483“ in den Scuderie del Quirinale zu Rom

Martin Lottermoser und Johanna Gerling (Dresden)

Karfreitag 1520. Der Himmel über Rom verdunkelt sich, Donner grollt, und im Apostolischen Palast spaltet ein tiefer Riss die Mauern, sodass der Papst fliehen muss: Raffael war soeben verstorben.1 Was sich wie der Auftakt zu einem großen Drama biblischen Ausmaßes anhört, hat doch seinen Ursprung in Überlieferungen zu den Ereignissen an dessen Todestag. Poeten, Gelehrte und Künstler, ja auch der Papst bekunden ihre Trauer und rühmen nicht nur Raffaels Wesen, sondern ebenso sein künstlerisches Vermächtnis. Über die Ewige Stadt schreibt sein Freund Baldassare Castiglione, dass sie ohne ihn nie wieder dieselbe wäre.

Stärker noch preisen die Worte Pietro Bembos auf dem Epitaph der Grabstätte die großen Ambitionen und Fähigkeiten des Raffaello Sanzio aus Urbino. Sie stilisieren ihn quasi zu einem „sterblichen Gott“, denn der oberitalienische Humanist schreibt: „Dies ist Raffael, durch den selbst Mutter Natur gefürchtet hatte, besiegt zu werden; als er starb, hatte sie geglaubt, sterben zu müssen.“2 Die Kunst Raffaels wird zu einem Ideal, das im Sinne des Ausgleichs von Gegensätzen, pagane und christliche Welt, Beund Entschleunigung, Natur und Kunst, ebenso wie disegno und colore harmonisch zu verbinden weiß. Selten fällt ein Künstlergrabmal derart reduziert und gleichzeitig so nobel aus wie das des Urbinaten. Seinen Bestimmungsort fand er im Pantheon, in jener Kirche Roms, die wahrscheinlich wie keine zweite für die Verbindung von Antike und Christentum steht.

Pietro Vannis Gemälde Das Begräbnis Raffaels (Kat.-Nr. I.7) aus dem Jahre 1880 bringt bereits zu Beginn der Ausstellung „Raffaello 1520–1483“ die Wertschätzung zum Ausdruck, die ihm nicht nur Freunde zuteil werden ließen, sondern im Falle der Präsenz Michelangelos sogar ärgste Konkurrenten.Hoch auf einem Sarg aufgebahrt liegt der Verstorbene. Sein Haupt ziert ein Lorbeerkranz und würdigt ihn somit als pictor laureatus. Keine Geringeren als Dürer und Michelangelo persönlich führen dabei den Leichenzug auf dem Weg zu seiner letzten Ruhestätte im Pantheon an.3 Wer sonst außer Raffael hätte die beiden auf sich vereinigen können?

Die Scuderie del Quirinale in Rom würdigten den „uomo universale“ im „Jubiläumsjahr“ mit einer großen Ausstellung unter dem Titel „Raffaello 1520–1483“. Dieser weist bereits auf die Besonderheit hin, wird doch Leben und Werk des Künstlers chronologisch rückwärts erzählt. Narrationen ebenso rückwärts wie vorwärts denken und schildern zu können, ist keineswegs mehr „nur“ ein Privileg von Schriftstellern und Filmregisseuren.4 Denn die Schau verfuhr genau nach diesem Prinzip: Auf zwei Etagen verteilt lud sie zum Studium der Kunstwerke ein. Anhand von Gemälden, Zeichnungen, Druckgraphiken und Traktaten ließ sich die Karriere des Künstlers in umgekehrter Reihenfolge, beginnend beim Tode Raffaels bis zu seinem Frühwerk, verfolgen. Lediglich das erste und das letzte Kapitel entsprachen dabei diesem Ablauf, die dazwischen liegenden Abschnitte waren thematisch geordnet.

Zwangsläufig geht mit einer anachronistischen Anordnung insofern eine Schwierigkeit einher, als wir es gewohnt sind, Entwicklungen linear, vor allem aber zeitlich „vorwärts“ im Sinne ihrer biographischen Überlieferungen von der Geburt zum Tod des Künstlers zu denken. Dies ist wichtig zu betonen, weil damit nicht nur eine Einteilung in Früh-, Haupt-, und Spätwerk ermöglicht wird, sondern weil damit auch das Konzept eines lernenden und sich entwickelnden Künstlers verbunden ist. Infolgedessen erlaubt diese Systematisierung eines künstlerischen Gesamtwerks eine differenzierte Beurteilung inklusive Vor- und Rückverweisen. Den Beginn der Ausstellung mit Werken der Hochrenaissance zu markieren, schürt zunächst eher die Erwartung, fast ausschließlich Arbeiten dieser Zeit zu sehen. Dringt man zum Frühwerk vor, entsteht logischerweise eine Zäsur. Was aber sind die Konsequenzen für unser Verstehen seines künstlerischen OEuvres?

Wenn sich eine Ausstellung an der Biographie eines Künstlers orientiert und diese von hinten nach vorn erzählt, bedeutet dies zunächst eine Umkehrung von Ursache und Wirkung. Mehr noch, wer auf diese Weise verfährt, macht ersteres durch letzteres zum Thema. Insofern versucht die Schau nicht bloß das Leben des Raffael nachzuerzählen. Viel zentraler fragt sie nach den Bedingungen, die Raffaels Kunst zu dem werden ließen, was sie bis heute ausmacht. Die Herausforderung einer Ausstellung zu einem „Klassiker“ der Kunstgeschichte besteht schließlich darin, Altbekanntes neu zu zeigen, Augen zu öffnen, dem Anlass angemessen zu entsprechen und daraus eine mitreißende Narration entlang eines Roten Fadens zu entwickeln. Eine spannende Erzählung mit und rund um den „Renaissance-Star“ Raffael ist dem Kuratorenteam um Marzia Faietti und Matteo Lafranconi auch deshalb gelungen, weil sie die immer gleichen Pfade verlassen haben.

Raffaels Entwicklung, sein Fortschritt vom umbrischen Meister in der Tradition seines Lehrers Perugino bis hin zum großen Konkurrenten Michelangelos am päpstlichen Hof, ist weithin bekannt und hat wahrscheinlich mit Vasaris Raffael-Biographien (1550 und 1568) ihre berühmteste Schilderung erfahren. Im 19. Jahrhundert greift Friedrich Nietzsche in seiner Schrift Morgenröthe den Topos vom „lernenden“ Raffael auf und stellt ihm mit Michelangelo den des „Begabten“ gegenüber.5 Anthropologisch gesehen gehört die Fähigkeit zu lernen existenziell zum Mensch-Sein. Wie sehr das eine mit dem anderen verbunden ist, verdeutlicht die Vita Raffaels, werden doch sowohl sein Entwicklungsdrang als auch seine liebenswürdige menschliche Art von Anfang an immer wieder besonders betont – ganz so, als ob das eine mit dem anderen zu tun hätte.6 Die an Anekdoten nicht gerade arme Vita des Künstlers wurde in den Scuderie del Quirinale mit 200 Werken umfassend dargelegt.7 Dem folgt der mit 544 Seiten äußerst umfangreiche italienischsprachige Begleitband, in dem Aufsätze und Katalognummern eine Verschränkung finden.8 In einer alternierenden Struktur entsprechen diese den einzelnen Ausstellungskapiteln. Eine direkte Gegenüberstellung von Abbildung und Text im Katalogteil hätte allerdings für eine bessere Übersichtlichkeit sorgen können. Zur Inszenierung der Werke selbst nutzte die Ausstellungsarchitektur vor allem Nischen, die in die grau-blauen Wände eingelassen waren. Skulpturen und Rekonstruktionen architektonischer Entwürfe fanden ihren Platz freilich im Raum. Indes offenbarten sich bei der Ausleuchtung der Graphiken dort Schwierigkeiten, wo Rahmen und Passepartouts zum Teil Ränder einzelner Kunstwerke verschatteten. Dessen ungeachtet ist es den Kurator*innen geglückt, dem Urbinaten eine große Bühne zu bereiten. Schließlich darf nicht vergessen werden, dass die Scuderie del Quirinale keine eigene Sammlung besitzen, sondern sämtliche Stücke als Leihgaben erhalten haben. Die Schau war in Kooperation mit den Uffizien entstanden und versammelte in zehn Sälen Arbeiten aus allen bedeutenden Raffael-Sammlungen der Welt.

Aufgrund der Fülle der Werke können diese im Folgenden nicht kapitelweise exemplarisch vorgestellt werden. Vielmehr soll ein Überblick zu den übergeordneten Ausstellungsthemen gegeben und anhand einzelner Beispiele nach dem Gelingen der Erzählstrategie gefragt werden. Eine monographische Exposition kann logischerweise nur einen Ausschnitt des OEuvres abbilden. In ihrem Verständnis aber stehen die einzelnen Stücke für das Ganze.

Abbildung 1: Raffael: Bildnis des Baldassare Castiglione, um 1513, Öl auf Leinwand, 82 x 67 cm, Paris, Musée du Louvre, département des Peintures, Inv. 611. (Wikimedia Commons).

Eines dürfen wir über Raffael auch heute noch mit Sicherheit sagen: Er war unfassbar vielseitig. Wer also gegen den Strom der Zeit, aber mit den Exponaten mitging, erfuhr in der Schau zunächst etwas über den kontaktfreudigen Maler. Kardinäle, Päpste, Humanisten und andere Künstler zählten zu seinen Freunden und Bekannten. So tritt uns etwa im Bildnis des Baldassare Castiglione (Abb. 1; Kat.- Nr. II.15) jener Mann entgegen, der mit Raffael eine enge Freundschaft pflegte und der mit seinem Libro del cortegiano aus dem Jahre 1528 geradezu mustergültig ein literarisches „Lehrbuch“ zum Auftreten in höfischen Kreisen vorgelegt hat.9 Dem Porträt des Humanisten eignet auf den ersten Blick eine Noblesse. Raffael bedient sich dabei in geschickter Weise der Reduktion. Die Farbpalette ist bewusst gering gehalten, während die bildkompositorischen Maßnahmen Ruhe und Dynamik zugleich evozieren. Der Autor des berühmten Hofmanns wendet seinen Kopf etwas nach links, er sieht direkt aus dem Bild heraus, doch sein Blick geht letztlich leicht über uns Betrachter*innen hinweg. Er trägt Bart und hat ein großes schwarzes Barett aufgesetzt. Die am unteren Rand zusammengelegten Hände suggerieren Nähe, die blauen Augen schauen nach vorn und weisen dennoch zurück. Ganz so, als ginge es nicht um das äußere Sehen, sondern vielmehr um das innere. Was aber steht dem Humanisten vor seinem inneren Auge?

Gerade dieses Spiel mit formalästhetischen Gegensätzen lässt den Höfling lässig „ins Bild gesetzt“ erscheinen. Dazu hat der Urbinate dem Porträt eine von unten links nach oben rechts aufsteigende Diagonale eingeschrieben, die zugleich der ausgewogenen pyramidalen Komposition entgegenwirkt. Somit wird unser Blick immer wieder von seinen Händen zu seinem Gesicht hinaufgeführt, wie auch der Schatten am rechten mittleren Rand der Diagonalen folgt und dadurch die Präsenz des Modells erhöht. Sein nach innen gerichtetes Sehen schließt sodann die Kontrastpaare und lässt ihn ein stückweit abwesend wirken.

Bereits aus dieser kurzen Beschreibung wird deutlich, wie raffiniert der Porträtist Raffael agieren kann. Seine ästhetischen Mittel mögen zurückhaltend ausfallen, ihr Effekt jedoch ist enorm. In gleicher Weise verfahren auch das Bildnis des Kardinals Bibbiena (Kat.-Nr. V.34), das Porträt Tommaso Inghirami (Kat.-Nr. IX.20), das Selbstbildnis mit einem Freund (Kat.-Nr. I.9) und das eines nicht weiter identifizierten jungen Mannes aus der Sammlung Thyssen-Bornemisza in Madrid (Kat.-Nr. V.45). Wiederholt sind die Dargestellten eng vom Bildrand umschlossen, der Hintergrund in dunklen Farbtönen anonymisiert. Dem Künstler gelingt es eben nicht nur, die Porträtierten in eleganter Haltung zu zeigen, sondern mehr noch das Malen selbst einfach aussehen zu lassen. Dann mag es kaum verwundern, dass es Castiglione war, der die Leichtigkeit und Anmut mit der sprezzatura, der Lässigkeit, in Verbindung brachte und als Ideal für den Hofmann formulierte.10 Überhaupt liefert der Humanist mit seinem Cortegiano einen Rahmen, mit dem man sich sowohl Raffaels Kunst, als auch seinen Umgang mit Auftraggebern näherbringen kann.11

Castiglione lässt denn auch im Hofmann mit einer Anekdote eine weitere Qualität Raffaels durchblicken.12 Zwei Kardinäle kritisieren den Maler, er habe das decorum missachtet, da in einem Gemälde die Gesichter der beiden Apostel Petrus und Paulus zu rot geraten wären. Doch die Antwort des Urbinaten lässt nicht lange auf sich warten. So sei es mehr als wahrscheinlich, dass den Apostelfürsten aus Scham die Röte ins Gesicht gestiegen wäre, wenn sie sähen, dass die Kirche von Männern wie ihnen geführt würde, entgegnet Raffael den beiden Kardinälen. Der Künstler verteidigt sich nicht nur, sondern hält seinen Kritikern in ironischer Weise den Spiegel vor. Mit diesem Passus veranschaulicht Castiglione weniger einen Witz, als vielmehr einen weiteren Zug der Ironie und des Scherzens. Wenngleich diese Fähigkeit Raffaels weder in der Ausstellung noch im Katalog zur Sprache kam, legen uns seine Kunstwerke doch nahe, dass er „komische“ Elemente in seine Kunst überführen konnte. Ein solches Beispiel gibt eine der Tapisserien, die der Urbinate im Auftrag für Papst Leo X. für die Sixtinische Kapelle ab 1514 entworfen hatte. Im Teppich Die Opferung zu Lystra (Kat.-Nr. V.23) findet sich auf der linken Seite ein von seiner Behinderung wundersamer Weise geheilter Lahmer. Dieser kann es allerdings noch gar nicht glauben und hebt deshalb prüfend den Rockzipfel seines Nebenmanns, um zu schauen, ob nun dessen oder seine eigenen Beine von dannen laufen.

Es ist wirklich erstaunlich, wenn man sieht, was Raffael in den letzten zehn Jahren seines Lebens in Rom alles vollbracht hat. Zu keiner Zeit mangelte es an Kreativität oder Tatendrang. Förmlich spielerisch wechselte er Medien und Techniken: Hier Rötel, da schwarze Kreide, dort Ölmalerei, mal Architekturstudie oder auch Tapisserieentwurf auf Karton. So vielseitig wie Raffaels bildgebende Verfahren sind auch seine Themen. Nie war er „nur“ Madonnenmaler. Im Gegenteil, schon früh entstanden die Drei Grazien (1504/05). Zu großen Erfolgen führten auch spätere mythologische Arbeiten wie Das Urteil des Paris (Kat.-Nr. VII.13) und die Farnesina-Fresken zur Geschichte von Amor und Psyche, die er mit vielen Studien vorbereitete (Kat.-Nr. V.41 bis V.44). Mit der Druckgraphik wandte er sich einem reproduktiven Verfahren zu, welches ihm erlaubte, seine Ideen verbreiten zu können. Marcantonio Raimondi (Kat.- Nr. VII.12 u. VII.13; Kat.-Nr. IX.10) und Ugo da Carpi (Kat.-Nr. V.27 u. V.28) verwandelten die Kompositionen in hochgeschätzte Blätter.

Abbildung 2: Raffael: Studie zur Grablegung Christi (sog. Pala Baglioni) recto, um 1507, Feder und braune Tinte über schwarzer Kreide und Griffel, 230 x 319 mm, London, British Museum, Department of Prints and Drawings, Inv. 1855,0214.1 r. (aus: Hugo Chapman/Tom Henry/Carol Plazzotta: Raffael. Von Urbino nach Rom, Ausst.-Kat. National Gallery London, Stuttgart: Belser Verlag 2004, Kat.-Nr. 71, Abb. auf S. 217.).

Von großer Empathie und Sensibilität zeugen auch seine Studien zur Grablegung Christi (Kat.-Nr. X.8a-X.10). So sind in den ausgestellten Vorzeichnungen die Augenpartien aller Beteiligten leicht dunkel hervorgehoben, während Christi Körper mit feinen, leichten Strichen konturiert wurde und durch weiche Binnenlinien (Abb. 2; Kat.-Nr. X.8a) geradezu unversehrt erscheint. Jedoch sprechen diese Blätter nicht nur vom großen Einfühlungsvermögen des Urbinaten, sondern auch von dessen fortgeschrittenem Kompositionstalent. Der herausragenden Bedeutung und erzählerischen Leistung von Raffaels letztlich in veränderter Weise ausgeführten Tafel werden die gezeigten Blätter aber nicht gerecht. So bildet etwa keine dieser Zeichnungen die Beweinungsgruppe rechts ab. Insofern muss bedauerlicherweise festgehalten werden, dass das wahrscheinlich wichtigste Werk im Bezug auf Raffaels Entwicklung vom früh- zum „römischen“ Stil bzw. umgekehrt in der Ausstellung gefehlt hat.

Abbildung 3: Raffael: Die Grablegung Christi (Pala Baglioni), 1507, Öl auf Holz, 184 x 176 cm, Rom, Galleria Borghese. (Wikimedia Commons).

Schließlich ist die Pala Baglioni (Abb. 3) auch deshalb so bedeutend, weil den Figuren erstmals eine gewisse Monumentalität eignet. Zudem ist das Gemälde sichtbar unten links signiert und datiert, wodurch seine Wahrnehmung als ein eigenhändiges Werk aus Raffaels Pinsel unterstrichen wird. Jüngst hat Ulrich Pfisterer in seiner Raffael-Monographie den Wettbewerbsgedanken, die aemulatio, mit Michelangelo als einen zentralen Aspekt der Komposition erachtet.13 Erstmals synthetisiert Raffael Teile verschiedener Vorlagen gleichzeitig. An Michelangelo orientiert er sich zweifach: Zum einen zitiert der tote Christus dessen Pietà, zum anderen dient die Maria aus Michelangelos Tondo Doni als Vorbild für die sich nach hinten umdrehende Frau in der Beweinungsgruppe rechts. Darüber hinaus werden Bezüge zur Bildanlage in Mantegnas Kupferstich der Grabtragung deutlich. Raffael konkurriert folglich mit Künstlern höchsten Rangs. Zugleich wetteifert er aber auch mit drei verschiedenen Techniken: der Skulptur sowie der Malerei Michelangelos und der Graphik Mantegnas. Seine Ambition ist am Ende ganz klar: Er will wahrgenommen werden und sich als „dritter Mann“ neben den Großen seiner Zeit, Leonardo da Vinci und Michelangelo, behaupten. Dass er dabei Erfolg hatte, bestätigt nicht nur die Qualität und Größe der Pala Baglioni, sondern auch der Umstand, dass er im Anschluss an deren Fertigstellung den Auftrag zu seinem ersten großen Altargemälde in Florenz, der Madonna del Baldacchino, erhielt.14

Für das Gelingen des „Ausstellungsplots“ wäre gerade dieses Gemälde wichtig gewesen, lässt es sich doch als zentrales Werk erachten, mit dem die eingangs angesprochene Zäsur einhergeht. Hier kulminieren gewissermaßen aemulatio und imitatio: Aus dem lernenden wird der konkurrierende Raffael. Im Verständnis seiner Kunst sind beides wesentliche Techniken. Für den Maler in Rom ist der Wettbewerb (aemulatio) mit Michelangelo oder auch Sebastiano del Piombo entscheidend, für den ehrgeizigen, lernenden Künstler in Florenz bedeutet es jedoch Übung bzw. die Nachahmung (imitatio) herausragender Kunstwerke. Ohne das eine ist das andere nicht möglich. Der Versuch, seine Vorbilder zu übertreffen, wurzelt zwangsläufig in deren Studium, wie auch umgekehrt die Nachahmung letztlich zum Ziel hat, über das studierte Beispiel hinauszuwachsen. Man braucht sich nur an die antike Rhetoriklehre – genauer den Dreischritt translatio, imitatio, aemulatio – zu erinnern, um dieses Ausbildungsprinzip zu verstehen. Ja sogar ein flüchtiger Blick in den Hofmann würde genügen: Raffael war ein mustergültiger Schüler, dessen Bestreben im Erlernen und stetigen Verbessern seiner außergewöhnlichen „Lehrer“ ihn zu einem wahren Meister haben werden lassen.

Dass Raffael ein unermüdlich Lernender war, dessen wird man sich beim Durchschreiten der Exposition bewusst. Denn oft wurde auf antike oder italienische Vorbilder aufmerksam gemacht, die der Meister der imitatio und aemulatio für seine eigene Bildfindung aufgreift. Direkte Motiv- und Haltungsübernahmen werden immer wieder deutlich. Man denke nur an die in den Scuderie del Quirinale präsentierten Frauenbildnisse, die nach dem Typus der Venus Medici – oder wie in der Ausstellung als Skulptur daneben gestellt: dem Typus der kauernden Venus (Kat.- Nr. VII.6) – gestaltet sind.15 Der rechte Arm liegt schützend und zugleich verführerisch unterhalb der Brust, der linke locker auf dem Schoß, während die Frau uns mit leicht gedrehtem Kopf ansieht.

Abbildung 4: Raffael: La Fornarina, um 1519–20, Öl auf Holz, 85,3 x 61,5 cm, Rom, Gallerie Nazionali d’Arte Antica, Palazzo Barberini, Inv. 2333. (Wikimedia Commons).

Prominent befand sich unter den Exponaten jener Frauendarstellungen auch das Porträt der sogenannten Fornarina (Abb. 4; Kat.-Nr. VII.5) aus den Gallerie Nazionali d’Arte Antica zu Rom. Beinahe keck schaut uns die sitzende Frau zaghaft lächelnd und mit leicht geröteten Wangen aus den Augenwinkeln an, während sie mit ihrer rechten Hand ein leichtes, durchscheinendes Tuch vor ihren Oberkörper hält. Doch nicht hoch genug, um damit ihre Brust zu verdecken. Ja geradezu absichtlich, allerdings keineswegs übertrieben anzüglich zeigt sie ihre nackte Haut. Raffael entblößt sie nicht, sondern präsentiert sie respektvoll in voller Anmut. Ihre Identität – sprich: ob es sich hierbei um ein Gemälde seiner Geliebten und Muse Margherita Luti, La Fornarina genannt, handelt oder um eine dem Künstler in Erinnerung gebliebene Kurtisane – versuchte die Ausstellung unter anderem mit Hilfe der bereits erwähnten antiken Venusskulptur zu beantworten. Als dritte Variante ist – in Hinsicht auf die venushafte Körperhaltung – vorgeschlagen worden, die Frau als Idealbild weiblicher Schönheit zu betrachten. Denn ähnlich wie die Göttin der Schönheit und Liebe trägt auch die unbekannte Frau in Raffaels Porträt am linken Oberarm einen Armreif, auf dem hier in auffallender Form in goldenen Lettern auf blauem Hintergrund die Signatur des Urbinaten, „RAPHAEL URBINAS“, vermerkt ist.16

Und auch die vermeintliche Einfachheit der Darstellungsweise der ausgestellten Velata (Kat.-Nr. VII.1) steht in Verbindung mit der Antike, denn wie zuvor bereits Apelles reduziert auch Raffael hier die Farbpalette gewaltig und nutzt insgesamt nur vier Farben, mit deren Nuancierungen er dem Streben nach idealer Schönheit gerecht zu werden sucht.17

Während die Ausstellung ihren Fokus ganz und gar auf Raffael legte und vor allem dessen antike Inspirationen für sich sprechen ließ, hat der italienische Künstler seinen Blick auch zur Kunst nördlich der Alpen schweifen lassen. Albrecht Dürer und Martin Schongauer verbreiteten ihre Werke als eine Art Werbung über die Grenzen hinaus, indem sie Druckgraphiken gen Süden nach Italien schickten.18 Es ist kein Zufall, dass der Nürnberger Künstler auf dem eingangs besprochenen Gemälde Vannis einen so prominenten Platz beim Einzug ins Pantheon zugewiesen bekam, wissen wir doch von einem Austausch Raffaels mit Dürer. Wenngleich wir bis heute nicht mit Sicherheit sagen können, wie genau diese Verbindung ausgesehen hat, so ist sie dennoch eine der faszinierendsten Künstlerbeziehungen der Renaissance. Vanni hat für sich das erkannt, was wiederum in der Schau etwas zu kurz kam: Das Neben- und Miteinander von italienischen und deutschen Künstlern, von Süd und Nord, womit Raffaels Vielseitigkeit bekräftigt wäre.

Giorgio Vasari berichtet in Raffaels Vita kurz über jene Künstlerbekanntschaft und glorifiziert nicht nur den Italiener, sondern auch den deutschen Künstler. Dieser habe seinem Kollegen ein – heute nicht mehr erhaltenes – Selbstporträt geschickt, das als Tüchleinmalerei ausgeführt wurde.19 Die Besonderheit besteht hierbei in der Feinheit und Transparenz des Materials: Die Leinwand ist so dünn und der Farbauftrag so zart, dass das Licht hindurchscheint und das Bild beidseitig zu betrachten ist. Es ist ein Leichtes, sich Dürers vermutliche Absicht vorzustellen: Raffael, der auch im Norden Europas längst kein Unbekannter mehr war, sollte damit Ebenbürtigkeit, Respekt und Anerkennung bescheinigt werden.

Als Dank dafür ließ der Urbinate nun seinerseits Zeichnungen überbringen.20 Obwohl diese vielmehr als Vorzeichnungen und -studien dienten, sollte dies keinesfalls Raffaels Wertschätzung Dürer gegenüber schmälern. Die heute in der Wiener Albertina aufbewahrte Rötelzeichnung gibt drei aufrechtstehende männliche Akte wieder.21) Neben seiner Kunstfertigkeit präsentiert Raffael hier seine Kenntnis über antike Vorbilder und sich selbst zugleich als gebildeten Künstler, etwa wenn er selbstbewusst die Körperhaltung des Apoll von Belvedere für seine Darstellung nutzt.

Die gegenseitige Wertschätzung der beiden Künstler zeigt sich einerseits in der von Dürer nachträglich hinzugefügten Inschrift auf jener Zeichnung.22 Andererseits finden sich eindeutige Parallelen in Raffaels Werk zum graphischen Dürers. So sind in den Gemälden und Fresken des Italieners, beispielsweise in den Wandbemalungen der vatikanischen Stanzen, immer wieder nordalpin anmutende Landschaften und Gebäude im Hintergrund auszumachen. Landschaften, wie sie vorher bereits ganz ähnlich vom Nürnberger zu Papier gebracht worden sind.

Es irritiert beinahe, besonders aus ganzeuropäischer Sicht, dass innerhalb der Schau der Norden bezüglich der Frage nach Raffaels Vorbildern kaum wahrgenommen wurde, spielte doch auch das Kunstgeschehen nördlich der Alpen keine unerhebliche Rolle in der Werkgenese des Italieners. Vielmehr konzentrierte sich die Ausstellung auf die Vielfalt der Raffaelschen Werke hinsichtlich der unterschiedlichen Medien und Techniken sowie auf die themengebundenen, rückwärts erzählten Schaffensphasen.

Eine Herausforderung, der sich die Kurator*innen zu stellen hatten, scheint offensichtlich und unumgänglich: Um den erwartet hohen Besucherandrang sicher und geregelt vonstatten gehen zu lassen – vor allem auch bezüglich der Covid-19-Pandemie –, war die Ausstellungsrichtung und die Verweildauer in den einzelnen Abschnitten eindeutig vorbestimmt. Dies soll uns jedoch nicht davon abhalten, einem Gedankenspiel kurz nachzugehen. Wer die Ausstellung durchschritten hat, hätte schließlich die Möglichkeit, diese abermals von hinten nach vorn zu besichtigen und dabei das Leben des Raffael in herkömmlicher Weise chronologisch von den Anfängen in Urbino 1483 bis hin zu seinem Tod in Rom 1520 zu erleben. 500 Jahre ist es nun her, dass Raffael von der Welt schied. Unzählige Museen bewahren sein Andenken mit Werken, die ihnen seit jeher als absolute Schätze gelten. Unter allen im „Jubiläumsjahr“ geplanten Ausstellungen stellte die der Scuderie del Quirinale den Höhepunkt dar. Wenn „Raffaello 1520–1483“ eines ganz deutlich gemacht hat, dann ist es, zu zeigen, dass sich Raffaels Vielseitigkeit, sein schier unerschöpflicher Taten- und Ideendrang im Sinne der aemulatio seinem sensiblen Studium aller Kunstformen verdankt. Am Ende lässt sich den Worten Vasaris zum Beginn der Raffael-Biographie im Exordium nichts mehr hinzufügen:

Wie großzügig und wohlwollend sich bisweilen der Himmel zeigt, wenn er in einer einzigen Person die unermesslichen Reichtümer seiner Schätze alle Anmut und kostbare Gaben vereint, die er sonst über einen langen Zeitraum hinweg unter vielen einzelnen aufzuteilen pflegt, ließ sich deutlich an dem ebenso vortrefflichen wie anmutigen Raffael Sanzio aus Urbino sehen.23

Printversion: Frühneuzeit-Info 31, 2020, S. 235–244.

  1. Pandolfo Pico della Mirandola schreibt in einem Brief an Isabella d’Este nach Raffaels Tod von solch dramatischen Ereignissen. Bewusst konstruiert der Humanist einen Mythos, dessen Absicht darin besteht, Raffael zu einem pictor christianus zu nobilitieren. Dazu werden Parallelen zwischen dessen Tod und jenem Christi beschworen. So sei der Künstler etwa im gleichen Alter wie der Messias verstorben. Die synoptischen Evangelien berichten darüber hinaus sowohl von einer mehrere Stunden andauernden Finsternis als auch vom Tempelvorhang, der zur Sterbestunde Christi entzwei riss. Mt 27, 45 u. 51–52; Mk 15, 33 u. 38; Lk 23, 44–45; Vgl. John Shearman: Raphael in Early Modern Sources, 2 Bde., Bd. 1:, New Haven/London: Yale University Press 2003, S. 575 (1520/17). []
  2. Neben Bembo wird von der Forschung auch der Dichter Tebaldeo als Autor des Epitaphs benannt. Zit. nach: Giorgio Vasari: Das Leben des Raffael, neu übersetzt v. Hana Gründler u. Victoria Lorini, kommentiert u. hrsg. v. Hana Gründler, Berlin: Verlag Klaus Wagenbach 2004, S. 86. Vgl. ebd., S. 182, Fn. 266. []
  3. In der Tat ist die Anwesenheit von 100 Fackel tragenden Malern zu Raffaels Begräbnis historisch dokumentiert. Wer aber im Einzelnen dabei war, ist nicht überliefert. Dürers Anwesenheit beim Leichenzug entstammt jedoch der Fiktion Vannis. Vgl. Shearman 2003 (wie Anm. 1), S. 588 (1520/27). []
  4. In der Populärkultur gibt es etwa im Bereich von Hollywood- Spielfilmen ein paar Beispiele, die rückwärts verfahren. Man denke etwa an David Finchers The Curious Case of Benjamin Button (USA 2008, auf Basis einer Kurzgeschichte von F. Scott Fitzgerald, mit Brad Pitt in der Titelrolle) oder zwei zeitlich komplex erzählte Filme von Christopher Nolan: Memento (UK/USA 2000) und aus diesem Jahr Tenet (UK/USA). Letzterer nutzt schon den Titel, um auf die vorwärts und rückwärts verlaufende Erzählung hinzuweisen, handelt es sich dabei doch um ein Palindrom. Und schon 1966 gelang dem tschechoslowakischen Regisseur Oldřich Lipský mit seiner dadaistischen Situationskomödie Happy End das Kunststück einer invers wiedergegeben Handlung. []
  5. Ganz offenkundig orientiert sich Nietzsche an Vasaris Konzeption des Leben Raffaels, wenn er dessen Lernfähigkeit als zentral erachtet. Vgl. Friedrich Nietzsche: Morgenröthe; in: ders.: Sämtliche Werke. Kritische Studienausgabe in 15 Einzelbänden, hrsg. v. Giorgio Colli/Mazzino Montinari, 15 Bde., Bd. 3: Morgenröte, Idyllen aus Messina, Die fröhliche Wissenschaft, München/Berlin/New York: Deutscher Taschenbuchverlag GmbH & Co. KG/Walter de Gruyter 1988, S. 308–309. []
  6. Vgl. Vasari 2004 (wie Anm. 2), S. 19 und 78–82. []
  7. Die ursprünglich für den Zeitraum vom 5. März bis 2. Juni geplante Ausstellung wurde aufgrund der Covid- 19-Pandemie bis zum 30. August 2020 verlängert. []
  8. Die vielen Aufsätze machen klar, dass der Katalog auch als relevanter Forschungsbeitrag wahrgenommen werden möchte. Marzia Faietti/Matteo Lafranconi mit Francesco P. Di Teodoro und Vincenzo Farinella (Hgg.): Raffaello. 1520–1483, Ausst.-Kat. Scuderie del Quirinale, Rom, Mailand: Skira 2020. Die englischsprachige Ausgabe ist angekündigt, bisher aber noch nicht erschienen. []
  9. Folgt man dem Katalogeintrag, so ist bis heute die Frage nach der korrekten Datierung ungelöst. Als Entstehungsdatum wird dort 1513 benannt. Vgl. Katalogeintrag von Vincenzo Farinella Kat.-Nr. II.15, S. 117–118 (wie Anm. 8). []
  10. Vgl. Baldesar Castiglione: Das Buch vom Hofmann (Il Libro del Cortegiano), übersetzt u. erläutert v. Fritz Baumgart, mit einem Nachwort v. Roger Willemsen, München: Deutscher Taschenbuch Verlag 1986, S. 53. []
  11. Zwar wurde der Hofmann erst 1528 veröffentlicht, an ersten Manuskripten schrieb Castiglione allerdings bereits ab 1513. Von dessen Ideen zur Ausbildung des idealen Hofmanns wird Raffael also mit Sicherheit gewusst haben. Vgl. Ulrich Pfisterer: Raffael. Glaube, Liebe, Ruhm, München: C. H. Beck 2019, S. 199. []
  12. Vgl. Castiglione 1986 (wie Anm. 10), S. 205. []
  13. Vgl. Pfisterer 2019 (wie Anm. 11), S. 69–85. Zu den Vorbildern: S. 76–78. []
  14. Vgl. Ebd., S. 85. []
  15. Tatsächlich weist die Körperhaltung der Venus Medici im Vergleich zur kauernden Venus erheblich nachvollziehbarere Gemeinsamkeiten mit den genannten Frauenporträts auf. []
  16. Genau dieses Schmuckstück bedarf weiterer Aufmerksamkeit, denn trotz der Signatur ist die Zuschreibung an Raffael nicht vollständig geklärt. Aufgrund der Entstehungszeit, nämlich in den letzten Monaten vor dem Tod des Künstlers, ist anzunehmen, dass zwar der Gesamtentwurf auf den hier gefeierten Maler zurückgeht, die Ausführung jedoch in Zusammenarbeit mit seinem Schüler und Mitarbeiter Giulio Romano entstand. Siehe Vgl. Katalogeintrag von Giulia Salvo, Kat.-Nr. VII.5, S. 312–313 (wie Anm. 8). []
  17. Vgl. Pfisterer 2019 (wie Anm. 11), S. 205. []
  18. Vgl. Rolf Quednau: Raphael und „alcune stampe di maniera tedesca“; in: Zeitschrift für Kunstgeschichte, Bd. 46, H. 2 (1983), S. 129–175. []
  19. Vgl. Vasari 2004 (wie Anm. 2), S. 61, siehe auch Giorgio Vasari: Das Leben des Giulio Romano, neu übersetzt v. Victoria Lorini u. Matteo Burrioni, kommentiert, eingeleitet u. hrsg. v. Matteo Burioni, Berlin: Verlag Klaus Wagenbach 2005, S. 45. []
  20. Vasari schildert diesen Austausch in Raffaels Vita und berichtet dabei sogar von mehreren Zeichnungen, von denen uns mit der Aktstudie aus Wien eine einzige bekannt ist. Vasari 2004 (wie Anm. 2), S. 61. []
  21. Raffael, Drei männliche Akte, um 1515, Rötel, Metallstift, 40,3 x 38,3 cm, Wien, Albertina, Inv. 17575. https://sammlungenonline.albertina.at/?query= search=/record/objectnumbersearch=[17575]&show type=record (letzter Zugriff 30.12.2020 []
  22. Dürer vermerkt auf der rechten Seite des Blattes Folgendes: „1515 Raffahell de Urbin der so hoch peim popst geacht ist gewest hat der hat dyse nackette bild gemacht vnd hat sy dem albrecht dürer gen nornberg geschickt Im sein hand zw weisen“. Auch in seinen Tagebüchern berichtet Dürer von Raffael und zeigt sich bestürzt über dessen Tod. Siehe Albrecht Dürer: Schriften und Briefe, hrsg. v. Ernst Ullmann, Leipzig: Verlag Philipp Reclam jun. 1978, S. 70. []
  23. Vasari 2004 (wie Anm. 2), S. 19. []