Rezension | Die Tischwäsche des Ordens vom Goldenen Vlies

Mario Döberl, mit Beiträgen von Anna Jolly, Daniela Sailer und Agnieska Woś Junker: Die Tischwäsche des Ordens vom Goldenen Vlies, Riggisberg: Abegg-Stiftung, 2018, 167 Seiten, ISBN 078-3-905014-66-2.

Dagmar Eichberger (Heidelberg)

Das hier zu rezensierende Buch widmet sich einem sehr ungewöhnlichen und relativ selten behandelten Thema, der figürlich gestalteten Tischwäsche aus dem Besitz des Ordens vom Goldenen Vlies. Was zunächst als ein randständiges Thema erscheinen könnte, erweist sich schnell als ein hochinteressantes Forschungsgebiet, das für alle diejenigen, die sich mit der Kultur des burgundisch-habsburgischen Hofes und dem Vliesorden beschäftigen, von zentraler Bedeutung ist. In diesem außergewöhnlichen Fall kennt man nicht nur den Auftraggeber, den Leiter der ausführenden Werkstatt, den Entstehungsort und die Auftragslage, sondern auch die Tafelwäsche aus weißem Leinendamast hat sich erhalten. Sie gilt als der älteste, fast komplett erhaltene Bestand höfischer Tafelwäsche und wird zu Recht als eine Garnitur von außergewöhnlich hoher Qualität bezeichnet. Erst vor wenigen Jahren wurde das Set, das aus mehreren großformatigen Tafeltüchern und den dazugehörigen Servietten besteht, im Monturdepot des Kunsthistorischen Museums in Wien wiederentdeckt und nun von Mario Döberl fachkundig aufgearbeitet. Auf jene Weise konnten die schon lange zuvor publizierten Archivalien zu dieser Tischwäsche mit den Objekten selbst zusammengeführt werden. Mario Döberl hat sich für diese Aufgabe Anna Jolly, eine Kollegin mit textilkundlichen Spezialkenntnissen, zur Seite geholt, die eine Einordnung der Stücke in die Geschichte der Leinendamastweberei zu Beginn des 16. Jahrhunderts vornimmt.

Die ersten hundert Seiten der Studie, für die überwiegend Mario Döberl verantwortlich zeichnet, gehen das Thema so breit wie möglich an und bietet dem Leser eine kulturhistorische Studie, die weit über die reine Erfassung und Beschreibung der einzelnen Gegenstände hinausgeht. Zunächst wird die lückenlose Provenienz der Objektgruppe erläutert und die Geschichte ihrer Wiederauffindung erzählt. Da es sich um ein dreiteiliges Set von Tafeltüchern handelt, die nur an den Treffen des Ordenskapitels Verwendung fanden, fügt der Autor einen Abschnitt zum frühneuzeitlichen Tafelzeremoniell1 und den Kapitelfesten des Vliesordens ein. Wir erfahren, dass nach dem festlichen Hochamt zu Ehren des von den Burgundern besonders verehrten Hl. Andreas am zweiten Tag ein festliches Mahl stattfand, bei dem die Tischwäsche zum Einsatz kam. Neben der Speisefolge und dem Tischgerät werden auch die streng festgelegte Sitzordnung und die Anzahl sowie das Format der einzelnen Tische besprochen. Hieraus erklärt sich, dass zwischen dem längsrechteckigen Tisch der Ritter und dem kleineren Tisch der vier Ordensoffiziere (chancelier, tresorier, greffier, Herold) unterschieden wurde. Am Rittertisch wurde der Ordenssouverän durch ein Dorsale und einen Baldachin von den regulären Rittern abgehoben; auch der Abstand zu den Tischnachbarn war Ausdruck seiner Autorität. Nach 1516 bestand der Kreis der Ordensritter aus einundfünfzig Mitgliedern, jedoch waren zu keinem der Treffen alle Mitglieder präsent. Die Servietten – ursprünglich sechsunddreißig an der Zahl – verwendete man vor allem bei der rituellen Händewaschung vor und nach dem Essen.

Das dritte Tafeltuch diente der Eindeckung des Schaubüffets, auf dem die wertvollen Schätze des Ordens, z.B. Prunkgeschirr und liturgisches Gerät aus Edelmetall, öffentlich zur Schau gestellt wurden. Am dritten Tag fand eine Totenmesse statt, bei welcher der jüngst verstorbenen Mitglieder gedacht wurde. Hierauf folgte ein zweites Festmahl, bei dem es weniger förmlich zuging, aber genauso üppig gegessen und getrunken wurde wie zuvor. Die Quellen sprechen von fünfundzwanzig Gängen – es ist deshalb verwunderlich, dass die Tafeltücher kaum Gebrauchsspuren aufzeigen.

Der Abschnitt, der sich mit der Auswertung der Archivalien befasst (S. 35–47), bringt zutage, dass die Herstellung des Sets über zweieinhalb Jahre in Anspruch nahm und von Jacob von Hoochbooschs Werkstatt in Mechelen ausgeführt wurde. Die in das große Tafeltuch eingewebte Jahreszahl 1527 bezeugt das Datum der Fertigstellung, die abschließenden Rechnungen datieren vom Juni 1528. Der Auftrag zur Herstellung der Garnitur wurde von Kaiser Karl V. erteilt, die Ausführung oblag Jean Micault, dem Schatzmeister des Ordens. Immer wieder wird auf die Nähe der Protagonisten und der Mechelner Werkstatt zum Hofe Erzherzogin Margaretes von Österreich (1480–1520) verwiesen. Ihre Hofbeamten haben aller Wahrscheinlichkeit nach bei der Ausführung der Entwurfszeichnungen Hilfestellungen geleistet. Die Tischtücher zeichnen sich durch äußert präzise Darstellungen der Wappen jedes einzelnen Ordensmitglieds aus und setzen heraldische Kenntnisse voraus. Eine geringfügige Anpassung im Design musste 1526 vorgenommen werden, als Erzherzog Ferdinand (1503–1564), der jüngere Bruder des Kaisers, am 9. September zum König ausgerufen wurde.

Das Tafeltuch für den Rittertisch hat eine Größe von 17,25 x 2,99 m, und seine Struktur unterstreicht die führende Rolle Karls V. als Ordenssouverän. Seine Devise PLVS OVLTRE, die zwei Säulen des Herkules, das burgundische Schlageisen und der Feuerstein, rahmen zweimal das zentrale Kaiserwappen in der Mittelachse; sie erscheinen gleichermaßen auf den vier Eckfeldern. Der kaiserliche Wahlspruch ziert des Weiteren die architektonisch gestalteten Rahmen der übrigen Wappenfelder, die laut der Rechnung von 1528 a l’anticque gearbeitet sind – eine interessante Bezeichnung im Kontext der am Hofe konstatierbaren Antikenrezeption und der wachsenden Hinwendung nach Italien.2 Unmittelbar neben dem zentralen Kaiserwappen werden zwei Heiligen platziert, die stellvertretend für die Herrschaftsgebiete Burgund (Hl. Andreas) und Spanien (Hl. Jakobus) stehen. Döberl stellt fest, dass die Wappen der führenden Herrscher Europas dem Kaiserwappen räumlich untergeordnet werden und somit seine Rolle als primus inter pares bestärken. Auch die sechsunddreißig Servietten, die die Maße 130,5 x 76,5 mm aufwiesen, betonen die Vorrangstellung des regierenden Herrscherhauses. Der Doppeladler mit Brustschild und Kaiserkrone erscheint zweimal auf dem längsrechteckigen Tuch und wird von vier Balustersäulen mit Kronen umrahmt, die auf den Ordenssouverän, Karl V., verweisen. Aufschlussreich sind die Ausführungen zur Verwendung von Servietten im Tischzeremoniell, die sich auf das Erziehungstraktat des Erasmus von Rotterdam (De civilitate morum puerilium) und auf zeitgenössische Bildquellen stützen.

Das Tafeltuch für den Tisch der Ordensritter ist mit 5,50 x 2,98 m deutlich kürzer als das bereits beschriebene Tafeltuch, und folgt mit seinen drei Registern der Struktur des Gegenstücks. In der mittleren Zone mit sechs Bildfeldern wird das Burgundermotiv (Schlageisen mit Feuerstein über Andreaskreuz) von einem figürlichen Bild des Hl. Andreas begleitet. Im Zentrum des Tischtuchs stehen sich das Wappen des Ordensgründers, Herzog Philipps des Guten, und das Wappen des amtierenden Ordenssouveräns, Karls V., gegenüber. Rechts hiervon schließt sich eine Darstellung des Hl. Jakobus an, gefolgt von dem bereits am Anfang der mittleren Zone verwendeten Burgundermotiv. Wie beim Tafeltuch der Ritter werden die vier Eckfelder mit dem Motto Plus oultre unddem Emblem des Kaisers ausgestaltet. Die restlichen acht Felder in der oberen und unteren Zone sind den vier amtierenden Ordensoffizieren – Philibert Naturel, Laurent du Blioul, Thomas Ysaac und Jean Micault – vorbehalten. Es wird angenommen, dass der erst 1522 berufene Jean Micault die treibende Kraft hinter dem Auftrag gewesen sei.

Bei der Gestaltung des Tafeltuchs für das Schaubuffet (4,55 x 2,98 m) wird die Grundstruktur ein drittes Mal aufgegriffen. Einige Versatzstücke, die bereits in den beiden zuerst genannten Tüchern Verwendung fanden, erscheinen hier ein weiteres Mal: der Hl. Andreas, der Hl. Jakobus und die Burgundermotive. Vier der fünf herrschaftlichen Wappen zollen der fast hundertjährigen Geschichte des Ordens Respekt und verweisen auf die bereits verstorbenen Vorgänger Karls V.: Herzog Philipp den Guten, Herzog Karl den Kühnen, Kaiser Maximilian I. und König Philipp der Schöne. Karls Kaiserwappen mit Mitrakrone steht wiederum im Zentrum der horizontalen und vertikalen Bildstreifen.

Ein vierseitiger sozialgeschichtlicher Exkurs widmet sich anschließend der Person des Webers Jacob van Hoochboosch und verortet ihn und seine Familie im Leben der Mechelner Weberzunft. Sein Wohlstand und sein Einfluss lassen sich am städtischen Grundbesitz der Familie und seiner Funktion als Geschworener der Leinweberzunft ablesen.

Anna Jolly und Agnieska Woś Junker beschäftigen sich mit der Herstellungsmethode der Leinendamaste von Jacob Hoochboosch (S. 71–74); ihre Erkenntnisse erlauben konkrete Rückschlüsse auf eine technisch hochspezialisierte Weberwerkstatt. Hierbei wird davon ausgegangen, dass die ausführenden Fachleute variable Programmeinheiten (planchettes mobiles) verwendet haben, nach denen die komplizierten Muster mechanisch umgesetzt werden konnten. Anhand stilistischer und technologischer Vergleiche werden der Werkstatt Hoochbooschs weitere Objekte aus Leinendamast im Brüsseler Musées Royaux d’Art et d’Historie zugeordnet. Diese webtechnischen Fragen werden von Anna Jolly nochmals im letzten Abschnitt des Textteils (S. 96– 99) aufgegriffen, um eine Einordnung der Arbeiten von Jacob van Hoochboosch vorzunehmen.

Der vorletzte Abschnitt weitet den Blick noch ein weiteres Mal, um die Verbreitung solcher hochwertiger Textilien näher zu untersuchen. Zum Vergleich werden verschiedene Quellen herangezogen, wie etwa Inventare oder zeitgenössische Darstellungen von Tafelwäsche auf Gemälden und Bildteppichen. Warum hochstehende Vertreter des Adels wie beispielsweise Nicholas West, Bischof von Ely, oder Philipp Wilhelm von Oranien sich luxuriöse Tischwäsche mit dem Emblem des Kaisers (plus oultre) zugelegt haben, wird hier nur angeschnitten (S. 83–87). Offenbar besaß der Orden des Goldenen Vlieses noch weitere Garnituren die ebenfalls mit den Wappen des Kaisers dekoriert waren, aber insgesamt von geringerer Qualität waren (moindre qualité). Der Autor nutzt die Gelegenheit, um an dieser Stelle noch weitere, nur fragmentarisch erhaltene Garnituren aus Leinendamast zu besprechen, die sich ebenfalls im Wiener Möbeldepot erhalten haben (S. 88–95).

An den Textteil schließt sich fünf Anhänge mit unterstützendem Begleitmaterial an. Zunächst folgen Abbildungen der drei Tafeltücher, ergänzt durch schematische Darstellungen der Binnenstruktur und Listen mit den Namen der jeweiligen Ordensmitglieder (S. 100–119). Es folgt ein detaillierter Quellenanhang zur Geschichte der Tafelwäsche des Vliesordens bis ins 20. Jahrhundert (S. 123–129). Anhand des zeitgleichen Statutenbuches des Ordens vom Goldenen Vlies (Wien, ÖNB, Cod. 2606 Han) werden weitere Informationen zu den einzelnen Wappen und ihren Besitzern bereitgestellt (S. 131–152). Auf den letzten Seiten liefern Daniela Sailer und Agnieska Woś Junker die Fakten zu der von ihnen vorgenommenen Gewebeanalyse (S. 153–155).

Bei der hier vorliegenden Studie handelt es sich um ein Modellfall für die allerorts propagierte Bedeutung von Material Culture oder Realienkunde. Wie Mario Döberl und seine Kolleginnen zeigen konnten, ist eine genaue technische Analyse die Voraussetzung für eine kunsthistorische bzw. kulturhistorische Einordnung und die überzeugende Interpretation eines so einzigartigen Luxusobjektes. Im Falle dieser mehrteilen Leinendamastgarnitur kennen wir den Auftraggeber, den Hersteller, das Entstehungsdatum und verfügen darüber hinaus über die fast lückenlose Provenienz der Objekte. Mario Döberl nutzt diesen Glücksfall, um neues Licht auf den Vliesorden und seine öffentlichen Auftritte zu werfen und stellt die damals gängige Tischkultur anschaulich dar. Seine Rekonstruktion der ursprünglichen Verwendung und Funktion der Wiener Tafeltücher und der Servietten rückt einen wichtigen Aspekt burgundisch-habsburgischer Kulturgeschichte in den Vordergrund. Diese wichtigen Erkenntnisse hätten es verdient, am Ende noch einmal abschließend zusammengefasst zu werden. Bei dieser Publikation handelt es sich um eine wichtige Studie, die Wesentliches zum tieferen Verständnis des Vliesordens und seiner Bedeutung für die Habsburger beiträgt. Es ist erfreulich, dass ein so kostbares Gut aus seinem Schattendasein im Möbeldepot des Kunsthistorischen Museums befreit wurde und nun der Allgemeinheit zur Verfügung steht.

Printversion: Frühneuzeit-Info 31, 2020, S. 182–184.

  1. Zu diesem Thema siehe auch: At the Prince’s Table. Dining at the Lisbon Court (1500–1700): silver, mother- of-pearl, rock crystal and porcelain, hrsg. von Hugo Miguel Crespo, mit Beiträgen von Annemarie Jordan Gschwend, Sasha Assis Lima und Letizia Arbeteta Mira, Lissabon 2018. []
  2. Dagmar Eichberger: „Maneuvering between Competing Courts: Jean Lemaire de Belges (1473–1515), Historio-grapher and Connoisseur,“ S. 237–246, in: Imagery and Ingenuity in Early Modern Europe. Essays in Honor of Jeffrey Chipps Smith, hrsg. von Catherine Ingersoll, Alisa McCusker und Jessica Weiss, Turnhout: Brepols, 2018; ibid.: „Stilpluralismus und Internationalität am Hofe Margarete von Österreichs (1506–1530),“ S. 261–283, in: Wege zur Renaissance, hrsg. von Norbert Nußbaum, C. Euskirchen und Stephan Hoppe, Köln 2003. []

Rezension | Hochedlinger / Maťa / Winkelbauer (Hg.): Verwaltungsgeschichte der Habsburgermonarchie in der Frühen Neuzeit, Band 1/1 und 1/2

Michael Hochedlinger / Petr Maťa / Thomas Winkelbauer (Hg.): Verwaltungsgeschichte der Habsburgermonarchie in der Frühen Neuzeit, Band 1/1 und 1/2: Hof und Dynastie, Kaiser und Reich, Zentralverwaltungen, Kriegswesen und landesfürstliches Finanzwesen (= Mitteilungen des Instituts für Österreichische Geschichtsforschung, Ergänzungsband 62). Wien: Böhlau 2019, 1308 S. ISBN 978-3-205-20766-5

Stephan Steiner (Wien)

Schlägt man dieses monumentale Handbuch auf, so ist man erstaunt, dass sein Vorwort, das doch über die An-, Ab- und Aussichten des Werkes informieren könnte, bloß zwei karge Seiten einnimmt. Mehr ist aber auch nicht nötig, denn seine Konzeption wurde bereits 2010 in einem eigenen Sammelband in allen Facetten vor- und dargestellt.1 Damals versammelte man 20 Autorinnen und Autoren, um über Forschungsstand und Desiderate auf dem Weg zu einer Verwaltungsgeschichte der Habsburgermonarchie in der Frühen Neuzeit zu reflektieren und damals war man noch hoffnungsfroh, die Drucklegung eines solchen Werkes binnen eines Jahres bewerkstelligen zu können. Geworden sind es letztlich beinahe zehn Jahre, um auch „nur“ die beiden ersten Teilbände fertiggestellt zu sehen.

64 Autorinnen und Autoren, von denen man etliche schon vom genannten Sammelband her kennt, haben ihre Expertise beigesteuert, um damit den Leser durch ein Dickicht von Verwaltungseinheiten zu navigieren, das hier in seiner Gesamtheit sichtbar wird. Hinter bisweilen bizarr klingenden und geradezu zungenbrecherisch daherkommenden Einrichtungen (wie etwa dem Obersterblandhofpostmeisteramt) öffnen sich Wunderwelten der Bürokratie, deren Durchdringung das Fassungsvermögen eines einzelnen Historikergehirns sprengen würde und deshalb förmlich nach einem Nachschlagewerk schreit. Zwar existiert bereits eine 1907 begonnene und 1970 mit insgesamt 14 Bänden abgeschlossene „Geschichte der österreichischen Zentralverwaltung“, diese war aber erneuerungsbedürftig, weil in ihr naturgemäß die Konzepte einer erst später in Erscheinung tretenden „Neuen Verwaltungsgeschichte“ (Stichworte: „Herrschaftsverdichtung“ oder „Durchstaatlichung“) nicht zur Geltung kommen konnten.

Nun kann man in den beiden, mit aktuellem theoretischen Rüstzeug ausgestatteten Bänden gleichsam die Korridore sämtlicher obersten Verwaltungsbehörden durchwandern und die Vielfalt ihrer Aufgaben ermessen, wobei dem Kaiserhof ebenso Rechnung getragen wird wie den dort angesiedelten Reichsbehörden, den landesfürstlichen Zentralverwaltungen ebenso wie ihrer Finanzorganisation, den Strukturen des Militärs ebenso wie denjenigen der Post. Großer Wert wird auf Entwicklungen gelegt, Institutionen sollen nicht bloß statisch abgebildet, sondern in ihrer Dynamik sichtbar werden. Einzelüberblicke über Ämter und Unterämter bilden den Kern der Arbeit, dem prosopographische Skizzen folgen. Wo immer bekannt, werden die Inhaber der jeweiligen Spitzenposten namentlich und mit ihrer Wirkungsperiode aufgelistet, Vollständigkeit konnte angesichts des Forschungsstandes gar nicht erst angestrebt werden. Abschließend werden Quellenlage und Forschungsstand zu den einzelnen Kapiteln und Unterkapiteln eingehend und – das ist besonders hervorzuheben – den Stand der Nationalforschung besonders berücksichtigend dargestellt; auch Forschungsdesiderate werden dadurch überdeutlich.

Man muss sich vor Augen halten, dass diesen beiden Teilbänden noch zwei weitere, sicherlich ebenfalls sehr umfängliche folgen sollen: Band 2 wird der Länderebene gewidmet sein, Band 3 den Grundherrschaften, Städten und Märkten sowie dem Bildungswesen und den religiösen Verwaltungsstrukturen. Wann diese Folgebände erscheinen und damit das Gesamtprojekt erst ermessen lassen werden, ist unklar, denn auf die Ankündigung eines Erscheinungsjahres lassen sich die Herausgeber „als gebrannte Kinder lieber nicht ein, die Redaktionsarbeiten werden aber fortgesetzt und in wenigen Jahren hoffentlich zum Abschluss gebracht werden können“. Dann wird auch ein umfangreiches Sachregister folgen – bis dahin muss man sich mit einem Personen- und des Ortsverzeichnisses sowie einem 3500 Titel umfassenden Quellen- und Literaturverzeichnis „begnügen“.

Mit einigem Understatement hat Thomas Winkelbauer die vorliegende Arbeit als ein „hilfreiches Grundlagenwerk“ charakterisiert und dessen Anerkennung in Fachkreisen erhofft. Dieser Wunsch wird zweifelsohne in Erfüllung gehen.

Printversion: Frühneuzeit-Info 31, 2020, S. 199 f.

  1. Michael Hochedlinger / Thomas Winkelbauer (Hg.): Herrschaftsverdichtung, Staatsbildung, Bürokratisierung. Verfassungs-, Verwaltungs- und Behördengeschichte der Frühen Neuzeit (= Veröffentlichungen des Instituts für Österreichische Geschichtsforschung 57). Wien: Böhlau 2010. []

Rezension | Prosperi: Infanticide, Secular Justice and Religious Debate in Early Modern Europe

Adriano Prosperi: Infanticide, Secular Justice and Religious Debate in Early Modern Europe. Turnhout: Brepols 2016, 408 S. ISBN 978-2-503-53174-8.

Zu den Unwägbarkeiten des wissenschaftlichen Buchmarkts gehört, dass so manche, im Grunde kreuzbrave Titel hochgejubelt werden, während gewagtere und substanziellere mehr als einmal beinahe spurlos verschwinden. Vorhersehen lässt sich das alles kaum, und wenn Letzteres eintritt, kann man es eigentlich nur kopfschüttelnd zur Kenntnis nehmen. So geschah es mit Adriano Prosperis bedeutender Studie Dare l’anima. Storia di un infanticidio, die 2005 in Italien erschien und schon 2007 bei Suhrkamp unter dem Titel Die Gabe der Seele in deutscher Übersetzung vorlag. Eine gute Ausgangslage würde man meinen, um von der scientific community wahrgenommen und breit rezipiert zu werden. Jedoch das Gegenteil war der Fall: Obgleich im deutschen Sprachraum in den letzten Jahren viel zum Thema Kindsmord publiziert wurde, sucht man in dem üblichen Wust an Literaturangaben, die die Seriosität deutschsprachiger wissenschaftlicher Produktion verbürgen sollen, Prosperis Buch zumeist vergebens.

Nun hat das Buch in einer – im Vergleich zur deutschen – wesentlich gelungeneren englischen Übersetzung vor wenigen Jahren eine zweite Chance bekommen, die ihm gebührende Aufmerksamkeit zu erhalten. Wirklich gut sieht es auch hier mit der Rezeption nicht aus und es lohnt sich vielleicht, ein Wenig darüber zu reflektieren, was dieses Buch so sehr ins Abseits gedrängt hat.

Da ist zuerst einmal der Stil zu nennen, der immer elegant, aber für akademische Kleingeister wohl viel zu unentschieden ist. Prosperi vertraut immer dort der essayistischen Formulierung, wo dem bloß Faktischen ein weiterer Raum der Reflexion geöffnet werden soll. Er scheut nicht davor zurück, an ausgesuchten Stellen seines Textes sowohl empathisch als auch emphatisch zu schreiben. Er lässt Analogien zur Gegenwart zu, setzt auf dramaturgische Elemente und auf eine eigenwillige Poetizität seines Textes. Kurz gesagt, er verhält sich unerwartbar in einem Wissenschaftsbetrieb, der zunehmend darauf konditioniert ist, seine Schemata der Erkenntnisfindung an die Stromlinienform der Fördertöpfe anzupassen.

Das Buch beginnt mit einem Paukenschlag: 1709 ersticht eine Bologneserin ihr Neugeborenes, wird dafür vor Gericht gestellt und gesteht nach einigem Hin und Her ihre Tat. Der Fall reiht sich in eine immer wieder ähnlich verlaufende Schar von Kindsmordprozessen in der Frühen Neuzeit ein: wenn auch erschütternd, ist er dennoch in nichts exzeptionell. Prosperi benötigt deshalb auch lediglich ein paar Seiten seines umfangreichen Buches um den Prozessverlauf darzustellen. Er hätte es bei einem Aufsatz bewenden lassen können, hätte er nicht die Lust verspürt, das Material in ganz andere Richtungen voranzutreiben: „Nothing will stop the hand that held that knife in the morning of December 5, 1709, and nothing can change Lucia’s fate, which the judges were preparing to decide. But some neglected document could reveal to us some of the many things we do not know, or change our interpretation of those we have already read. […] Through these documents, people who have been dead for centuries move, speak, and act as if they were alive. It is inevitable that it should seem like this; but it is right to remember that it is not.”

Die hier, auf Seite 15, aufgebauten Spannungsbögen entladen sich dann auf beinahe 400 Seiten in einer wahren Orgie der Gelehrsamkeit. Entlang einzelner Passagen und manchmal auch bloß vermeintlicher Nebensätze aus den Gerichtsprotokollen rekonstruiert Prosperi die sich ständig in Bewegung befindlichen mittelalterlichen und frühneuzeitlichen Zugänge zu Fragen, die bis heute diskutiert werden: Wann beginnt das Leben, mit der Verschmelzung von Samen und Eizelle, mit einem bestimmten Stadium des Embryos, mit der Geburt? Ab wann werden „Kreaturen“ als beseelt betrachtet? Daran knüpfen sich entscheidende Fragen, die das Mittelalter und die Frühe Neuzeit umtrieben: Was geschieht mit den vielen ungetauften Kindern, die das Paradies nicht schauen werden? Was genau macht die Tat der mordenden Mutter so verabscheuungswürdig, dass sie nur mit dem Tod gesühnt werden kann? Wie kann eine Gesellschaft nach einer solchen Tat wieder in ein Equilibrium gebracht werden?

All diese Fragen beantwortet Prosperi, gelehrt, detailreich und mit Einsichten, die den Leser ob ihrer Vielschichtigkeit oft staunend zurücklassen. Allzu ausufernde theologische Spitzfindigkeiten hemmen zwar bisweilen den Lesefluss, aber Prosperi schafft es letztlich immer wieder eine neue unbekannte Spur zu legen, der man dann wieder gerne zu folgen bereit ist. Prosperis Buch ist kein Einfaches, denn es ist ein extrem komprimiertes, eines, dessen Stoffe andere wohl zu mehreren Bänden ausgewalzt hätten. Wiederlesen und Wieder-von-Neuem-Entdecken ist gefordert. Wer sich darauf einlässt wird reich belohnt: Er oder sie erhält tiefe Einblicke in Philosophie- und Theologiegeschichte, erfährt etwas über die gesellschaftliche Konstruktion der Wirklichkeiten und nähert sich letztlich dem immer wieder unfassbaren Rätsel ein wenig an, warum Delinquentinnen so bereitwillig in die eigene Auslöschung einwilligten.

Printversion: Frühneuzeit-Info 31, 2020, S. 190 f.

Veranstaltungsbericht | The Cobenzls: Statesmen, Diplomats and Patrons at the Service of the Habsburgs

The Cobenzls: Statesmen, Diplomats and Patrons at the Service of the Habsburgs. A Conference and Proceedings on the Most Relevant Noble Family from the County of Gorizia (1508–1823)

Federico Vidic (Gorizia)

On 4 and 5 December 2020 a family that had played a considerable role in the Central European region for three centuries has recently reoccupied the centre stage thanks to a conference (online) organized in Gorizia under the title Gorizia at the Heart of Europe. The Cobenzls: Statesmen, Diplomats and Patrons at the Service of the Habsburgs.

The initial idea of an international research involving scholars of various disciplines (history, art history, Musiktheorie, archival, epigraphy, geography) who should study the family native of the County of Gorizia and flourished between 1508 and 1823, came from Alessio Stasi, professor at the Theological Faculty of Triveneto (Padua-Udine). He is the author of monographs, papers, articles and conferences which, despite the multiplicity and depth of his interests, are always focused on the enhancement of the historical, artistic, cultural and religious heritage of the County of Gorizia, a region that for a long time belonged to the Holy Roman Empire in which Romance, Germanic and Slavic languages and cultures met, giving rise to an original and peculiar civilization.1

The conference will be followed in a short time by the publication of the proceedings, also including contributions from scholars who did not intervene during the works. The volume, full of new and unexpected discoveries, is meant to help fill an important gap in European historical studies and to serve as a basis for further research. The book and the whole activities have been made possible thanks to the contribution of the Autonomous Region Friuli Venezia Giulia, the support of the Archdiocese of Gorizia, Cassa Rurale FVG Bank and the patronage of the Municipalities of Gorizia and Mossa. The project has been coordinated by the scientific committee composed of Alessio Stasi, Federico Vidic and Lucia Pillon.

The Cobenzls has been conceived as a wide-ranging project, which intends to relaunch the study of history and disciplines related to the modern age in the upper Adriatic region around Gorizia. In fact, it is a question of picking up the thread of a tradition that had had a prominent figure in Luigi Tavano (1923–2018), priest, historian, educator and founder of the Institute of Social and Religious History of Gorizia.2 His name was linked to cycles of conferences, publication of books, meetings and research projects that had investigated, among other things, also relevant dimensions of the 16th–18th centuries. Considering only the activities related to this period, Gorizia thus hosted a series of historical conferences with the titles From Maria Theresa to Joseph II – Gorizia, the Littoral, the Empire (1981),3 Carlo Michele d’Attems first Archbishop of Gorizia (1988–1989),4 and The Eighteenth Century Across the Alps (1992).5 The Cobenzl project is intended as an ideal continuation of this series.

However, research on Gorizia and its surrounding region in the modern age did not stop in 1992.6 Since then, numerous steps forward have been made on the occasion of various exhibitions (accompanied by important catalogs, full of unpublished contributions) hosted at the castle of Gorizia (organized by the municipality), at the 18th-century Palazzo Attems-Petzenstein and at the Provincial Museums of Borgo Castello, often in collaboration with the Archdiocese of Gorizia. Just to mention a few, The Lichtenreiter in the 18th-Century Gorizia (1996),7 Gorizia barocca. An Italian City in the Habsburg Empire (1999),8 The Sign of the Habsburgs (2001),9 Divus Maximilianus: A County for Gorizia 1500– 1619 (2002),10 Abitare il Settecento (Living in the 18th Century) (2007).11 To these must be added Antonio Paroli 1688–1768 (1996),12 Baroque Painting in Gorizia (2002),13 Barok na Goriškem / Il barocco nel Goriziano (2006),14 in collaboration with Narodna Galerija, Ljubljana, and Goriški Muzej, Nova Gorica (1996), as well as the conferences Katholische Reform und Gegenreformation in Innerösterreich 1564–1628 (Graz–Ljubljana–Gorizia 1994),15 Counter-Reformation and Absolute Monarchy in the Austrian Provinces (Gorizia 1997)16 and “Venezia non è da guerra”. The Isontino, the Friulian Society and the Serenissima in the War of Gradisca 1615–1617 (Gradisca d’Isonzo 2008).17 A separate reference must be done for the annual exhibitions organized by the Palazzo Coronini Cronberg Foundation, established from the legacy of the late Count Guglielmo Coronini Cronberg (1905–1990).18

The Cobenzl Project brought together the collaboration of all these local institutions, together with the State Archives of Gorizia and the Isontina State Library, which provided an active and professional contribution, indispensable for carrying out scientific research during the health emergency (in which most public research institutions have been closed for a long time). In this way, it was possible to support the work of 32 scholars, belonging to 22 universities and different institutes in 8 countries (Italy, Austria, Slovenia, France, Russia, United Kingdom, Germany and Belarus). Jessica Scodro, Ilaria De Paoli and Daniele Tibaldi, staff of the Institute for Central European Cultural Meetings (ICM), in collaboration with the “Sen. Antonio Rizzatti” Centre for Social Studies, managed the complex IT organization of an online conference, divided into four sessions lasting about two hours each, for a total of almost nine hours. The planned concert in the Cobenzl Palace (now Archbishop’s Palace of Gorizia) with the music that the great composers W.A. Mozart, L. Koželuh and A. Eberl wrote for the Cobenzl or dedicated to them, in collaboration with “Thomas Schippers” Musical Association, had to be rescheduled to better times.

As mentioned, a fundamental component of the research is presence of the Cobenzl family records (most of which are unpublished) in the Coronini Cromberg archive held by the National Archives of Gorizia. These are a tremendous source of information for understanding local and European history. Equally important are the many works of art and buildings commissioned by them in Gorizia, Mossa, Štanjel (San Daniele del Carso), Postojna (Postumia, Adelsberg), Planina (Haasberg), Ljubljana and Vienna, which bear witness to their important role as patrons of art and architecture. Thus it has been possible to assemble the disseminated traces of the rich cultural legacy of the Cobenzls, from the rise of the Habsburg Monarchy and the settling of the Jesuits, to the development of art, music, thought and literature, thanks to their personal connections with key personalities of European history such as all Habsburg monarchs from Ferdinand I to Francis II/I, St Ignatius of Loyola, Ivan IV the Terrible, Catherine II of Russia, Napoleon, neoclassical painter F. Caucig and philosopher Rousseau.

A brief overview of the issues raised during the conference can give an idea of the findings and highlights offered by the participants. The first session, chaired and introduced by Alessio Stasi, was dedicated to The Cobenzls in the Late Renaissance. Stasi offered a comprehensive insight on The Cobenzls 1508–1823. A Gorizia Dynasty of Politicians and Diplomats in the Habsburg Empire. Starting from the development of the name and the coat of arms, he underlined that the Cobenzls were arguably the most notable Goritian family in the modern European age; yet their story has remained largely untold. Although many of their family records still survive, they have been little studied. Due to historical interpolation, the Cobenzls’ ancestry has been wrongly traced back to the Cubertels, a family documented in Carinthia in the 12th century. New evidence shows that at the down of the Middle Ages the Cobenzls were instead wealthy farmers from the Karst (Carso) plateau who distinguished themselves in the defence of the military outpost of Štanjel (one of the former strongholds of the Counts of Gorizia) during the gradual strengthening of the Habsburg rule in the Goritian region, which subsequently became the site of bloody battles between Venetians and Turks. Much of the family’s fortune and prestige was laid by Giovanni (Hans) Cobenzl (ca. 1530–1594) (Fig. 1). A true homo novus of the late Renaissance, he pursued a political career at the service of the Habsburgs, building a vast network of friendship and ties throughout Europe. Not all Cobenzls followed the same career path, though. Some of them became men of letters. Others became churchmen or churchwomen. One of them was even a bandit. Fresh archival, genealogical, heraldic and epigraphic research reveals a three-century-long fascinating picture of the family’s private and public life. One of the most striking discoveries made by Stasi was the Cobenzl coat of arms in Millstätter Lenten cloth from 1593, on the side of the rare representation of Christ in Limbus, stating the donor’s hope in redemption after death. The cultural and artistic legacy handed down to Europe by this family is impressive. Acknowledging this legacy, concluded Stasi, is our duty.

Fig. 1: Johann Cobenzl von Prosseg. Portrait from Franz Christoph Khevenhüller’s Annales Ferdinandei, Nachdruck 1721 (Wien, ÖNB Bildarchiv; Foto: Bildarchiv).

Bernhard Huber (Deutschordens-Zentralarchiv, Wien) intervened as the second lecturer on Hans Kobenzl von Prosegg als Deutschordensritter (um 1530/1566–1594). Reconnecting to Stasi’s observations, Huber elaborated on the fact that Hans Cobenzl gives an interesting example of a Teutonic Knight in the second half of the 16th century in two respects. On the one hand, the form of his entry into the order through imperial and royal protection of Ferdinand I shows how much the order was after 1525, through the loss of Prussia and the political effects of the Reformation, was dependent on the highest authority of the empire and had to make appropriate concessions. On the other hand, it also becomes clear what significance the Teutonic Order had at that time as a state-appropriate supply authority in the imperial structure. Cobenzl, in the service of Habsburg, whether for Emperors Ferdinand I, Maximilian II or Archduke Karl II of Inner Austria, devoted himself intensively to the concerns of the Teutonic Order after he had made his profession. Whether it concerned the recuperation of confiscated religious goods in Italy, or those entrusted to him. The numerous correspondence also give evidence of the diplomat Cobenzl, who was gladly called to represent the interests of the Reich, the Church and the Order. Huber primarily highlighted Cobenzl’s religious career and referred to the relevant sources of the German Order’s Central Archive (DOZA) in Vienna for further research.

In the third speech, Simon Malmenvall (Teološka fakulteta Univerze v Ljubljani – Katoliški inštitut, Ljubljana) illustrated the research carried out together with Alexei Martyniouk (National Institute for Higher Education, Minsk) on Hans Cobenzl’s Diplomatic Mission to Moscow (1575) and his Predecessors. Both scholars have concentrated on to the wider historical and cultural circumstances of Hans Cobenzl’s diplomatic mission at the court of Ivan IV the Terrible in 1575–1576, which represents an important event in the history of contacts between the Holy Roman Empire, particularly the Inner Austria, and East Slavic (Rus’) principalities during the middle ages and early modern period. Their research followed a two-part structure: the first part covers three minor case studies on the predecessors of Cobenzl from the Alpine-Adriatic region living in the 13th (Philipp of Salzburg), 14th (Herman von Cilli) and 15th (Aeneas Silvius Piccolomini) centuries; the second part covers the historical background of Cobenzl’s mission to Muscovy and his literary account. The authors advocate two mutually intertwined theses: all described diplomatic missions to Eastern Europe or aims to establish contacts with rulers of various Rus’ principalities were primarily the result of political needs stemming from the unsolved issues within the Holy Roman Empire; all these missions or contacts enabled the incorporation of the territories of the Eastern Europe in the Western “mental map” and contributed to the “discovery of Russia” in the mid-sixteenth century (most notably by Sigismund Herberstein, also originating from Inner Austria). This – as Malmenvall said – provided the overall context of the mission of Hans Cobenzl; he did not choose the road to nowhere: he was following his predecessors.

The following intervention of this session, by Claudia Bortolusso, was devoted also to the primary figure of the family, citing an epigraphic testimony by himself; “Rheno, Tiberi, Tanai, Tago et Danubio”: Giovanni [Hans] Cobenzl in the Europe of Late 16th Century. From his native San Daniele del Carso, Giovanni (Hans) Cobenzl was called to hold various offices both in the administrative and diplomatic field throughout his remarkable career at the Austrian courts. In order to provide a deeper understanding of this faithful servant of the Habsburgs, the focus was primarily on the archival sources, mainly unpublished and preserved in the Coronini Cronberg Historical Archive, now in the State Archive of Gorizia. The lecture was divided into two parts: after a brief introduction clarifying the chosen research path, Bortolusso followed with a selection of archival sources. As said, the starting point was an epitaph found among the documents referred to Cobenzl’s stay in Regensburg, where he passed away on 16th August 1594 while taking part in the imperial diet. In particular, Bortolusso referred to the days following Giovanni’s death, together with another archival source concerning the wedding per procuratorem between archduchess Anna and king Philip II of Spain, which took place in Prague in 1570. This selection of sources, together with those included in the paper, have revealed the potential of the documentation kept in the State Archive of Gorizia.

Again in this Hans Cobenzl’s panoply we must refer to the original insights offered by Robert Devetak (Fakulteta za humanistiko, Univerza v Novi Gorici) on the theme Hans Cobenzl in the Slovenian Press during the Late 19th Century. The scholar analyzed Slovenian publications from the last third of the 19th century focused on the Cobenzl family, whose members lived in Slovenia and also used the Slovenian language in their activities. This also allowed Giovanni Cobenzl (Janez Kobencl) to be successful in his aforementioned mission in Russia. In the second half of the 19th century, as Devetak explained, the Slovenian national elite was looking for prominent historical figures who could be included in the national imagination and discourse. These personalities served as examples to stimulate the Slovenian-speaking population to internalize national ideas more quickly and to engage in efforts to achieve national and linguistic rights at a time when there were many conflicts with other ethnic groups of the Habsburg Monarchy, in the case of Slovenia mainly Germans and Italians. The deeds of personalities who could become national heroes were especially important. The authors of the Cobenzl writings combined real and imaginary events and sought to portray some prominent family members in an ideal image, ignoring the facts and further valuing or even inventing their actions which would successfully help mobilize the masses for the idea of the Slavic peoples. This raises questions about the scope of such works and their impact on readers and the general public.

Immediately after the first session, the award for best student work followed. In fact, an award was set up for the best original work on the Cobenzls submitted by a graduate or an undergraduate student. To enter the competition, candidates had to be enrolled in academic year 2019/2020 and be no older than 35 years of age. The aim of the competition was to raise awareness among young students of the unique historical legacy of the Cobenzls. Thus, the winning work by Filippo Soramel (Mansfield College – University of Oxford), Guidobaldo Cobenzl (1716–1797), an Aristocratic between Paternalism and Patriotism, was presented at the conference. Soramel illustrated the scope of his research stating that, under the reigns of Maria Theresa (1740–1780) and Joseph II (1780–1790), Guidobaldo Cobenzl participated, in Gorizia, in three significant socio-cultural experiences of state-building. His involvement in the Company of Charity (1754–1755), in the Society of Agriculture (1764–1797) and in the Academy of the Romano-Gorizian Arcadians (1780–1797) were emblematic of a variable, yet systemic relationship towards socio-economic modernisation between the Gorizian nobility and the Habsburg dynasty. On the one hand, Guidobaldo’s endeavours demonstrate how aristocratic-dynastic cooperation peaked in the 1760s, with the blending of traditional lordly paternalism and patriotic ideologies and practices intended to establish new patterns of social control necessary to the rising Habsburg “fiscal-military state”. On the other, they testify the opposite trend during the following two decades, thus shedding new light on the transition of the Gorizian nobility from feudalism to the modern state.

The second session was devoted to The Cobenzls in the Baroque Age and chaired by Federico Vidic (Istituto di Storia Sociale e Religiosa, Gorizia), speaking on From the Seignory to the Court: The Rise of the Cobenzls in the Service of the Habsburgs. Over the span of two generations, the Cobenzls were capable of getting a spectacular social and political rise that led them from the peripheral seigniory of San Daniele del Carso to hold prestigious positions at the court of Vienna. The authors of this progression were Giovani Filippo (1635–1712) and Giovanni Gasparo Cobenzl (1664–1742), father and son, in the decades around 1700s. The first, after ruling the County of Gorizia in an era of civil unrest, became captain of Trieste for over twenty years and then of Gorizia itself where he died in 1702. The second entered the court very young and, thanks to the support of the chancellor Bucelleni and archduke Charles, gained more and more offices. Taking over from his father as captain of Gorizia, he also embarked on an administrator career which then led him to Ljubljana. Only in 1722 did Charles VI call him to Vienna as court marshal and grand chamberlain, a position he held until the emperor’s death. The career of both Cobenzls reveals how one supported the other through the dynamic centre-periphery typical of the Habsburg Monarchy, which provided for a continuous exchange of economic and power resources between the two sides. Giovanni Filippo Cobenzl had the intuition and the ability to keep his son in Vienna in his early years, while Giovanni Gasparo (Fig. 2) managed to remedy his father’s failure to obtain Gorizia thanks to his deep understanding of the court mechanisms.

Fig 2: Anonymous: Ritratto di Giovanni Gasparo Cobenzl, 1731, Fondazione Palazzo Coronini Cronberg, Gorizia (inv. n. 1244).

Cobenzl and Architecture: Castles and Manors in the County of Gorizia and in Carniola, the theme chosen by Helena Seražin (Znanstvenoraziskovalni center Slovenske akademije znanosti in umetnosti, Umetnostnozgodovinski inštitut Franceta Steleta, Ljubljana), dealt with the architectural commissions of the Cobenzls from the second half of the 16th to the end of the 18th century. Again, among the most significant patrons of this family was Hans Cobenzl, who built or rebuilt manors, palaces and castles in all the estates acquired by him: Prosecco (near Trieste), Štanjel, Jama (Lueg), Gorizia and Mossa. The next very active member of this family in terms of buildings was Giovanni Filippo Cobenzl, who carried out the largest reconstruction of the manor of San Daniele towards the end of the 17th century and built the Lože Palace near Vipava (Vipacco, Wippach). His son Giovanni Gasparo sold, in his later years, the properties of Gorizia and, acquiring the Carnioline estates from the Eggenberg family, transferred the centre of gravity of the family lordships to Inner Carniola. He completely rebuilt the Haasberg palaces near Planina and Logatec. He also bought the palace in Ljubljana and obtained from his brother Ludovico Gundacaro (1678–1745) the estate of Ribnica, giving both to his son Guidobaldo. He had a new palace built in Ljubljana in Novi trg 4 and towards the end of the 18th century he completely restored the palace of Ribnica (Reifnitz). With him also ended the architectural commissions of the Cobenzl family, as the last representative of this powerful family, Philip (1741–1810), spent most of his time in Vienna.

Following insights came from Tina Košak (Znanstvenoraziskovalni center Slovenske akademije znanosti in umetnosti, Umetnostnozgodovinski inštitut Franceta Steleta, Ljubljana – Univerza v Mariboru, Filozofska fakulteta) concerning Picture Furnishings and Collections in the Cobenzl Residences in Carniola. Košak, who studied in particular hereditary ventilations, inventories of castles and purchase contracts, for the first time comparatively analyze furnishings and collections of paintings in the Carnioline residences of the Cobenzls between the mid-18th century and the first decade of the 19th century, in the context of the history of real estate and intra-family relationships, the role of their diplomatic posts, artistic commissions, as well as subsequent transfers and the destination of their artistic heritage. The main starting point are the properties and residences of Carniola passed to the sons of the captain of Gorizia Giovanni Filippo Cobenzl, Ludovico Gundacaro and Giovanni Gasparo, subsequently inherited mostly by the latter’s sons, Charles (1712– 1770) (Fig. 3) and Guidobaldo, namely the palaces of Ljubljana and Haasberg, the castles of Jama (Lueg), Logatec (Lohitsch), Ribnica (Reifnitz) and the villa of Lože (Leitenburg), as well as, in comparative terms, the castle of Štanjel. In addition, Košak touched the issue of receiving and transferring objects from Lože, also drawing on pre-World War I reports and France Stele’s conservation reports.

Fig 3: Charles Cobenzl. Portrait by an anonymous painter (Private Property).

Concluding this session, Michela Messina, curator at Civici Musei di Storia ed Arte, Trieste, elaborated the topic Testimonies of the Cobenzls in the Trieste Civic Collections: Tombstones, Portraits, Globes and Ancient Volumes. Although the Cobenzl’s contacts with Trieste were apparently sporadic, the museum and book collections of the Municipality of Trieste host various testimonies relating to the family, useful for their cultural and social history. Two 17th-century relief carved stone plaques with the family coat of arms in the Castle of San Giusto testify to the activity of Giovanni Filippo Cobenzl as Captain of the city, while the pictorial collections of the Museo Sartorio reveal an unpublished portrait of his son, Giovanni Gasparo, wearing the Golden Fleece. The intellectual activity of the latter is documented by two globes by Vincenzo Coronelli that belonged to him and by a series of precious 16th– and 17th-century books from his library, preserved in the “Attilio Hortis” Library, in which there is also a pleasant portrait of his son, Guidobaldo, founder of the Arcadian colony of Gorizia. The series of portraits ends with three other family members, including two women, contained in the so-called Auersperg Albums of the Museo Teatrale, whose drawn effigies are a living testimony of the network of contacts in which the Cobenzl family was inserted at the end of the 18th century.

Fig 4: Johann Daniel Donat: Ritratto di Giovanni Filippo Cobenzl, 1775, Fondazione Palazzo Coronini Cronberg, Gorizia (inv. n. 1309).

The third session of the conference held the title The Cobenzls in the Age of Enlightenment. In his introductory speech, the chair Antonio Trampus (Dean, Dipartimento di studi linguistici e culturali comparati, Università Ca’ Foscari, Venezia) offered a brilliant lecture on Giovanni Filippo Cobenzl and Josephinist Reforms. This Cobenzl, generally known as Philipp (1741–1810) (Fig. 4), is generally remembered for his long political career which, after studying at the Savoysche Ritterakademie in Vienna and at the University of Salzburg, led him to join his uncle Charles in Brussels. There he was trained in State affairs until in 1767 when, on Kaunitz’s recommendation, he returned to Vienna to work in the Hofkammer and became a close friend of Joseph II, so much to participate in his 1777 incognito journey to France. In 1779 Philipp attended the Teschen conference instead of his cousin Louis (1753–1809) and then became deputy chancellor in charge of foreign affairs. The extensive literature on his figure, starting from the second half of the 19th century, presents him as one of the staunchest supporters of Josephan politics. However, in the last thirty years, historiography has looked in a new way to the radical path of Joseph II’s reforms. No longer is this path considered as the moment in which the contradictions between the innovative force and absolutist praxis became more evident, but as a necessary overcoming of the gradualness and sectoriality of the previous decades reforming policy. The talk intends to offer useful elements and insights to understand Philipp Cobenzl’s position in this dynamic, starting from a survey of the documentation left by Cobenzl, and in particular from the possibility of distinguishing public and private sources, and then compare the egodocuments with other evidence of the time, including those of Karl von Zinzendorf.

Transnational and trans-continental dimension of the Cobenzls were spotlighted by David Do Paço (Département d’Histoire, Sciences Po, Paris) under the title The Cobenzl Family and the East in the 18th Century. Do Paço’s contribution explored the economic, social, political and cultural connections of the Cobenzl family with the Ottoman Empire. The scholar highlighted the diplomatic revolution led by Philipp Cobenzl from 1779 onwards. This relied on the family’s private networks and the influence of Peter Herbert von Rathkeal in Istanbul and within the Ottoman Empire. The rich and dense correspondence between Philipp Cobenzl and Peter Herbert von Rathkeal between Vienna and Istanbul from 1779 to 1792 is, in this sense, a major contribution to the new diplomatic history and to the history of the Eastern question and the history of the Habsburg monarchy. As Do Paço concluded, the networks of the Cobenzl family offer an original perspective to the economic development of the port of Trieste and in particular to the development of its global dimension and the first exchanges between Trieste, the Indian Ocean and China.

After economy and diplomacy, literature came into affair thanks to Gabriele Zanello’s (Dipartimento di Lingue e letterature, comunicazione, formazione e società, Università degli Studi di Udine) talking about La “Raccolta di compositioni e di poesie” in onore di Giovanni Filippo Cobenzl. As Zanello explained, in the encomiastic production in Friuli flourishing both on the Venetian and on the Archducal side of the region during the 18th century, there are also two poetic collections belonging to Gorizia which include compositions in several languages. The first printed in Udine in 1744, celebrates the taking of possession of the captaincy of Gradisca by Baron Antonio De Fin; the second, on the other hand, enjoys a much broader scope in various respects, since it celebrates with a wider range of languages the important role played by Giovanni Filippo Cobenzl in the stipulation of the Teschen treaty between Austria and Prussia (1779). The speech focused on the second collection: it briefly recalled its critical fortune and reviewed the promoters, authors and languages involved; it grasped the links with that dense network of relationships that would soon be consolidated in the Arcadia Romano-Sonziaca; it also presented the principal themes, the intertextual connections, and the metric and stylistic solutions, isolating the elements of continuity and those of discontinuity with respect to the Arcadian tradition; finally, it showed how the compositions of this collection also conveyed an ideological message that was not limited to mere and predictable encomiastic content.

On another form of art was centered in the speech of Roberta Vidic (Fachgruppe Musiktheorie, Hochschule für Musik und Theater Hamburg) on Vienna and Beyond: Cobenzl’s Engagement with Music and the Stylistic Change around 1781. A European network of nobility – noted Vidic – played a central role in the patronage and development of the Classical style in music. In this sense the Cobenzl family offers a good example of the local and international dimension of the ‘Viennese’ Classicism. The Cobenzl’s engagement with music was related to the patronage of Wolfgang Amadeus Mozart and discussed in a broader context of the stylistic change around 1781. Mozart’s first encounter with the Cobenzl family took place in the 1760s in Salzburg and then in Brussels, where Charles Cobenzl served as the Habsburg minister plenipotentiary in the Austrian Netherlands. Brussels was the last stay of Leopold Mozart before the famous trip to Paris, when he was on a concert tour with his two children Maria Anna and Wolfgang Amadeus. Paris was one of the great cultural centers of Europe, and the European nobility was also greatly influenced by French culture. At the same time, the development of the Viennese style was strictly connected with local taste and social conventions. In Vienna W. A. Mozart was furtherly acquainted with Philipp Cobenzl as a patron of the arts, while Charlotte Cobenzl de Rumbeke (1755–1812) was Mozart’s first piano pupil after his arrival in 1781. Departing from historical documents and musical repertory, these different roles are specified in terms of the historical distinction between dilettanti and professori and compared with Mozart’s contemporary collaboration with the pianist Josepha Barbara Auernhammer (1758–1820), Vidic concluded.

Diplomacy came back on the stage through the intervention by Lothar Höbelt (Institut für Geschichte, Universität Wien) entitled Count Ludwig Cobenzl, the Third Partition of Poland – or the Fourth Silesian War? If Philip Cobenzl was the more original mind – Höbelt argued – his younger cousin Louis Cobenzl was the “Mozart” of the foreign service, a gifted youngster with plenty of joie de vivre. He spent more than half his career as a congenial representative at the court of Catherine the Great as the quintessential diplomat who went native. Louis was an enemy of the French Revolution, of course, but above all he was a man of the ancien regime. He experienced the revolution as a nuisance but not as a real threat. His job had always been to keep Russia on the Austrian rather than the Prussian side – and he stuck to that guiding line even if his superiors in Vienna – including his cousin – indulged in wild flights of fancy. Höbelt focused his attention on the fact that Louis Cobenzl’s attitude towards the partitioning of Poland was shaped by the very same considerations. He did not think that it was a good idea; yet, in certain circumstances it might serve its purpose. In 1793, he bowed to the inevitable when his cousin Philipp left him with no option but to accept the Second Partition. In 1795, he gleefully negotiated the Third Partition that enabled him to turn the tables on the Prussians. Yet at the same time he cautioned Vienna against provoking a war against the Berlin upstarts. In 1796, he finally managed to persuade the Czarina to send an army to support the Austrians against the French – but two months later Catherine suffered a stroke and all his efforts were to no avail.

The fourth and final part of the conference, The Cobenzls, Art and Memory, was chaired by Cristina Bragaglia (Fondazione Palazzo Coronini Cronberg, Gorizia), who introduced this session Tracing Cobenzl Assets in the Coronini Collections. The documents of the Coronini Cronberg family, and in particular those belonging to the last descendant, Count Guglielmo, contain numerous references to prominent figures of the Cobenzl family and the works of art coming from their heritage. Through these evidences, Bragaglia tried to establish what has actually been preserved from the inheritance received in 1810 by Michele Coronini, and what has instead been purchased since the 1950s. Count Guglielmo, in fact, always paid great attention to the family “which had played an important role in the history of Gorizia, Carniola and the Empire”, investing energy and economic resources to increase the Cobenzl works in his possession. In addition to the purchase of some paintings, such as three pastels depicting Giovanni Gasparo, his wife and his daughter, the portraits of Guidobaldo Cobenzl and his wife Maria Benigna di Montrichier, coming from the Lože castle, and that of Carlo Cobenzl by Franz Lippold, Count Coronini tried to get hold of the marble bust of Carlo Cobenzl by the sculptor Augustin Ollivier, located in the Predjama castle. The research carried out by Count Coronini on the occasion of the exhibitions of 1956 and 1981 offered an important opportunity to begin further studies on his Cobenzl portraits. More interesting information on other portraits of the Coronini collections emerged also from the correspondence between Guglielmo Coronini and the Belgian scholar Georges Englebert. He also pointed out to him some Cobenzl works available on the antiques market, as recently demonstrated too.

British scholar Catherine Phillips (Vladimir Levinson-Lessing Professor of the History of Collecting, European University in St. Petersburg) illustrated her beloved Count Charles Cobenzl: Art and Politics in the Austrian Netherlands. Charles Cobenzl served Vienna throughout his career as a diplomat, negotiator and administrator, but it is in Belgium and in Russia that his legacy is felt. If the collection that he formed in Brussels was to be sold in 1768 to Catherine the Great of Russia, to lay the foundations of what is now one of the world’s great collections of drawings, in Belgium itself he is to this day credited with the establishment of key cultural institutions. Standing on the cusp of different cultural histories, Cobenzl has often been studied from a national (or nationalistic) point of view, but after his appointment as Minister in the Southern Netherlands in 1753, he himself balanced continued loyalty to his rulers in Vienna with an enthusiasm for and promotion of the interests of his new home. He argued that the arts were central to the prosperity of the Southern Netherlands, that however much Vienna needed money, it made bad economic sense simply to extract it from the region, rather than investing now to increase income in the future.

Carlo’s wife offered the occasion to Raffaella Sgubin (Musei Provinciali di Gorizia, ERPAC) to analyse Teresa Cobenzl-Pálffy’s Wardrobe. Sgubin’s research dealt with Maria Teresa Pálffy (1719–1771), who married Count Charles Cobenzl at the age of 15. After having spent 18 years looking after their children and home in Vienna, while her husband was engaged in multiple missions abroad, she finally joined him in Brussels in 1753 where the count had been appointed minister plenipotentiary of the Austrian Netherlands. Here the two Cobenzls began to have a high-level social life, however entering into conflict with the high nobility of the court, who did not accept to recognize the count and his wife as equals despite the important role they held. The inventory of the countess’s possessions, drawn up on her death and kept in the State Archives of Gorizia, contains interesting information on the means used by the noblewoman to affirm her rank. Thus we learn of the existence of a wardrobe that was nothing short of grandiose made up of dresses in fine fabrics and the most fashionable colours, accompanied by countless accessories in the most popular lace. There were numerous gold and enamel objects, sometimes embellished with diamonds and small miniatures: many snuff boxes, bonboniers, watches, rings and bracelets. There was a large number of fans, as many as 66, of different materials. The Cobenzls arrived at receptions on a coupé carriage with family insignia, and received guests using silver and porcelain services, in which they served new luxury goods brought by international trade: coffee, chocolate, tea and sugar. Sgubin found that their cellar was equipped with the most prestigious wines and the most luxurious tobaccos.

Luxury and misery curiously belonged also to Paola Predolin’s Michele Coronini Cronberg Heir of the Cobenzls. In fact, still a minor at the age of 17 Michele Coronini Cronberg received the inheritance that Filippo Cobenzl, his tutor and grandson of great-grandmother Cassandra Cobenzl, had assigned him as his universal heir. A lucky combination added this fortune to the Coronini and Rabatta bequests, which the young count had previously acquired after his father’s death in 1803. Michele completed his education in Vienna by taking courses in economics, finance, mathematics, administration, civil law, canon law and maritime law. In 1812 he married Sophie de Fagan (1792–1857) who was also a descendant of Cobenzl since her grandmother was Eleonora Cobenzl, cousin of Philip Cobenzl. Michele Coronini began his diplomatic career first in Naples, then in Paris. With great expectations he returned to Vienna and was entrusted with the task of organizing the Congress of Ljubljana in 1821 where the Austrian intervention in Naples was decided. From 1831 to 1847 he was a member of the Diet of the Duchy of Carniola, in the years 1848–1849 he was a member of the Frankfurt Parliament and in 1862 he was appointed life member of the Chamber of Lords of Vienna. Back home after his experience in France, he tried to tidy up the serious financial situation that he had inherited, in which the long and disastrous trial on the Rabatta inheritance was relevant. Debts escalated rapidly and uncontrollably. To worsen the situation was Count Michele’s expensive lifestyle, while his wife Sophie raised her four children alone and managed the properties in the best possible way, earning the esteem and trust of creditors. For Coronini, who died in Paris in 1876, the legacies and especially the heritage of Cobenzl were a calamity rather than a fortune, the expression of a feudal age in decline.

In the last lecture of the session and the conference, Lucia Pillon, Honorary Archival Inspector of the Friuli Venezia Giulia Archival Superintendency, illustrated her fundamental work on The Cobenzl Papers in the Coronini Archive: The Valorisation of a Documentary Collection. As seen, the archive of the Cobenzl family was inherited by Michele Coronini Cronberg together with the rest of the family’s heritage. He kept the Cobenzl papers together with the Coronini’s in Cronberg (Moncorona) castle (now Kromberk, Slovenia). The archive, as Pillon pointed out, suffered severe damages from the fires that hit the building in 1915 and 1943, during the two world wars. Following the definition of the border between Italy and Yugoslavia, in 1947, it was transferred to Gorizia, in the family palace which had been acquired in 1820 by Michele Coronini Cronberg himself. Today, the foundation established by last Count Guglielmo Coronini is based there. The archival documents, including those that belonged to the Cobenzls, are now the property of the Foundation, which on the basis of an agreement signed in 1992 has deposited them in the State Archives of Gorizia, where they can be freely consulted. The internal searches of the Coronini Cronberg archive, which in 1991 was found in conditions of great disorder and of which only some parts are reordered to date, take place with the aid of a list that considers the Coronini archive in all its consistency – about a thousand files – and was compiled between 1993 and 1995. It is sufficiently detailed but, like any similar instrument, fails to offer an overall view of the archive and its structure. As for the Cobenzl archive, reordering and inventorying – from which any correct valorization must start – are still to be completed, but in the last months an extensive work has been done. The consistency of the archive is now known, calculated in 77 archival units, between files and volumes, and the chronological extremes, from 1393 to 1822.

The conference made it possible to experiment with all the possibilities that new technologies can offer, even in an emergency situation, for the celebration of events of scientific relevance. To make the lectures accessible to the public, the Youtube chat was used for the translation of the speeches and abstracts both in English and Italian. These are best practices that may also be useful in view of the next important event that will see Nova Gorica and Gorizia as European Capital of Culture in 2025.

Printversion: Frühneuzeit-Info 31, 2020, S. 209–219.

  1. See: Sergio Tavano, Gorizia: Friuli e non Friuli. Appunti di storia culturale. In: Ferruccio Tassin (Ed.): Cultura friulana nel Goriziano. 2. ed., Gorizia-Udine: ISSR-Forum 2003, pp. 45–80. []
  2. Sergio Tavano: L’Istituto di Storia Sociale e Religiosa: le premesse e gli orientamenti. In: Silvano Cavazza, Mauro Gaddi (Eds.): Figure e problemi dell’Ottocento goriziano, Gorizia: ISSR 1998, pp. 243–264. []
  3. Da Maria Teresa a Giuseppe II. Gorizia – il Litorale – l’Impero, Gorizia: ICM 1981. []
  4. Carlo M. d’Attems primo arcivescovo di Gorizia 1752–1774. Vol. I. Studi preparatori, Gorizia: ISSR-ICM 1988; Vol. II. Atti del convegno, Gorizia: ISSR-ICM 1990. []
  5. Ferruccio Tassin (Ed.): Il Settecento a cavallo delle Alpi: cultura e società, Gorizia: ISSR-ICM 1993. []
  6. However the goal of “preparing young scholars capable of tackling local history issues with the appropriate tools” has not been fully achieved, given the marginalization and lack of inclusion of too many young graduates, interested in local history, updated to the historiographical debate ongoing and prepared for the critical use of sources and the necessary scientific scrutiny. See: Silvano Cavazza: L’Istituto di Storia Sociale e Religiosa e la ricerca storica a Gorizia. In: Cavazza, Gaddi (Eds.): Figure e problemi cit., pp. 265–270. []
  7. Andrea Antonello, Walter Klainscek (Eds.): I Lichtenreiter nella Gorizia del Settecento, Mariano del Friuli: Edizioni della Laguna 1996. []
  8. Silvano Cavazza (Ed.): Gorizia barocca. Una città italiana nell’impero degli Asburgo, Mariano del Friuli: Edizioni della Laguna 1999. []
  9. Raffaella Sgubin (Ed.): Il segno degli Asburgo: oggetti e simboli dalla regalità al quotidiano, Gorizia: Musei Provinciali 2001. []
  10. Silvano Cavazza (Ed.): Divus Maximilianus: una contea per i goriziani 1500–1619, Mariano del Friuli: Edizioni della Laguna 2002. []
  11. Raffaella Sgubin (Ed.): Abitare il Settecento, Gorizia: Musei Provinciali 2007. []
  12. Ferdinand Šerbelj (Ed.): Antonio Paroli 1688–1768, Ljubljana-Gorizia-Nova Gorica: Narodna Galerija- Musei Provinciali-Goriški Muzej 1996. []
  13. Ferdinand Šerbelj (Ed.): La pittura barocca nel Goriziano, Ljubljana: Narodna Galerija 2002 (both Slovenian and Italian editions). []
  14. Ferdinand Serbelj (Ed.): Barok na Goriškem / Il barocco nel Goriziano, Ljubljana: Narodna Galerija 2006. []
  15. France M. Dolinar, Maximilian Liebmann, Helmut Rumpler, Luigi Tavano (Eds.): Katholische Reform und Gegenreformation in Innerösterreich 1564–1628, Klagenfurt-Ljubljana-Wien, Graz-Wien-Köln: Hermagoras/Mohorjeva-Styria 1994. []
  16. Silvano Cavazza (Ed.): Controriforma e monarchia assoluta nelle province austriache, Gorizia: ISSR 1997. []
  17. Andrea Zannini, Mauro Gaddi (Eds.): Venezia non è da guerra. L’Isontino, la società friulana e la Serenissima nella guerra di Gradisca, Udine: Forum 2008. []
  18. Dalla penna d’oca alla macchina da scrivere. Guglielmo Coronini e la bella scrittura (2015); A tavola con i conti Coronini (2016); Donne allo specchio. Personaggi femminili nei ritratti della famiglia Coronini (2017); L’eredità russa dei Conti Coronini. Opere d’arte e oggetti preziosi dall’impero degli zar (2018); L’indispensabile superfluo. Accessori della moda nelle collezioni della famiglia Coronini (2019); Verde sublime. Il Parco Coronini Cronberg e la rappresentazione della natura tra Neoclassicismo e Romanticismo (2020), all with catalogues edited by Cristina Bragaglia Venuti. []

Neuerscheinung | Tobias E. Hämmerle: Aufstieg und Niedergang der schwedischen Großmacht in zeitgenössischen Medienbildern (1611–1721)

Tobias E. Hämmerle hat im letzten Jour Fixe des IEFN einen Vortrag über den Aufstieg und Niedergang der schwedischen Großmacht in zeitgenössischen Medienbildern (1611–1721) gehalten.

Nun ist sein zweibändiges Buch erschienen.👀👇https://www.buechner-verlag.de/buch/die-schwedische-grossmacht-in-medienbildern-2-bde/

Vor 300 Jahren wurde mit dem Frieden von Nystad, am 10. September 1721, das Ende der schwedischen Großmacht besiegelt. Passend dazu bietet dieses Buch nicht nur einen umfassenden historischen Überblick über die gut 100 Jahre anhaltende schwedische Großmachtzeit, sondern zeichnet die mediale Präsenz Schwedens im Heiligen Römischen Reich im 17. und 18. Jahrhundert nach. Dabei werden visuelle und textuelle Medienbilder identifiziert und analysiert, die in frühneuzeitlichen Massenmedien (illustriertes Flugblatt und Zeitung) innerhalb des deutschsprachigen Mediensystems gängig waren, um das schwedische Königreich sowie seine Regent_innen und Bewohner_innen darzustellen.

Im Zuge von sieben umfangreichen Teilstudien werden insgesamt 120 illustrierte Flugblätter in ihren historischen Kontext eingebettet, sorgfältig untersucht und als hochauflösende Scans inklusive Transkription wiedergegeben, wodurch sich eine eindrucksvolle Schilderung des (medialen) Aufstiegs und Niedergangs der schwedischen Großmacht ergibt.

Der österreichisch-schwedische Historiker Tobias E. Hämmerle wirft in diesem Zusammenhang auch einen genauen Blick auf die zeitgenössische Mediensituation um 1700 beziehungsweise die unterschiedlichen Berichterstattungsstile der beiden frühneuzeitlichen Massenmediengattungen: das illustrierte Flugblatt und die Zeitung. Das zweibändige Werk wird ergänzt durch ein umfangreiches Orts- und Personenregister.

Rezension | Grit Schorch/Brigitte Klosterberg: Mission ohne Konversion?

Grit Schorch / Brigitte Klosterberg (Hg.): Mission ohne Konversion? Studien zu Arbeit und Umfeld des Institutum Judaicum et Muhammedicum in Halle (= Hallesche Forschungen 51). Halle: Verlag der Franckeschen Stiftungen 2019, 268 S., 6 Abb., ISBN 978-3-447-11080-8.

Stephan Steiner (Wien)

Zu den vielen bemerkenswerten und in unterschiedlichste Richtungen auswertbaren Beständen des Archivs der Franckeschen Stiftungen zu Halle zählt auch das Schriftgut, das im Kontext des Institutum Judaicum et Muhammedicum entstanden ist. 1728 vom Orientalisten Johann Heinrich Callenberg gegründet, verstand sich diese Einrichtung gleichermaßen als Verlagshaus, Missionswerk und Forschungsstelle. Ziel war es, Juden und Muslime mit pietistischen Glaubenswelten vertraut zu machen und eine Bekehrung zu einem in diesem Sinne konzipierten Christentum voranzutreiben. Dafür bediente man sich einer Fülle von innovativen Methoden: Man bereiste orientalische Länder ebenso wie europäische jüdische Gemeinden, setzte sich mit deren Kultur und Sprachen auseinander, pflegte einen länderübergreifenden und spendenfreudigen Freundeskreis, ließ unzählige Propagandaschriften und Basistexte in Arabisch und Jiddisch drucken, schickte Institutsangehörige auf teils abenteuerliche Missionsreisen und bereicherte die weitere Institutstätigkeit durch deren in Tagebüchern festgehaltene Erfahrungen. Das Institutum, dessen Energie über die zweite Hälfte des 18. Jahrhunderts zunehmend ermattete, bis es 1792 geschlossen wurde, präsentiert sich heutzutage als eine Art Gesamtkunstwerk aus tief empfundenen, oft auch überschießendem religiösem Aktivismus, aberwitziger Projektemacherei und systematischem Wissenserwerb.

Zum Institutum liegen zumindest zwei umfängliche und richtungsweisende wissenschaftliche Untersuchungen vor: Christoph Rymatzki hat vor allem die Unternehmungen des Institutum im jüdischen Umfeld eingehend untersucht und in seiner 2004 erschienenen Studie Hallischer Pietismus und Judenmission. Johann Heinrich Callenbergs Institutum Judaicum und dessen Freundeskreis (1728–1736) dokumentiert. Die für die Mission unter Muslimen relevanten Aspekte wiederum hat Christoph Bochinger in einer 1996 eingereichten, jedoch nicht im Druck erschienenen Habilitationsschrift mit dem Titel Abenteuer Islam. Zur Wahrnehmung fremder Religionen im Hallenser Pietismus präsentiert. Beide Autoren sind auch in diesem Band mit Beiträgen vertreten und ihre gerade genannten Monographien durchziehen ihn als Ausgangs- und Referenzpunkt für eine Neubefragung der Quellen.

Schon die Erweiterung des Begriffes Mission um den der Konversion macht deutlich, dass auch die Empfänger der pietistischen Frohbotschaft als Akteure wahrgenommen werden wollen. Ein Glaubenswechsel (oder zumindest dessen Inbetrachtziehen) wird hier als aktiver Akt auf Seiten der Juden und Muslime und nicht bloß als Endprodukt christlicher Anstrengungen gesehen. „Wie reagierten Juden und Muslime auf die Provokation, ihre Religion, sowie den dazugehörigen kulturellen und politischen Hintergrund, gegen eine andere einzutauschen?“ fragen deshalb die Herausgeberinnen und erhalten in 13 Beiträgen Antwort, die die Vorgeschichte und Leistung des Instituts, die dort gepflogenen Praktiken, die Interaktion von Christen und Juden in dessen Umfeld und zeitgenössische Vergleichsbeispiele behandeln.

Eine weitere Perspektivenverschiebung präsentiert Mission oder Konversion, indem der Band das an sich bekannte und verblüffende Faktum ernstnimmt, dass in der mehr als 60-jährigen Institutsgeschichte eine erschreckend niedrige Zahl tatsächlicher Glaubenswechsel zu vermelden waren: wenige Juden und kein einziger Muslim konnten letztlich überzeugt werden. Heißt das, dass wir es mit einem Totalversagen und einem lächerlichen, weil ergebnislosen Aufwand von Seiten der Pietisten zu tun haben? Die Herausgeberinnen sehen es anders und präsentieren einen überzeugenden Befund, wonach „Konversion keineswegs das Hauptziel der unermüdlichen und betriebsamen Missionsbestrebungen“ gewesen sei. In diesem Sinne zeigen etliche Beiträge, dass die Institutsarbeit auch ohne erfolgreiche Mission nachhaltige Effekte erzielen konnte, indem Wissen generiert und einer Allgemeinheit vermittelt wurde, indem das Befragen ihres überlieferten Glaubens paradoxerweise das Selbstverständnis der eigentlich zu Bekehrenden stärkte: sogar die Haskala als jüdische Aufklärung bewahrte noch das eine oder andere aus früheren Auseinandersetzung im Umfeld des Institutum.

Printversion: Frühneuzeit-Info 31, 2020, S. 189f.

Rezension | Carlo Ginzburg/Bruce Lincoln: Old Thiess, a Livonian Werewolf

Carlo Ginzburg / Bruce Lincoln: Old Thiess, a Livonian Werewolf. A Classic Case in Comparative Perspective. Chicago / London: University of Chicago Press 2020, 290 S., 5 Abb., 1 Karte, 6 Grafiken. ISBN 978-0-226-67441-4

Stephan Steiner (Wien)

In diesem Buch treffen zwei Persönlichkeiten aufeinander, die zu ihren jeweiligen Forschungsfeldern Maßgebliches beigetragen haben: Ginzburg als Historiker, der die moderne Geschichtsschreibung seit den 1970er Jahren entscheidend mitgestaltete, und Lincoln als Religionswissenschaftler, der dieses relativ junge Fach mit zahlreichen wichtigen Studien inhaltlich und methodisch bereicherte. Beide kamen unabhängig voneinander in ihren frühen Jahren mit einer Geschichte in Kontakt, die sie seither nicht mehr losgelassen hat und die in der nun vorliegenden gemeinsamen Publikation in aller Breite nacherzählt, interpretiert und kontroversiell diskutiert wird.

Es geht um den Fall des „alten Thiess“, der sich 1692 vor einem livländischen Gericht als Werwolf bekannte und ausführlich und nicht ohne Stolz zu Protokoll gab, was genau einen solchen ausmachte. Demnach verstand sich Thiess als einen Agenten des Guten, mehr noch: als einen „Hund Gottes“, der für die ganze Bevölkerung in die Hölle hinabstieg, um von dort das Vieh und das Korn zurückzubringen, das zuvor von Zauberern gestohlen worden war. Damit sicherte ein Werwolf nicht nur das Überleben jedes Einzelnen, sondern auch den Fortbestand der gesamten Gesellschaft. Das zeitgenössische Gericht sah sich dergestalt mit einer ausgefeilten heterodoxen Weltsicht konfrontiert, die es einigermaßen perplex zurückließ. Da die Anordnung von Folter den Richtern bereits untersagt war, ließen sie Thiess mit ein paar Stockschlägen davonkommen.

Der vorliegende Band versammelt verschiedenste mit dem Prozess im Zusammenhang stehende Materialien. Das erstmals 1924 veröffentlichte Gerichtsprotokoll samt Urteil wird in englischer Übersetzung präsentiert. Darauf folgt eine einst gefeierte, jedoch höchst umstrittene Interpretation des Falles durch den österreichischen Mediävisten und überzeugten Nationalsozialisten Otto Höfler, der die Vorstellungswelt des alten Thiess in eine umfassendere Welt eingebettet sah, nämlich die der germanischen Männerbünde, die seiner Auffassung nach den Nukleus für eine Idee von Staatlichkeit bildeten. Danach kommt Ginzburg ins Spiel, der gleich mehrmals, u.a. in seinen Büchern Die Benandanti und Hexensabbat, auf Thiess Bezug genommen hat – die entsprechenden Textpassagen werden in Auszügen wiedergegeben. In den Ähnlichkeiten zwischen gewissen italienischen Feldkulten und dem Werwolf-Konzept, wie es im fernen Baltikum aufgezeichnet worden war, sah und sieht Ginzburg weitgespannte vorchristliche bäuerliche Religionsvorstellungen am Werk. Von ihnen waren schon der frühen Neuzeit nicht viel mehr als kümmerliche Reste übriggeblieben, einst hatten sie jedoch – so Ginzburg – eine Einheit gebildet, die Europa bis in den russischen Raum hinein durchzog. Hier mischt sich nun Bruce Lincoln ein, der Ginzburgs Sichtweise konterkariert, indem er die Schlüssigkeit einer Beweisführung anzweifelt, die in detektivischer Manier verstreute und in Lincolns Augen eher dürftige Einzelbefunde zu einem großen Bild zusammenzusetzen versucht. Während es Ginzburg darum geht, eine bäuerliche Gegenkultur aus ihren allerletzten Überbleibseln zu rekonstruieren, sieht Lincoln eine schiere Koinzidenz am Werk, aus der keinerlei weiträumige Schlüsse gezogen werden sollten. Für Lincoln ist Thiess kein letzter Repräsentant einer beinahe gänzlich untergegangenen Kultur, sondern weit eher ein gewitzter Geschichtenerzähler, der es verstand, den Richtern einen Bären aufzubinden. Ginzburg repliziert, Lincoln dupliziert, und was sich daraus entspinnt ist auch eine methodologische Diskussion, die in großer Schärfe, mit etlichen Abschweifungen und ausgestattet mit dem Witz zweier Gelehrtenleben geführt wird. Ihren Höhepunkt findet dieses Aufeinanderprallen zweier Denk- und Forschungskonzepte dann in den Transkripten langer Gespräche zwischen Ginzburg und Lincoln aus dem Jahr 2017, die zwar mit der Bekundung des gegenseitigen Vergnügens daran endeten, die Standpunkte aber recht unverändert nebeneinander bestehen ließen. Eindrucksvolles Denken in Bewegung und manchmal auch ein recht hartes Schauringen der Argumente sind es, die dem Leser dabei Vergnügen bereiten, nicht eine Versöhnung der Gegensätze. Eine solche könnte angesichts der beiden sehr unterschiedlich gelagerten Forscherpersönlichkeiten ohnedies nur eine erpresste sein. Was sich stattdessen auftut, ist eine vielfältige Anstrengung der Gedanken, die der genuin historischen Frage nach der Signifikanz bzw. Bedeutungslosigkeit von Einzelfällen in vielen Facetten, Schattierungen und Verzweigungen nachgeht. Der Band ist in einem Dazwischen angesiedelt: zwischen reiner Theorie und praktischer Interpretationskunst, zwischen verräterischem Detail und erträumtem Ganzen, zwischen Geschichte als Feststellung, wie es denn tatsächlich gewesen ist, und der Erschaffung eindrücklicher Fiktionen. Der Ausgang des Schlagabtausches zwischen Ginzburg und Lincoln ist unbestimmt, die Leserin bzw. der Leser muss ein Urteil über den „Gewinner“ ganz individuell fällen. Das eigentliche Vergnügen an diesem Band besteht aber ohnedies nicht darin herauszufinden, wie letztlich über die beiden Kernthesen zu entscheiden sei, sondern was sich auf dem Weg zur jeweiligen Entscheidung an argumentativer Dramatik abspielt. Und diese ist in diesem Schaustück an Komparatistik zweifelsohne auf eine sehens- bzw. lesenswerte Spitze getrieben.

Printversion: Frühneuzeit-Info 31, 2020, S. 188f.

Rezension | Giovan Pietro Bellori: Vita di Andrea Sacchi

Giovan Pietro Bellori: Vita di Andrea Sacchi / Das Leben des Andrea Sacchi, Übersetzt von Anja Brug, Herausgegeben, kommentiert und mit einem Essay versehen von Elisabeth Oy-Marra, Bd. XII. der von Elisabeth Oy-Marra, Tristan Weddigen und Anja Brug herausgegebenen Edition von Giovan Pietro Bellori: Le vite de’ pittori, sculturi e architetti moderni / Die Lebensbeschreibungen der modernen Maler, Bildhauer und Architekten, Göttingen 2020 (Wallstein Verlag).

Stefan Albl (Wien)

Mit der Publikation von Giovan Pietro Belloris Die Idee des Malers, des Bildhauers und des Architekten fiel 2018 der Startschuss zur zweisprachigen Ausgabe von Belloris 1672 in Rom publizierten Lebensbeschreibungen der modernen Maler, Bildhauer und Architekten, die zu den Schlüsseltexten des 17. Jahrhunderts zählen.1 Die rezente Veröffentlichung des Lebens des Andrea Sacchi gibt Anlass für eine kurze Würdigung des von Elisabeth Oy-Marra, Tristan Weddigen und Anja Brug beim Wallstein Verlag herausgegebenen Editionsprojekts.2 Die Grundlage für die deutschsprachige Übersetzung der 15 Lebensbeschreibungen sowie der dem Gesamtwerk vorangestellten Idea-Rede (Bd. 1) bildet die von Evelina Borea 1976 herausgegebene kritische Ausgabe der Viten. ((Giovan Pietro Bellori: Le vite de’ pittori, scultori e architetti moderni (Rom 1672), Hg. von Evelina Borea mit einer Einleitung von Giovanni Previtali, Turin 1976 (Neudruck mit einem Nachwort von Tomaso Montanari, 2 Bde., Turin 2009.)) Die Gegenüberstellung des italienischen Textes und der deutschen Übersetzung erlaubt es zwischen den beiden Sprachen problemlos hin und her zu wechseln. Zentrale kunsttheoretische Begriffe (colore, disegno, maniera, studio, temperamento, usw.) sind im deutschen Text sichtbar in Klammern ausgewiesen und erscheinen im Anschluss an ein Namens-, Orts- und Werk-, gesondert in einem Begriffsregister. In den Anmerkungen zur Vita finden sich neben kurzen und den Kern der Sache treffenden Informationen zu Werken und Personen, die im Text genannt werden, weiterführende Literaturangaben. Somit entsteht ein wertvolles Instrumentarium der Forschung, dessen Funktion über die sprachliche Zugänglichkeit hinausweist. Dazu trägt der Essay von Elisabeth Oy-Marra (Bellori, Andrea Sacchi und die Neumodellierung der römischen Schule aus dem Kolorit, S. 139–181), in dem die Vita in den Kontext von Belloris Gesamtwerk gesetzt wird und das soziale Umfeld des Autors, sowie Ziele und Strategien des Textes, kunsttheoretische Schlüsselbegriffe und Vorbilder behandelt werden, wesentlich bei.

Die Vita des in Fermo oder Nettuno bei Rom geborenen Malers Andrea Sacchi (1599–1661) ist zu Lebzeiten Giovan Pietro Belloris nicht publiziert worden. Sie wurde erstmals von Michelangelo Piacentini 1942 veröffentlicht und sollte ursprünglich Teil eines zweiten Bandes werden, in den auch Lebensbeschreibungen von Guido Reni, Carlo Maratta und anderen Künstlern aufgenommen werden sollten (S. 10, Anm. 1).3 Der von Bellori verfasste Text ist eine der zentralen Quellen zum Leben des Künstlers. Bellori liefert wichtige Informationen zur Frühzeit und Ausbildung des Malers. Wie bereits von Ann Sutherland-Harris hervorgehoben wurde, erwähnt der Biograph 17 Werke des Künstlers, die in keiner anderen Quelle des 17. Jahrhunderts genannt werden. Bellori war besonders gut über die in Rom vorhandenen Werke Sacchis informiert, wobei er auch Bilder in Kirchen außerhalb Roms und in Malta kannte.4 Im Prolog der Vita wird Sacchi in die römische Tradition gestellt, die Bellori zufolge von Pietro Cavallini über Paolo Romano, Raffael und Giulio Romano reicht. Eine erste Ausbildung des strebsamen jungen Mannes erfolgte bei Benedetto Sacchi, der bald „überflügelt“ wurde und ihn dem Cavalier Giuseppe d’Arpino empfahl (S. 16–17).5 Die unermüdliche Aktivität als Nachzeichner der Fassadendekorationen Polidoros, der Werke Raffaels und der Antike soll dazu geführt haben, dass Sacchi im Rahmen der Accademia di San Luca zum besten Zeichner Roms avancierte (S. 18–19). Entscheidend für Sacchi (und Bellori, der in der Antike, Raffael und den Carracci zentrale Bezugsgrößen seiner in den Viten zum Ausdruck gebrachten ästhetischen Präferenzen setzte) war der Eintritt in die Werkstatt des Carracci-Schülers Francesco Albani, der zu Sacchis Leitfigur und Lehrmeister wurde (S. 20–23). Sacchi schuf ein Porträt von Albani (Madrid, Museo del Prado), das er immer bei sich behielt und das nach dem Tod des von der Gicht geplagten Malers im Alter von 62 Jahren in den Besitz Carlo Marattas überging (S. 120–121). Sacchis Porträt seines Lehrers dürfte wiederum Maratta zur Schöpfung seines Porträts von Andrea Sacchi (Madrid, Museo del Prado) angeregt haben, das in einer Abbildung an den Anfang der hier besprochenen Publikation gesetzt wurde (Abb. 1).

Abbildung 1: Carlo Maratta: Porträt von Andrea Sacchi, um 1661 (Madrid, Museo del Prado).

In der Gegenüberstellung dieser beiden Porträts, die sich in Marattas Besitz befanden, mag ein Nachwirken von Belloris in den Viten beschriebenen Schulzusammenhängen und Genealogien, zumindest aber ein klares Zeichen der Wertschätzung von Seiten Marattas für Sacchi und dessen Lehrer Albani zu erkennen sein.

Mit den Prinzipien der Carracci-Schule vertraut gemacht, soll der Übergang von der Zeichnung zur Farbe, der Sacchi nicht weniger Aufmerksamkeit schenkte, erfolgt sein (S. 22–23). Dass Sacchis Kolorit oder Farbgebung von Bellori als gleichrangig mit seinen Leistungen im Bereich der Zeichnung und als besonderer Ausweis seiner Kunst betrachtet wurde, ist eines der Leitthemen der Vita, das von Oreste Ferrari6 und Elisabeth Oy-Marra (S. 171–181) deutlich hervorgehoben wird und sich in dieser Form in der Vita Giuseppe Passeris nicht findet.7 So zeichnen sich die von Bellori ausgewählten und beschriebenen Werke nicht nur durch spitzfindige Erläuterungen zu Ikonographie und Auftragsumständen (Die Jahreszeiten, die von der Sonne die Wirkkraft beziehen, ehem. Rom, Gartencasino von Kardinal Francesco Maria del Monte, S. 28–31; Die Darstellung der Göttlichen Weisheit, Rom, Palazzo Barberini, S. 42–55; Die Fresken im Baptisterium des Laterans, S. 100–109), sondern auch durch Lobpreisungen und präzise Beobachtungen zu Sacchis Farbgebung aus. Über das Wunder des Heiligen Gregor des Großen (Vatikan, Sankt Peter) ist zu lesen: „Die Farbe (colore) dieses Bildes ist von harmonischster Temperiertheit (temperamento), die einzig der Pinsel desjenigen verleihen kann, der dem Beruf eines großen Koloristen (coloritore) nachgeht“ (S. 37). Über die Vision des Heiligen Romuald (Vatikan, Pinacoteca Vaticana, Abb. 2) hält Bellori fest: „Dieses so ausgewogen dargestellte Geschehen ragt bezüglich des Kolorits (colorito) und der Harmonie des Helldunkels (chiaro oscuro) heraus.

Abbildung 2: Andrea Sacchi: Vision des Heiligen Romuald, 1631–1632 (Vatikan, Pinacoteca Vaticana).

Da Andrea eine Bilderzählung mit sämtlich weiß und mit gleichförmigen Gewändern bekleideten Figuren ohne jegliche Abwechslung der Stoffe und der nackten Körper wiederzugeben hatte, nahm er als Notlösung jenen Baum mit einem hängenden Ast und mit einer Fülle an Blättern oberhalb des dunklen, von Efeu umfangenen und wilden Stamms, während von oben zur (Schaffung von) Harmonie der Schatten und der Lichter mit einzigartiger Kunstfertigkeit einige Sonnenstrahlen eindringen. Die Darstellungsweise der Stoffe kann in der Ausbreitung jener Ordensgewänder, die in verschiedenen Ärmelzipfeln und in der Weite der Kukulle gleichsam zerfließen, nicht besser gelingen; auch erscheint es als hoch angesehenes und neues Ergebnis, dass in jenem durchgehenden Weiß eine Temperiertheit (temperamento) geschaffen wurde, die jener, die die anderen Farben (colori) kraft ihrer Mannigfaltigkeit dem Blick darbieten können, in nichts nachsteht; und dies nicht allein aufgrund der Kraft des Helldunkels (chiaro scuro), sondern auch wegen einer gewissen Vielfalt, der eine fast unmerkliche Ahnung von Gelb zuträglich ist, die das durchgehende Weiß der Kutten mildert und vom Gebrauch herrührt“ (S. 56–59). Sacchi soll sich in der Anwendung des Kolorits Dank einer Reise in die Lombardei, Bologna und Venedig verbessert haben, wo er die Werke Tizians, der Carracci und Correggios studierte (S. 68–69). Die Auseinandersetzung mit den Gemälden dieser Künstler soll in Sacchi den Wunsch erzeugt haben, „im Kolorit (colorito) Voll- kommenheit zu erlangen, indem er dem Bestreben des Correggio nach Zartheit (soavità) und abschat-tierter Malweise (maniera sfumata) folgte, dies aber mit starkfarbiger Kraft (forza ben tinta), und auch in diesem Bereich übertraf er jeden anderen Pinsel seiner Zeit, wodurch er in der Farbe (colore) die römische Schule ehrte und sich dabei fortwährend als Nachfolger und Abkömmling der Carracci zeigte“ (S. 83).8

Belloris Talent, visuelle Eindrücke in Sprache zu übertragen und sorgfältige Bildbeschreibungen als konstitutive Bestandteile der Vita zu begreifen, kommt noch heute exemplarischer Status zu.9 Bei Beurteilungen der Schwierigkeit in der malerischen Ausführung, wie sie in der Vision des Heiligen Ro- muald anhand der Gewänder und des Licht-Schatten-Verhältnisses herausgestellt wurden, ist es möglich, dass ein praktizierender Maler Beobachtungen beisteuerte. Als solcher kommt – obwohl Bellori Sacchi persönlich kannte (S. 143) und die Inschrift für dessen Grabplatte in San Giovanni in Laterano verfasste (S. 96–97) – Sacchis Schüler Carlo Maratta in Frage, der eng mit Bellori befreundet war. Elisabeth Oy-Marra hebt bei der Frage nach Belloris Quellen hervor, dass Maratta beim Verfassen der Vita eine große Hilfe gewesen sein muss (S. 147). Es kann vermutet werden, dass auch Poussin Informationen über den von ihm verehrten Künstler beigetragen hat. Eine zu starke Fokussierung auf die Farbe, die in der Vita Sacchis an vielen Stellen zum Ausdruck gebracht und von Bellori als zentrales Distinktionsmerkmal seiner Kunst angesehen wird – als solche zu Recht im Essay von Oy-Marra ausführlich thematisiert (S. 171–181) –, birgt jedoch die Gefahr, die Rolle der Handzeichnung in der Vita das Künstlers aus dem Blick zu verlieren. Schon am Beginn der Vita hebt Bellori Sacchis unermüdliche Praxis als Zeichner hervor, die sich im reifen Alter fortsetzte: „Die Sorgfalt (diligenza) und die Feinarbeit, die er seit seiner Jugend in seinen Zeichnungen anwendete, behielt er in jedem Alter bei, wie man anhand seiner Aktstudien bemerken kann, die überaus achtenswert schraffiert und liebevoll schattiert (sfumate) sind. Zu diesem Zweck hielt er viele Jahre lang in seinem Haus die Akademie des Aktes ab, in der sich nicht wenige entfalteten, die daraus später als Meister von Ruf hervorgingen“. (S. 81). Der Umstand, dass Sacchi seine Studien und Zeichnungen nach Correggios Kuppel im Dom zu Parma Kardinal Antonio Barberini hinterließ (S. 99), seinem Schüler Maratta Entwurfszeichnungen übergab (S. 93), Bellori Bildbeschreibungen durchführte, wie jene der nicht ausgeführten Ausmalung des Gewölbes von San Luigi dei Francesi auf Grundlage von Zeichnungen, die ihm zugänglich waren, (S. 90–93) und selbst Handzeichnungen Sacchis besaß, auf die er im Text hinweist (S. 113), zeigt nicht nur, wie bedeutend die Zeichnung innerhalb von Sacchis Schaffen war, sondern auch, wie Bellori Arbeiten der Graphik als Arbeitsinstrumentarien für das Verfassen seiner Vita nutzte.10 Dies hätte m.E. die Illustration zumindest einer Zeichnung gerechtfertigt (Abb. 3).

Abbildung 3: Andrea Sacchi: Trunkenheit Noahs, ca. 1644–1648 (New York, Metropolitan Museum).

Selbst der Umstand, dass Sacchi als langsam arbeitender Künstler charakterisiert wird, kann nicht ausschließlich auf seine Gesundheit zurückzuführen sein, die ihn „behäbig werden ließ“ (S. 91), sondern dürfte bis zu einem gewissen Grad einer sorgfältigen graphischen Vorbereitung seiner Werke geschuldet gewesen sein.

Der Bildteil zeigt 14 Farbtafeln, darunter Guillaume Vallets Stich nach Marattas Porträt von Sacchi und mit Raffaels Begegnung Papst Leos des Großen mit Attila (Vatikan, Stanza di Eliodoro) und Domenichinos Letzter Kommunion des Heiligen Hieronymus (Vatikan, Pinacoteca Vaticana) zwei Werke, die im Kontext der Vita von Bellori ins Treffen geführt werden, um kunsttheoretische Standpunkte zu vertreten, die zum einen die Frage der Nachahmung von Vorbildern betreffen und zum anderen Raffael als Koloristen verteidigen. Im Unterschied zur Übersetzung und kritischen Ausgabe von Carlo Cesare Malvasias Felsina Pittrice – man denke an die von Elizabeth Cropper und Lorenzo Pericolo 2019 in zwei Bänden herausgegebene Vita Guido Renis mit 358 zum Teil für diesen Anlass neu angefertigten Fotos von Gemälden, Fresken, Zeichnungen und Druckgraphiken – wurde im Sacchi-Band eine sehr reduzierte Auswahl an Illustrationen getroffen und nicht versucht, jedes von Bellori erwähnte Werk abzubilden.11 Ein umfangreicherer Bildteil würde eine Engführung von Bildbetrachtung und kritischer Auseinandersetzung mit Belloris Verwendung kunsttheoretischer Begriffe und Bildbeschreibungen erleichtern. Dank der Anmerkungen werden Leser, die weniger an Bellori als Biographen und Kunsttheoretiker, als an Andrea Sacchi als Künstler interessiert sind und mehr über sein OEuvre erfahren möchten dazu eingeladen, parallel mit den Monographien von Hans Posse und Ann Sutherland-Harris sowie verschiedenen Ausstellungskatalogen und Aufsätzen zu arbeiten. Die Hinzunahme der in den Anmerkungen und im Literaturverzeichnis (S. 199–222) ausgewiesenen Literatur zu Sacchi ist nicht nur notwendig, um ein vollständigeres Bild seines Schaffens zu bekommen, sondern auch um über die eine oder andere Auslassung, wie etwa die Fresken in der Villa Sacchetti in Castelfusano oder das Porträt des Kardinals Antonio Barberini (Köln, Wallraf-Richartz Museum) nachzudenken. Mehr als solche Unterlassungen, die es auch in anderen Lebensbeschreibungen gibt,12 scheint das (spontane?) Ende der Vita mit der Beschreibung des Porträts des Musikers Marc’Antonio Pasqualini (New York, Metropolitan Museum) die Frage nach dem Grad der Vollendung der Sacchi Vita aufzuwerfen. Die 1672 nicht gedruckte Vita Sacchis sollte, wie bereits erwähnt, zusammen mit den Biographien Renis und Marattas in einem zweiten Band der Viten erscheinen, die in zwei Manuskripten in der Fondation Custodia in Paris und der Bibliothèque Municipale in Rouen in späteren Abschriften vorliegen, wobei das Manuskript in Rouen eine Schönschrift aufweist, die darauf hindeuten könnte, dass es sich um eine Druckvorlage handelt (Anm. 1, S. 10). Die Manuskripte und Notizen für die 1672 publizierten Viten sind nicht überliefert, weshalb es, wie Giovanni Previtali angemerkt hat, unmöglich ist, Belloris Methode im Sammeln und Ordnen der Informationen zu den einzelnen Künstlern sowie die Arbeitsschritte von den Manuskripten zu den gedruckten Viten im Detail zu verfolgen.13 Besonders für die Lebensbeschreibungen, die nicht im ersten Band erschienen sind, können demnach bedauerlicherweise keine sicheren Aussagen über die von Bellori höchstwahrscheinlich angestrebten komplementären Bezüge zueinander und Intentionen im Kontext des Gesamtwerkes gemacht werden. Zwischen Sacchis Tod 1661 und der Veröffentlichung der Viten 1672 liegen elf Jahre. Eine Nichtaufnahme des Künstlers in den ersten Teil ist nicht unmittelbar ersichtlich, mag jedoch neben finanziellen Aspekten, dahingehend gerechtfertigt werden, dass im zweiten Band Belloris enger Freund Carlo Maratta eine herausragende Rolle zugekommen wäre – rein von seiner Bedeutung her eventuell mit Michelangelo in Vasaris Viten vergleichbar – und Sacchi als dessen Lehrer im selben Band erscheinen sollte. Auf die Frage der Stellung der Sacchi-Vita im geplanten zweiten Band und weitere Künstlerbiographien, die darin Aufnahme gefunden hätten, geht Elisabeth Oy-Marra im Absatz IV ihres Essays ein, in dem sie vermutet, dass Sacchi als Schüler Albanis und Lehrer Marattas innerhalb des zweiten Bandes der Viten eine Mittlerfunktion zwischen den Carracci und Maratta zugekommen wäre (S. 151–152). Hier tritt für Leser die Sonderstellung der Sacchi-, Reni- und Maratta-Viten erneut deutlich vor Augen. Die Autorin verweist in diesem Zusammenhang auch auf den Umstand, dass die von Guillaume Vallet gefertigte Porträtkartusche des Künstlers (S. 124, Taf. 1) große formale Ähnlichkeiten zu den Porträts in den 1672 publizierten Viten aufweist, was dafürsprechen könnte, dass die Publikation der Sacchi Vita ernsthaft erwogen wurde (S. 150).

Die vorliegende Publikation leistet für den deutschen Sprachraum und künftige Generationen der Italien-Forschung einen wichtigen Beitrag. Das Leben des Andrea Sacchi, das Teil der in 13 Bänden anvisierten Lebensbeschreibungen der modernen Maler, Bildhauer und Architekten ist, die bis 2023 vorliegen sollen, kann als neues Referenzwerk der Bellori- und Sacchi-Forschung angesehen werden. Zum Erfolg des Bandes trägt die gut lesbare Übersetzung von Anja Brug, die nichts von den enormen Schwierigkeiten einer solchen Operation zum Vorschein treten lässt,14 der fundierte Essay von Elisabeth Oy-Marra und nicht zuletzt das gelungene Layout einschließlich des handlichen Formats wesentlich bei.

Printversion: Frühneuzeit-Info 31, 2020, S. 174–179.

  1. Giovan Pietro Bellori: Die Idee des Malers, des Bildhauers und des Architekten, Neu übersetzt von Anja Brug und Irina Schmiedel unter Mitarbeit von Ulrike Tarnow, herausgegeben, eingeleitet, kommentiert und mit einem Essay versehen von Elisabeth Oy-Marra, Kommentar unter Mitarbeit von Sabrina Leps, Bd. 1, Göttingen 2018. []
  2. Giovan Pietro Bellori: Das Leben des Andrea Sacchi, Übersetzt von Anja Brug, herausgegeben, kommentiert und mit einem Essay versehen von Elisabeth Oy-Marra, Bd. 12, Göttingen 2018. []
  3. Michelangelo Piacentini: Le vite inedite del Bellori, Rom 1942. []
  4. Ann Sutherland-Harris: Andrea Sacchi, in Evelina Borea und Carlo Gasparri (Hg.): L’idea del Bello. Viaggio per Roma nel Seicento con Giovan Pieto Bellori, Ausst. Kat. Rom, Palazzo delle Esposizioni, 2 Bde., Rom 2000, Bd. 2, S. 442. []
  5. Bellori nennt Benedetto Sacchi als Vater des Künstlers, jedoch konnte bereits Ann Sutherland-Harris darauf hinweisen, dass Nicola Pellegrini aus Fermo Sacchis Vater war. Siehe S. 15, Anm. 18. []
  6. L’armonioso temperamento di colori di Andrea Sacchi, in Rosanna Barbiellini Amidei und Claudio Strinati (Hg.): Andrea Sacchi (1599–1661), Ausst. Kat. Forte Sangallo Nettuno, Rom 1999, S. 20–22. []
  7. Giuseppe Passeri: Die Künstlerbiographien nach den Handschriften des Autors, hg. und mit Anmerkungen versehen von Jacob Hess, Leipzig u.a. 1934, S. 291–304. []
  8. Zur fortuna Correggios siehe Maddalena Spagnolo: Correggio: geografia e storia della fortuna (1528–1657), Cinisello Balsamo 2005. Das systematische Studium der Werke Correggios durch die Carracci ist hinlänglich bekannt. Siehe Charles Dempsey: Annibale Carracci and the beginnings of baroque style, Glückstadt 1977. Auf die Vorbildrolle Correggios in Belloris Viten von Federico Barocci und Giovanni Lanfranco verweist Elisabeth Oy-Marra in den Anmerkungen, siehe S. 68, Anm. 138. []
  9. Zu diesem Aspekt siehe Elisabeth Oy-Marra, Marieke von Bernstorff, Henry Keazor (Hg.): Begrifflichkeit, Konzepte, Definitionen. Schreiben über Kunst und ihre Medien in Giovan Pietro Belloris Viten und der Kunstliteratur der Frühen Neuzeit, Wiesbaden 2014. []
  10. Auf die Möglichkeit der Verwendung eines Stiches nach dem Fresko der Göttlichen Vorsehung im Palazzo Barberini, die Bellori bei seiner Beschreibung gedient hat, wird von Elisabeth Oy-Marra verwiesen, siehe S. 44, Anm. 85. []
  11. Carlo Cesare Malvasia: Felsina Pittrice. Lives of the Bolognese Painters. Life of Guido Reni, Hg. von Elizabeth Cropper und Lorenzo Pericolo, 2 Bde., Turnhout 2019. []
  12. Man denke an die Vita Giovanni Lanfrancos und den Bildzyklus für Alessandro Peretti Montalto mit Szenen aus dem Leben Alexander des Großen. []
  13. Giovanni Previtali: Introduzione, in Giovan Pietro Bellori: Le vite de’ pittori, scultori e architetti moderni (Rom 1672), Hg. von Evelina Borea mit einer Einleitung von Giovanni Previtali, Turin 1976 (Neudruck mit einem Nachwort von Tomaso Montanari, 2 Bde., Turin 2009, Bd. 1, S. XLIII. []
  14. Auf einen detaillierten Vergleich zwischen Originaltext und Übersetzung wurde in dieser Rezension verzichtet. Beobachtungen zur Übersetzung und Alternativvorschläge für bestimmte Passagen finden sich in der Rezension von Samuel Vitali zu Band I und V der Reihe. Siehe Samuel Vitali: Rezension von Giovan Pietro Bellori: Le vite de’ pittori, scultori e architetti moderni / Die Lebensbeschreibungen der modernen Maler, Bildhauer und Architekten, Hg. von Elisabeth Oy Marra, Tristan Weddigen und Anja Brug, Göttingen 2018, Bd. 1 und Bd. 5, in: Journal für Kunstgeschichte, 24, 2, 2020, S. 119–128. Einzig bei der Verwendung der Sacchi-Vita von Giovanni Battista Passeri, die zu Belloris Lebzeiten als Manuskript zirkulierte und in der sich, wie in den Anm. 187, 194, 195, 196, 198, 202 angeführt wird, Stellen finden, die nahezu identisch mit Belloris Text sind, wäre es mit Blick auf die Übersetzung und die Lesbarkeit der Anmerkungen, hilfreich gewesen, die entsprechenden Stellen aus der deutschen Übersetzung von Passeris Viten anzugeben. Giovanni Battista Passeri: Das Leben der Maler, Bildhauer und Baumeister welche in Rom gearbeitet haben und zwischen den Jahren 1641–1673 gestorben sind, Dresden und Leipzig 1786, S. 359–380. []

Rezension | Tobias E. Hämmerle: Flugblatt-Propaganda zu Gustav Adolf von Schweden

Tobias E. Hämmerle: Flugblatt-Propaganda zu Gustav Adolf von Schweden. Eine Auswertung zeitgenössischer Flugblätter der Königlichen Bibliothek zu Stockholm. Marburg, 2019. ISBN 978-3- 96317-164-2

Renate Schreiber (Wien)

Politische Flugblätter im 17. Jahrhundert gewannen während des Dreißigjährigen Krieges stetig an Bedeutung; sie sollten die Bevölkerung einerseits informieren und andererseits beeinflussen. Auch die Propaganda zu Gustav Adolf (1594–1632), sei es zu seinen Gunsten oder um ihn zu schmähen, bediente sich ausführlich dieses Mediums. Die königliche Bibliothek in Stockholm besitzt davon eine repräsentative Sammlung aus dieser Zeit. Eine Auswahl von 85 dieser Blätter, sie umfassen den Zeitraum von der Landung des Königs in Deutschland (1630) bis zu seinem Tod in Lützen (1632), stellt der Historiker Hämmerle vor.

Einleitend findet sich ein Kapitel zur Begriffsdiskussion über das Flugblatt, sowie Bedeutung, dessen Herstellung und Verbreitung. Das illustrierte Flugblatt entsprach „dem Erwartungshorizont der breiten Masse“ (S. 22) und war daher sehr beliebt. Der Text, überwiegend auf Deutsch und gereimt, war zeittypisch und literarisch vielseitig. Die Abbildungen enthielten meist Anspielungen, die von den gebildeten LeserInnen verstanden wurden.

Die in Schweden produzierten Blätter wurden gezielt in zwei Stoßrichtungen eingesetzt. Im Land selbst wurden sogenannte Gebetstageblätter (böndagsplakater) aufgelegt, die von den Pastoren anlässlich eines – drei- bis viermal jährlich stattfindenden – Gebetstages in den Kirchen vorgelesen wurden. Sie sollten u.a. die eigene Bevölkerung auf den bevorstehenden Krieg einstimmen. In Norddeutschland bereiteten schwedische Flugblätter ab 1628 propagandistisch das Eingreifen Schwedens in den Krieg vor (S. 37). In diesen Flugblättern wurde der König als „Löwe aus Mitternacht“ oder als Heilsgestalt dargestellt, die Metaphern waren meist der Bibel oder der Antike entlehnt.

Ein weiteres Kapitel befasst sich mit dem „Zusammenspiel von Bild und Text“, das folgende mit dem historischen Kontext bzw. biographischen Details des Königs. Er wurde in den katholischen Blättern häufig als „Fremder“ im Reich bezeichnet, was biografisch nichtzutreffend war, da er durch die Familie eng mit dem Reich verwandt war.

Mit zahlreichen Textbeispielen sowie Interpretationen der Abbildungen geht Hämmerle auf den Wandel Gustav Adolfs in der Flugblatt-Propaganda ein. Problematisch ist die zeitliche Einordnung, da Flugblätter keine exakten Datierungen enthalten. Der Autor verweist auf seine Motive, nach welchen Gesichtspunkten er die Blätter aus dem Bestand der Stockholmer Bibliothek ausgewählt hat. Es sei nicht seine Intention gewesen, den „historischen Verlauf“ exakt nachzuzeichnen, sondern er möchte den König „in den historischen Kontext“ einbetten (S. 72). Flugblätter werden in dieser Zeit vor allem von protestantischer Seite intensiv genützt, während die katholische Seite zu Gustav Adolf fast „abstinent“ war (S. 203).

Nach einem Exkurs auf die Geschichte der Flugblätter-Sammlung in der Stockholmer Bibliothek sowie dem Verweis auf die Methodik der Edition folgt der Katalog mit Scans der ausgewählten Blätter, den technischen Hinweisen sowie der Edition des jeweiligen Textes. Das vorgestellte Buch bietet einen historisch-interessanten Überblick auf die Propaganda des „schwedischen Kriegs“ zur Zeit Gustav Adolfs und die immense Arbeit, die der Autor mit der Edition dieser Blätter geleistet hat.

Printversion: Frühneuzeit-Info 31, 2020, S. 194.

Flugblatt-Propaganda zu Gustav Adolf von Schweden

Veranstaltungsbericht | „Visual Arts between Censorship and Propaganda in the Habsburg Lands“ (Online-Tagung)

„Visual Arts between Censorship and Propaganda in the Habsburg Lands“ Bericht über eine Online-Tagung am 2. Oktober 2020

Lara Baumgartner (Graz)

Am 2. Oktober 2020 fand eine vom Institut für Kunstgeschichte an der Universität Maribor, dem Forschungszentrum France Stele Institut für Kunstgeschichte sowie dem Milko Kos Institut für Geschichtswissenschaften der Slowenischen Akademie der Wissenschaften und Künste organisierte internationale Tagung zur Bildenden Kunst zwischen Zensur und Propaganda in den habsburgischen Ländern statt. Anlass dafür gaben das einjährige Forschungsprogramm „Slovenian Artistic Identity in European Context“, finanziert durch die slowenische Forschungsagentur ARRS, sowie das dreijährige Forschungsprojekt „Visual Arts between Censorship and Propaganda from the Middle Ages to the End of the World War I“, gefördert von der ARRS sowie der Slowenischen Akademie der Wissenschaften und Künste. Aufgrund der besonderen Umstände wurde die in fünf Sektionen unterteilte Tagung nicht in Maribor, sondern online via Zoom abgehalten, und alle 15 Referentinnen und Referenten konnten ihre Beiträge präsentieren. Die Diskussionen fanden jeweils am Ende eines Blockes statt, was einerseits den Vorteil hatte, sich einem Themengebiet aus unterschiedlichen Perspektiven ohne Unterbrechung widmen zu können, andererseits aber dazu führte, dass viele Fragen eher zum letzten Vortrag und weniger zu den vorangegangenen gestellt wurden.

Gorazd Bence, wissenschaftlicher Assistent am France Stele Institut für Kunstgeschichte an der Akademie der Wissenschaften und Künste in Ljubljana, begrüßte die Anwesenden und moderierte die erste Sektion zur dynastischen Propaganda im Mittelalter, die verschiedenen Arten von Repräsentation und Propaganda gewidmet war. Mija Oter Gorenčič, Leiterin des France Stele Institutes, eröffnete die Tagung mit ihrem Vortrag zur mittelalterlichen Kunstpropaganda des Hauses Habsburg im Zisterzienserkloster Stična (Sittich). Ausgangspunkt ihrer Untersuchung waren die Fragmente zweier Rundbilder im Kreuzgang des Klosters, von denen das eine den habsburgischen Löwen mit verknotetem Schwanz zeigt und das zweite je einen Streifen in rot und weiß trägt, die auf den österreichischen Bindenschild hinwiesen. Diese wurden, wie sich in weiterer Folge erwies, von Rudolf IV. in Auftrag gegeben und vertreten als künstlerische Repräsentanten das Haus Habsburg im Kloster Stična, was auf eine enge Beziehung zwischen den Landesfürsten und den auf ihrem Territorium errichteten Klöstern schließen lässt. Weiters lässt sich daraus die politische Zugehörigkeit des Klosters zu den Herzögen von Habsburg ablesen, was mittels weiterer Beispiele und Vergleiche unterstrichen wurde. Als Ort des Gebets und der Meditation waren Kreuzgänge, laut Gorenčič, in ganz besonderer Weise geeignet, die Gedanken der Besucher visuell zu lenken, wobei die Wappen auch als Aufforderung zum Gebet für die Stifter dienten.

Martin Bele von der Universität Maribor widmete sich dem Thema mittelalterlicher Propaganda auf literarischer Ebene am Beispiel des Streits zwischen den steirischen Adelsfamilien Pettau (Ptuj) und Liechtenstein während des 13. Jahrhunderts. Friedrich V. von Pettau, der es meisterhaft verstand, sich den schnell wechselnden neuen Herrschern anzupassen, zog den Zorn der Familie Liechtenstein, die sich durch Friedrichs Vorgehen bedroht fühlte, auf sich. Da die Liechtensteins militärisch unterlegen waren, entschieden sich Ulrich von Liechtenstein, genannt der Poet, und dessen Sohn Otto II. in literarischer Form gegen Friedrich V. vorzugehen. So wurde ein Text für Ottokars Österreichische Reimchronik verfasst, in dem Friedrich V. als Feigling, der aus einer Schlacht flieht, dargestellt wurde, ohne diesen namentlich zu erwähnen. Diese negative literarische Propaganda zeigte erhebliche Wirkung. Die Feindseligkeiten zwischen beiden Adelshäusern wurden erst mit der Heirat von Hartrid III. von Pettau mit Kunigunde von Liechtenstein beigelegt.

Über den Gebrauch repräsentativer Gebäude als Ausdruck dynastischer Propaganda sprach Miha Kosi, Herausgeber der Thesaurus memoriae-Reihe sowie Redaktionsmitglied von Kronika, Journal of Local History Review in Ljubljana. Dabei bezog er sich besonders auf das stärkste und politisch einflussreichste Adelsgeschlecht auf dem Gebiet des heutigen Slowenien, die Grafen von Cilli (Celje), als Bauherren und Besitzer von Burgen und Schlössern. Die Mitte des 15. Jahrhunderts in den Reichsfürstenstand erhobenen Grafen von Cilli, die zu den Bündnispartnern der Habsburger gehörten, besaßen 125 Burgen, von denen sie lediglich vier selbst erbaut hatten. Diese sicherten einerseits deren Grenzen und waren anderseits Zeichen von Macht und Wehrhaftigkeit. Einige der prestigeträchtigeren Gebäude, wie etwa der Palast in Celje, zwei Burgen in Weißenfels und Mokrice, ihre Stadtresidenzen in Ljubljana und Graz sowie vier von ihnen gegründete Klöster, wurden ausführlich besprochen, da sie laut Kosi der deutlichste Ausdruck fürstlichen Mäzenatentums sowie langanhaltender dynastischer Propaganda sind.

Moderiert von Polona Vidmar, Professorin an der Universität Maribor, befasste sich die zweite Sektion der Tagung mit der habsburgischen Propaganda, die mit einem Vortrag von Susanne König-Lein aus Graz über das Habsburger Mausoleum in der Stiftskirche Seckau, eröffnete wurde. Nach einer umfassenden Präsentation des Mausoleums wurde zunächst auf die beteiligten Künstler, darunter die Italiener Alessandro de Verda und Sebastiano Carlone, sowie deren Anteile am Bau eingegangen. Das auf den Tod und die Auferstehung ausgerichtete Bildprogramm, das aufgrund der langen Entstehungszeit von 1587 bis 1612 wohl keinem einheitlichem Konzept folgte, bildete den weiteren thematischen Schwerpunkt des Vortrages. Gezeigt wird Erzherzog Karl II. mitsamt Familie nicht nur als Repräsentant, sondern auch als Beschützer des katholischen Glaubens. Das hauptsächlich unter Karls Gemahlin Maria fertiggestellte Mausoleum ist eine prachtvolle Manifestation der beginnenden Gegenreformation. Diskutiert wurde über die im Vergleich zu den Grazer Jesuiten wohl nur geringe Bedeutung der Augustiner Chorherren bei der Errichtung des Mausoleums und ihren Einfluss auf das Bildprogramm.

Mit der zwischen 1615 und 1637 nach Plänen von Giovanni Pietro de Pomis geschaffen Katharinenkirche und dem Mausoleum Kaiser Ferdinands II. in Graz (Abb. 1) befasste sich der Vortrag von Edgar Lein aus Graz.

Abbildung 1: Giovanni Pietro de Pomis: Mausoleum Kaiser Ferdinands II. in Graz (Foto: Friedrich Polleroß).

Dieser erweiterte die bereits bekannten Bezüge zu venezianischer sowie lombardischer Architektur um römische Einflüsse vom Neubau des Petersdoms, die sich besonders in der Kolossalordnung der Säulen und Pilaster, im Mezzaningeschoss sowie in der einzigartigen, aus einem Dreieckgiebel und einem überfangenden Segmentbogen gebildeten Giebelbekrönung finden. Somit beeinflussten nicht nur Ideen Palladios und der mailändischen Architektur den jesuitischen Bau der Katharinenkirche in Graz, sondern auch Architekturerfindungen Michelangelos (Abb. 2).

Abbildung 2: Michelangelo: Südansicht des Peterdoms, aus: Speculum Romanae Magnificentiae (1569; Quelle: Metropolitan Museum of Art / Wikimedia Commons).

Obgleich de Pomis selbst nie in Rom war, gelangten die römischen Ideen über Kupferstiche und päpstliche Medaillen nach Graz. Auch die Jesuiten, allen voran der Rektor des Grazer Jesuitenkollegs, Wilhelm Lamormaini, dürften als Vermittler eine wesentliche Rolle gespielt haben.

Friedrich Polleroß, Leiter des Archivs des Instituts für Kunstgeschichte der Universität Wien, bildete mit seinem Vortrag zur Verwendung von Herrscherportraits zu Propagandazwecken am Beispiel Kaiser Karls VI. den Abschluss dieser Sektion. Zu Kaiser Karl VI. hat sich eine Vielzahl an bildlichen sowie textlichen Quellen erhalten, die nicht nur über den Auftraggeber und den Verwendungszweck, sondern auch über den Gebrauch von Portraits im Allgemeinen Auskunft geben. Polleroß gab einen überaus umfassenden Einblick in die unterschiedliche Verwendung von Bildnissen des Kaiser in gemalter, graphischer und skulptierter Form, wie etwa Medaillen oder Gnadenpfennige. Von großer Bedeutung waren Bildnisse als diplomatische Geschenke sowie als „Stellvertreter“ des Kaisers bei Festakten. Kaiserbildnisse an öffentlichen und halböffentlichen Orten, wie Rathäusern, Klöstern, Stiften oder Adelsresidenzen und auf Kaisersäulen, schlossen den Vortrag.

Die dritte Sektion war der Propaganda der Frühen Neuzeit im Spannungsfeld von Sakralem und Profanem gewidmet und wurde von Franci Lazarini von der Universität Maribor geleitet. Tina Košak von der Universität Maribor eröffnete mit einem Vortrag zu den Stifterportraits in den Klöstern der kontemplativen Orden in Slowenien mit besonderem Augenmerk auf zehn Portraits weltlicher Würdenträger in der Zisterzienserabtei Sittich (Stična) aus dem 18. Jahrhundert. Passend zum Vortrag von Friedrich Polleroß, beschäftigte auch sie sich mit Portraits weltlicher Würdenträger in repräsentativen Räumlichkeiten mitteleuropäischer Klöster, die auch in der Frühen Neuzeit ein bedeutendes Propagandamittel darstellten. Hierzu wurden die Portraits aus Stična mit Portraits aus Johann Jakob Fuggers Spiegel der Ehren des Höchstlöblichsten Kayser- und Königlichen Erzhauses Oesterreich, Johann Jakob Weingartens Fürstenspiegel oder Monarchia und anderen illustrierten Büchern verglichen. Die bildlichen Quellen finden sich somit in der Porträtbuchillustration des 17. Jahrhunderts, ihre Inschriften lassen sich jedoch mit Paul Puzels Idiografia sive rerum memorabilium Monasterii Sitticensis aus dem 18. bis beginnenden 19. Jahrhundert in Verbindung bringen.

Gorazd Bence befasste sich mit der Loretokapelle der verwitweten Baronin Katharina Elisabeth Raumschüssel in Celje (Cilli). Einer Wundererzählung zufolge sei die Casa Santa, das Haus Mariens, nach der Eroberung Jerusalems durch die Muslime von Engeln nach Loreto gebracht und somit gerettet worden. Besonders im 17. und 18. Jahrhundert, nach dem Sieg Ferdinands II. über die Protestanten in der Schlacht am Weißen Berg – dieser hatte zuvor in Loreto gelobt, die Protestanten zu vertreiben –, wurden zahlreiche Loretokapellen erbaut. Nach einigen Beispielen konzentrierte sich Bence auf die Stiftung der Loretokapelle in der Minoritenkirche in Celje, die heute nur fragmentiert erhalten ist. Die Baronin, über die wenig bekannt ist, und ihr Bruder stifteten zahlreiche Andachtsorte in der Gegend. Aus Dankbarkeit über das Ende der Kämpfe mit den Osmanen wurde die Loretokapelle in Celje als Zeichen des Schutzes vor den Türken erbaut. Die Stiftungsurkunde ist bis heute erhalten.

Der letzte Vortrag der Sektion, vorgetragen von Alessandro Saša Quinzi, Kurator der Kunstgalerie im Palast Attems-Petzenstein der Musei Provinciali di Gorizia, widmete sich dem Aufstieg der Familie Attems-Petzenstein in Görz im zweiten Viertel des 18. Jahrhunderts. Dabei lag sein Hauptaugenmerk auf dem Grafen Sigismund von Attems-Petzenstein, der zunächst als Jurist in Modena tätig war und später in Görz rasch in die höchsten Ämter aufstieg. Vorgestellt wurden Architektur und Ausstattung des Palasts in Görz sowie der Villen im Umland, aber auch Altarstiftungen, die der Repräsentation Graf Sigismunds dienten. Gemälde, die im Zusammenhang mit der Familie stehen, wie etwa Antonio Parolis Darstellung Alexanders des Großen beim Zerschlagen des Gordischen Knotens, rundeten den Vortrag ab. In der anschließenden Diskussion wurde auf drei Attems-Brüder, einen Kleriker, einen Politiker sowie einen General, eingegangen.

Die vorletzte Sektion, moderiert von Frau Barbara Vodopivec aus Ljubljana, widmete sich der Zensur und Propaganda in der späten Habsburgermonarchie. Eröffnet wurde diese durch den Vortrag zur Funktion der Bildnisse am Ende des 19. Jahrhunderts und dem Portrait als Belohnung von Polona Vidmar von der Universität Maribor. Dabei lag der Schwerpunkt auf drei Portraitserien: die elf Bürgermeister von Maribor, sechs Bildnisse von Vorstehern der Gemeindesparkasse und mehr als 50 Portraits der Vorsteher des Theater- und Casino-Vereins in Ljubljana. Eine Auswahl der jeweiligen Serie wurde vorgestellt und mit Vorbildern sowie Beispielen aus Graz, Wien, Ptuj und anderen Städten verglichen. Die Anfertigung der Porträts unterlag keinen festgelegten Kriterien, vielmehr wurden die Gemälde von der jeweiligen Institution als Zeichen des Dankes in Auftrag gegeben und an prominenter Stelle präsentiert.

Jan Galeta von der Masaryk-Universität in Brünn (Brno) widmete sich dem Thema der Manifestation nationaler Zugehörigkeit in der Architektur und der bildenden Kunst, wobei ein besonderes Augenmerk auf den vor 1914 errichteten Nationalhäusern oder Nationalhallen in Mähren und Österreichisch-Schlesien lag. Diese wurden als Zentren des gesellschaftlichen Lebens von Vereinen sowie Verbänden errichtet, in denen die jeweilige kulturelle Identität zum Ausdruck gebracht werden sollte. Der Versuch dieser Volksgruppen, sowohl Besucher als auch die Umgebung durch nationale Propaganda zu beeindrucken, bildete den Schwerpunkt des Vortrags. Anhand einer Vielzahl von Beispielen analysierte Galeta die jeweiligen Architekturstile, die Ikonographie sowie Dekorationsformen und Kunstwerke an den Nationalhäusern, die als Bühne für Feierlichkeiten und Reden genutzt wurden. Somit entstand ein breites Bild über die Verbindung von Architektur und nationaler Propaganda im zeitgeschichtlichen Kontext.

Thematische Weiterführung und Abschluss der vierten Sektion bildete der Vortrag zur Suche des slowenischen Nationalstils in der Architektur von Franci Lazarini. Da es einen tschechischen, polnischen und ungarischen Nationalstil gab, untersuchte Lazarini anhand zahlreicher Beispiele den slowenischen Nationalstil und die mit der Architektur und Kunst verbundene Propaganda. Die große Mehrheit der Gebäude in Slowenien wurde im international verbreiteten historistischen Stil errichtet, wobei vor allem bei der Gestaltung von Wanddekorationen Muster aus der Volkskunst und der Stickerei bedeutend waren. Als Musterbuch diente vor allem das Buch von Albert Sič über Textilien aus der Region Krain. Einen wirklichen slowenischen Nationalstil gab es laut Lazarini nur in Krain. In der ehemaligen Untersteiermark wurde häufig auf den tschechischen Stil zurückgegriffen, um sich vom deutschen und österreichischen Stil abzusetzen.

Die letzte Sektion unter der Leitung von Franci Lazarini befasste sich mit dem Ersten Weltkrieg als Höhepunkt der Zensur und Propaganda. Petra Svoljšak, unter anderem Leiterin des Milko Kos Institut für Geschichtswissenschaften der Slowenischen Akademie der Wissenschaften und Künste in Ljubljana, sprach über das Verhältnis des österreichischen Staatsapparates zur Kunst während des Ersten Weltkriegs. Sie behandelte die Strategien von Propaganda und Zensur durch Organisationen und Administration aus geschichtswissenschaftlicher Sicht und zeigte auf, dass allmählich alle Lebensbereiche unter militärische Kontrolle gebracht und überwacht wurden. Briefe, Telegramme sowie Pressemeldungen wurden zensiert, und es wurde Propaganda speziell für die Habsburger ohne Rücksicht auf den Vielvölkerstaat gemacht. Zu diesem Zweck wurden sowohl Fotografen als auch Filmemacher, Landschafts- Portrait- und Schlachtenmaler, darunter auch Egon Schiele und Oskar Kokoschka, eingesetzt, um Kriegsereignisse sowie Szenen von der Front zu malen.

Der vorletzte Vortrag der Tagung, gehalten von Barbara Vodopivec aus Ljubljana, beschäftigte sich mit der visuellen Propaganda in Kriegsmalereien des Ersten Weltkriegs auf slowenischem Territorium. Der Schwerpunkt lag zunächst auf Kriegsbilderausstellungen des k.u.k. Reichspressequartiers im Wiener Künstlerhaus sowie im Kunstgewerbemuseum Düsseldorf. Im weiteren Verlauf wurden Kriegsmaler wie etwa Ivan Vavpotič, der sowohl Portraits als auch Landschaftsgemälde schuf, oder Kriegsbildhauer wie Friedrich Gornik ins Zentrum gerückt. Allgemein waren eher positiv konnotierte Themen, wie etwa die Hoffnung auf gute Heimkehr oder die Verteidigung des Heimatlandes, vorherrschend.

Den Abschluss des letzten Blocks sowie der Tagung bildete der Vortrag von Vesna Krmelj aus Ljubljana zu dem Gemälde Johannes von Krain, gemalt von Ivan Vavpotič, im Kontext der Propaganda des Ersten Weltkriegs. Der Maler zeigt einen gekreuzigten slowenischen Soldaten, der von einer Frau mit Kindern betrachtet wird, in einer Landschaft und vor rotem Himmel. Das Gemälde wurde möglicherweise von einem Gedicht von Oton Zupančič aus dem Jahr 1915 inspiriert. Dieses Bild wurde zu einem Symbol für das Leiden der slowenischen Soldaten im Ersten Weltkrieg. Einige Vergleiche mit Werken, die als Nachwirkung des Johannes von Krain gesehen werden können, darunter ein Werk von George Grosz, rundeten sowohl den Vortrag, als auch die Tagung ab.

Eine Publikation aller Beiträge, mit Ausnahme des Vortrags von Alessandro Quinzi, der 2021 veröffentlicht wird, erscheint in der nächsten Ausgabe der Zeitschrift Acta historiae artis Slovenica.

Printversion: Frühneuzeit-Info 31, 2020, S. 220–224.

Virtueller Jour fixe | 16.06.2021 | Tobias E. Hämmerle Aufstieg und Niedergang der schwedischen Großmacht (1611–1721)

Vortragender: Tobias E. Hämmerle (Wien)

Titel: Aufstieg und Niedergang der schwedischen Großmacht in zeitgenössischen, deutschsprachigen Medienbildern (1611–1721)
Ort: ausschließlich digital
Tool: via Zoom, Gastlink: https://univienna.zoom.us/j/97540360819?pwd=MzhkOXROVU16SDUrOHZ2dGZJNStsZz09

Zeit: Mittwoch, 16.06.2021, 18:30

Moderation: Renate Schreiber

Abstract: Das schwedische Königreich befand sich während seiner Großmachtzeit (1611–1721), die in Zusammenhang mit der Etablierung und Manifestierung des dominium maris baltici durch starke wirtschaftliche, kulturelle und militärisch-machtpolitische Expansion geprägt war, größtenteils im Kriegszustand.
Im Rahmen der vorgestellten Dissertation zeigt sich, dass in den frühneuzeitlichen deutschsprachigen Massenmedien (illustrierter Flugblätter und Zeitungen) für die Zeiträume 1630–1632, 1648–1650, 1655–1660, 1675–1679 und 1700–1715 eine erhöhte mediale Präsenz Schwedens im Heiligen Römischen Reich zu beobachten ist. Mit Blick auf die Zeiträume lässt sich feststellen, dass die Medienpräsenz des schwedischen Königreiches im deutschsprachigen Raum folglich den militärischen Konjunkturen im Heiligen Römischen Reich unterlag. In Zeiten des Krieges wurde die pro- und antischwedische Publikationsmaschinerie im Heiligen Römischen Reich angekurbelt und resultierte in der Produktion und Herausgabe illustrierter Flugblätter, die teils einer Medienkampagne der schwedischen Krone angehörten, teils jedoch das Resultat einer unabhängigen aber proschwedisch bzw. antischwedisch gesinnten Publizistik waren. Das materielle Schwedenbild wurde dabei maßgeblich durch die frühneuzeitlichen Massenmedien, die sich mit dem schwedischen Königreich, deren RegentInnen oder dessen BewohnerInnen auseinandersetzten, geprägt und trug auf diese Weise zur Konstruktion des (immateriellen) Schwedenbildes in den Köpfen der breiten Massen bei.

Zur Person: Tobias E. Hämmerle, Studium der Geschichte, Kunstgeschichte und Skandinavistik an der Universität Wien, Mitarbeiter am NÖ Institut für Landeskunde in St. Pölten; Dissertation über das Schwedenbild im Heiligen Römischen Reich während der schwedischen Großmachtzeit (1611–1721); Forschungsschwerpunkte: Schweden in der Frühen Neuzeit und frühneuzeitliche Medienforschung.

‼️‼️ WICHTIG ‼️‼️
Dieser Vortrag findet ausschließlich digital statt:
Gastlink: https://univienna.zoom.us/j/97540360819?pwd=MzhkOXROVU16SDUrOHZ2dGZJNStsZz09

Der Gastlink ist am Tag des Vortrages ab 18:15 aktiv, geben Sie bitte bei der Anmeldung Ihren Namen ein.

Rezension | Johanna Schwanberg: Family Matters

Johanna Schwanberg (Hg.): Family Matters. Wien: Dom Museum 2019, 360 S., zahlreiche Abb. ISBN 978-3-200-06512-3.

Stephan Steiner (Wien)

Seit seiner Neueröffnung 2016 versteht sich das Dom Museum Wien nicht mehr nur als geistliche Schatzkammer, sondern auch als Ausstellungsraum, der Kunsttradition mit zeitgenössischen Strömungen konfrontieren möchte. Die im Jahresrhythmus wechselnden Schauen thematisieren gesellschaftlich relevante Fragen und in der nunmehr dritten (4. Oktober 2019 bis 30. August 2020, Lockdown inklusive) waren es die vielfältigen Aspekte des Familienlebens, die dafür ausgewählt wurden. „Family Matters“, Titel der Ausstellung ebenso wie des zugehörigen Kataloges, ist eine im englischen Sprachraum gern gebrauchte doppeldeutige Wendung, die bereits viele soziologische, historische oder anthropologische Werke geziert hat und auch im Kunstbereich schon einmal im Rahmen einer Ausstellung der britischen Tate Galleries 2012 verwendet wurde.

An das Stichwort „Familie“ kann ein derart weites Spektrum von Fragen geknüpft werden, dass es unumgänglich ist, eine kuratorische Schneise durch das Dickicht der Möglichkeiten zu schlagen. Für die Wiener Ausstellung wurden vier Blöcke definiert: „Gesellschaft und Wandel“, „Beziehungen und Emotionen“, „Öffentlicher und privater Raum“ und „Erinnerungen und Träume“. Diese breit angelegten Cluster lassen viel Spielraum, um sie mit Kunstwerken verschiedenster Zeiträume und Genres – von einer spätmittelalterlichen Schreinmadonna bis zu Weronika Geşickas verfremdeten Photoidyllen – zu beleben. Dass der geographische Raum im Wesentlichen auf Europa beschränkt geblieben ist, ist angesichts der Bestände des Dom Museums verständlich, gewiss wäre es aber lohnend gewesen, den von der Schau abgedeckten Zeitraum mit zumindest zwei, drei Exponaten bis in die Antike zu erweitern.

Aus kunsthistorischer Perspektive macht der Katalog die Ausstellung gut nachvollziehbar. Die einzelnen Räume und ihre Verklammerung sind in verschiedenen Fotoperspektiven anschaulich wiedergegeben, die auch die für das Gesamtkonzept nicht unwichtige Hängung dokumentieren. Beinahe alle gezeigten Objekte werden einzeln – in Deutsch und in einer englischen Übersetzung – besprochen, die wenigen, nicht ausführlicher beschriebenen werden zumindest als Foto reproduziert. Die Herausgeberin und die sechs weiteren Verfasserinnen der Werktexte setzen dabei auf klassische kunsthistorische Bildbeschreibungen verbunden mit Kurzportraits der einzelnen Künstlerpersönlichkeiten. Etliches Hinreißende lässt sich da entdecken, wie etwa ein Gemälde Domenico Tintorettos, in dem ein Edelmann mit seinem Sohn wie in einem Vexierbild erscheint, von dem man kaum sagen kann, ob es Distanz oder Nähe thematisiert. Für die Gegenwart sind es vor allen Dingen Fotoarbeiten (wie etwa diejenigen von Iris Legendre oder Annegret Soltau), die durch verstörende Interventionen in vorhandenes Material zu bestechen vermögen.

Der Kuratorin (und gleichzeitig Direktorin des Dom Museum) gelingt es, Familie ebenso als Schutzraum wie als potentiellen Ort der Gewalt zu beleuchten. Besonderes Augenmerk wird auf die Rolle von Frauen gelegt, die sich spätestens im 20. Jahrhundert von bloß Dargestellten zu Darstellenden wandelte. Frauen in der Bildenden Kunst erlebten und erleben Familie dabei oft fundamental anders als ihre männlichen Pendants. Ob es aber tatsächlich stimmt, „dass es ausgesprochen wenige liebevolle Vater-Kind-Darstellungen in der Kunstgeschichte gibt“, wie die Herausgeberin behauptet, möge dahingestellt bleiben – zumindest lässt sich das Motiv des „Guten Vaters“ spätestens seit Boetius’ gleichnamigem Kupferstich von 1775 recht weit verbreitet finden.

Weniger überzeugend als in seiner kunsthistorischen Dimension ist der Katalog aus einer rein historischen Perspektive. Die über die letzten Jahrzehnte geradezu boomende historische Familienforschung, die etliche hergebrachte Meinungen geradezu auf den Kopf gestellt hat, wurde nur sehr oberflächlich rezipiert. Damit wurde leider die Chance vertan, das Medium des Katalogs über seinen unmittelbaren Dokumentationscharakter hinaus auch dazu zu nutzen, Ergebnisse der Fachforschung für ein breiteres Publikum aufzubereiten. Der in den letzten Jahrzehnten betonte Mehrwert eines Kataloges als bleibender, bebilderter Sammelband zu einem bestimmten Thema wurde hier offensichtlich gar nicht angestrebt. Der einzige längere Textbeitrag von Daniela Hammer-Tugendhat ist zwar solide gearbeitet und am Bildmaterial der Ausstellung orientiert, was historische Forschung betrifft, kommt er aber leider nicht weit über das hinaus, was man schon fast als Allgemeinwissen betrachten kann. Angesichts dieser erheblichen Lücke ist es geradezu ärgerlich, als einzigen zusätzlichen ausführlicheren Beitrag ein Interview mit dem Soziologen Tilman Allert vorzufinden, das mit einer Fülle von Banalitäten aufwartet und in seiner Euphorie für ein Revival der Familie zudem recht konservativ anmutet. Hinweise auf Forschungsklassiker wie etwa die „Studien über Autorität und Familie“ des Instituts für Sozialforschung sucht man vergebens, sie wären aber statt solcher Allerwelts-Soziologie erhellender gewesen. Sieht man von einem Nebensatz in der Einleitung ab, so fehlt auch eine Auseinandersetzungen mit dem doch nicht unerheblichen Radikalangriff auf die Familie im Kontext der 1968er-Revolten vollkommen.

Wer nach interessantem Bildmaterial zur immer aktuellen Auseinandersetzung mit Familie sucht und sich von reizvollen Gegenüberstellungen von künstlerischen Epochen inspirieren lassen möchte, wird den vorliegenden Band anregend finden, wer allerdings eine tiefere historische Durchdringung erwartet, wird eine gewisse Enttäuschung kaum verbergen können.

Printversion: Frühneuzeit-Info 31, 2020, S. 187f.

Rezension | Annelies Amberger: Funeralinsignien als bildhafte Zeichen im Todeskultur europäischer Herrscher

Amberger, Annelies: Funeralinsignien als bildhafte Zeichen im Todeskultur europäischer Herrscher (Lindenberg: Kunstverlag Josef Fink 2020) 628 Seiten, 272 meist farbige Abbildungen, ISBN 978-3-95976-144-4

Karl Vocelka (Wien)

Das geradezu – nicht nur vom Umfang her – monumentale Werk behandelt ein Thema, zu dem es bisher kaum zusammenfassende Literatur gab. Die spezifischen Herrschaftszeichen, die bei den Begräbnissen von Herrschern eine bedeutende Rolle spielten, waren Insignien der Macht, die im Zeremoniell der Bestattung unverzichtbar waren. Leider sind viele dieser Kunstgegenstände im Laufe der Zeit – oft durch Umbettungen der Leichen oder durch Plünderung der Gräber – nicht auf uns gekommen.

Im Zuge des Begräbnisses eines Herrschers wurden gelegentlich die originalen Insignien verwendet, aber viel häufiger Kopien angefertigt, die dann mit dem Leichnam ins Grab mitgegeben wurden. Krone, Szepter, Reichsapfel, Schwert, Ringe und Reliquien, Helme, Sporen, Wappenschilder, aber auch Kreuze, Ornate und Bahrtücher finden sich – meist nicht alle gemeinsam – in den Gräbern der Herrscher Europas. Auch den geistlichen Fürsten wurde spezifische Insignien, wie der Bischofsstab, ein Kelch und eine Patene mitgegeben. Vor allem bei den regierenden Dynastien werden von der Autorin auch immer wieder sehr stimmige Vergleiche zwischen den Krönungsfeierlichkeiten und dem Begräbnis des Herrschers gezogen. Während die Kleinodien der Krönung – man denke nur an Percy Ernst Schramm in seinem Werk Herrschaftszeichen und Staatssymbolik (Stuttgart 1954–1956) – gut bearbeitet sind, wird in dem vorliegenden Buch erstmals ein breiter Überblick zu den Funeralinsignien geboten.

Die Gliederung dieser Studie bietet in unterschiedlichen Kapiteln verschiedene Zugänge und Fragestellungen zu diesem kulturgeschichtlichen Phänomen. Chronologische und zugleich dynastische Darstellungen der Begräbnisse der Merowinger, Karolinger, Ottonen, Salier und Staufer werden neben ähnlichen Geschichten zu den englischen, französischen, spanischen, böhmischen, ungarischen, schwedischen und dänischen Dynastien aufgerollt.

Ein Hauptkapitel, das für den zentraleuropäischen Bereich von besonderem Interesse ist, widmet sich den Habsburgern (S. 47–67), den Wittelsbachern und Hohenzollern. Bei den frühesten Vertretern des Hauses Habsburg fand sich etwa eine sehr schön ausgeführte Krone im Baseler Grab von Anna, geborene Hohenberg, der erste Frau Rudolfs I. von Habsburg. Im Gegensatz dazu wurde dessen Grab 1689 geplündert und nur mehr einige Stoffreste sind erhalten. Die Begräbnisriten und die Beigaben der Herrscherinnen und Herrscher waren Vorbild für andere hochgestellte Mitglieder der Gesellschaft, wie etwa Herzögen, Dogen und Fürsten, die Bestandteile der Repräsentation imitierten, das galt aber auch für geistliche Würdenträger und Herrscher oder den hohen Adel.

Würde man allein auf den Titel des Buches Bezug nehmen, könnte man zu dem Schluss kommen, dass es sich nur um die Objekte des Funeralbrauchtums handelt, aber die Autorin bezog nicht nur die dreidimensionalen Objekte, sondern auch Bilder und Texte, wie Ordines für Krönungen und Begräbnisse in ihre Darstellung ein. Viele dieser schriftlichen Belege mit verschiedenen Textsorten, z.B. Annalen, Chroniken aller Art, Zitate aus der Sekundärliteratur und Akten aus ganz unterschiedlichen Ländern (und Sprachen) sind im Buch als Anhang beigegeben und bieten reichliche Informationen zum Thema (S. 355–461). Besonders spannend sind die vielen Beschreibungen von Leichenzügen in diesem Teil, so sind nicht nur Berichte über die Zeremonien bei französischen, englischen und anderen Königen ediert, sondern auch viele zu den Habsburger, z.B. für Albrecht II., Friedrich III., Maximilian I., Ferdinand I., Maximilian II. und Rudolf II.

Weitere Kapitel erhellen Ablauf und Bedeutung der Begräbnisse von Herrschern, das Zeremoniell und seine Symbolik, aber auch viel allgemeinere Fragen, wie – basierend auf Ernst Kantorowicz’ The King’s Two Bodies. A Study in Mediaeval Political Theology (Princeton 1957) – das Phänomen der Effigie, oder die Sakralität des Herrschers, das Gottesgnadentum, und den Vergleich mit dem Adventus Christi und dem antiken Adventus Augusti.

Längere Abschnitte der Darstellung beschäftigen sich klarerweise mit den Realien, den Stabinsignien (Szepter, baculus, virgo und spezifisch in Frankreich die main de justice), den kugelförmigen Insignien (Sphaira, Globus, Reichapfel und spezifisch für England der Szepterglobus) und verschiedene Insignienbekrönungen (Kreuz, Taube, Lilie, Dreiblattform). Darüber hinaus werden noch allgemeinere Fragen, wie die allegorische Bedeutung der Insignien als symbolische Medien, sowie religiöse und politische Fragestellungen zum Herrscherkonzept, das sich in der Reformation stark säkularisiert hatte, betrachtet. Auch die Herrschersakralität, der Herrscher als Ebenbild Christi, die imitatio Christi und die Herrschertugenden wie iustitia und pietas werden behandelt. Auf das protestantischen Herrscherkonzept, das den König als Statthalter und Diener Gottes auf Erden sieht und damit in Richtung einer Volkssouveränität argumentiert, wird eingegangen und die dominierenden Jenseitsvorstellungen und die Frage, welche Kirche oder welches Kloster man als Bestattungsplatz wählte, findet Aufmerksamkeit.

Das Buch schließt mit einem Katalog der Objekte (S. 289–354), den edierten Quellen und einem in seiner Bildqualität bestechenden Bildteil und einem ausführlichen Quellen- und Literaturverzeichnis; ein Personen- und Ortsregister fehlt leider, was bei einem so umfangreichen und viele Details enthaltendem Werk besonders schade ist.

Das Buch ist zweifellos ein Standardwerk zu diesem Thema der Geschichte und Kunstgeschichte, das in keiner Bibliothek fehlten sollte, das man nur wärmstens empfehlen kann.

Aber auf eine – im Buch noch nicht berücksichtige – Ende 2019 vorgestellte Untersuchung des Grabes Kaiser Friedrichs III. (1415–1493) im Wiener Stephansdom – über dessen Begräbnis es schon in den späten 1960er Jahren die Diskussion gab, ob er wirklich in dieser Tumba bestattet ist – muss man hinweisen. Mit Hilfe der neuesten Technologie, ohne Graböffnung, durch die Einführung einer winzigen Kamera und eines Lichtes, wurden Funeralkrone, Reichsapfel und Szepter sichtbar und bildlich festgehalten (Abb. 1, 2).

Abbildung 1 und 2: Die Funeralinsignien im Grab Kaiser Friedrichs III. im Wiener Stephansdom (Fotos: Dombauhütte zu St.Stephan).

Damit wurde eine beispielhafte Methode vorgeführt, um dieses Forschungsthema in Zukunft weiter zu neuen Ergebnissen zu führen. Auch die Aufgabe der Beschränkungen der Untersuchungen von historischen Grabstätten – z.B. in der Kapuzinergruft, die bisher von den Kapuzinern und der Familie Habsburg-Lothringen nicht zugelassen wurden –, könnte noch weitere spannende Informationen nicht nur über Funeralinsignien bringen.

Printversion: Frühneuzeit-Info 31, 2020, S. 179–181.

 

 

Rezension | David Cressy: Gypsies. An English History.

David Cressy: Gypsies. An English History. Oxford: Oxford University Press 2018, 416 S., 13 Abb. ISBN 978-0-19-876813-5.

Stephan Steiner (Wien)

David Cressy, nunmehr Emeritus der Ohio State University, ist ein äußerst produktiver Historiker, dessen Kerninteressen in der Sozialgeschichte des frühneuzeitlichen Englands liegen. In seinen Monographien knüpft er an beste Traditionen der Erforschung des Wechselverhältnisses von Eliten- und Populärkultur an und legt größten Wert darauf, die Stimmen der „ordinary men and women“ lautstark zu Wort kommen zu lassen.

In seinem vorletzt erschienenen Werk hat sich Cressy der Minderheit der „Zigeuner“ – wie sie in den deutschsprachigen Quellen der frühen Neuzeit beinahe ausschließlich genannt werden – zugewandt. In der britischen Historiographie hat diese Bevölkerungsgruppe generell recht wenig Beachtung gefunden, obwohl deren Erforschung, besonders was die frühe Neuzeit angeht, erhebliches Neuland zu bieten hat und viel über die Verfasstheit der Mehrheitsgesellschaft auszusagen vermag. Dieses Potential möglichst breit zu durchmessen, hat sich Cressy vorgenommen, und um es gleich vorweg zu nehmen, es ist ihm überzeugend gelungen. Das Buch erfüllt das selbstgesteckte, äußerst ambitionierte Ziel, es bringt „Gypsies out of the shadows, illuminating their doings and dealings from their first appearance in England in the early sixteenth century to the present”.

Auf zwei Ebenen nähert sich der Autor seinem Gegenstand. Da ist zuerst einmal der sorgfältige synoptische Überblick über die recht verstreute Forschungsliteratur, die wenige Monografien aufweist und stattdessen oft aus eher beiläufigen Bemerkungen in Arbeiten zu Armut, Devianz, Nomadismus etc. zusammengetragen werden muss. An die 500 Buchtitel hat Cressy dabei durchforstet und die daraus erwachsenden Einzel(be)funde verdichtet er zu gut lesbaren Epochenporträts.

Dies allein ist schon eine beachtliche Leistung, noch beeindruckender ist allerdings die zweite Ebene, die Cressys Arbeit durchzieht: seine intensive Nutzung von archivalischen Quellen. Der Autor ist sich darüber bewusst, dass nur die Sichtung bislang unbekannten Materials es ermöglicht, die verfestigten und stigmatisierenden Bilder vom

„Zigeunerleben“ zu revidieren, an denen auch die Wissenschaft einen erheblichen Anteil hatte und hat. In den Kernkapiteln zum England der Tudors, der Elisabethanischen Ära und der Stuarts wird ganz in diesem Sinne viel neues Material aufgearbeitet, Lebensgeschichten werden detailreich rekonstruiert und viele den Alltag erhellende Details kommen zum Vorschein. „Zigeuner“ erscheinen nicht bloß als Objekte der Verfolgung, sondern ebenso als Akteure. Angesichts von beinahe vollkommen fehlenden Selbstzeugnissen ist dafür Spürsinn, Imagination und Empathie erforderlich und Cressy verfügt über alle drei im Übermaß. Man sieht: Cressy gehört nicht zu den Forschern, die „Gypsy“ bloß als eine von außen herangetragener Kategorie verstehen wollen und denen hinter einem überzogenen „labelling approach“ die realen historischen Subjekte zu verschwinden drohen.

Eine „populated history“ nennt Cressy seine Arbeit, und das ist auch so zu verstehen, dass es um die Rekonstruktion einer Vielfalt von „zigeunerischen“ Lebensformen geht, die weder diachron noch synchron über einen Kamm geschoren werden können. Voll von Fremdbildern und Stereotypen ist diese Geschichte, auch voll von Lücken und fragmentarischen Überlieferungen, und Cressy weist immer wieder auf Grenzen des Beforsch- und Verallgemeinerbaren hin. Diese Art von Redlichkeit verbindet sich mit einem Wunsch nach einer Geschichtsschreibung sine ira et studio: ein „work of history, not advocacy, nostalgia, or apologetics“ zu schreiben, ist deshalb Cressys Generallinie.

Das Buch ist in einem sehr eleganten, akademischen Englisch verfasst und gleitet nirgends in einen Wissenschaftsjargon ab, der Sachverhalte unnötig kompliziert. Es ist ein sehr gut lesbares Buch geworden, für die Fachwelt ebenso wie für ein breiteres Publikum. Cressy legt die erste wirklich brauchbare und im besten Sinn moderne Gesamtgeschichte der „Zigeuner“ in England vor, die neue Standards setzt. Auch international gehört das Buch zu den wenigen, die man rückhaltlos empfehlen kann und die schon jetzt als vorbildlich zu gelten haben.

Printversion: Frühneuzeit-Info 31, 2020, S. 186.

Veranstaltungsbericht | Florenz, ein niemals welkender Blumenstrauß

Florenz, ein niemals welkender Blumenstrauß Zur Ausstellung „Florenz und seine Maler: Von Giotto bis Leonardo da Vinci“ in der Alten Pinakothek München vom 18. Oktober 2018 bis 27. Januar 2019

Martin Lottermoser (Dresden)

Wo liegt eigentlich der Nabel der Welt? In Florenz natürlich! Das hätte zumindest der Humanist Leonardo Bruni geantwortet, hätte man ihn zu Beginn des 15. Jahrhunderts gefragt. Zur Untermauerung dieser stolzen Position wären wir wahrscheinlich auch noch auf seine um 1400 erschienene Schrift Laudatio Florentine urbis hingewiesen worden, die um selbstbewusste Ausschmückungen der Geschichte der am Arno gelegenen Stadt nicht verlegen ist.1 Kein Wunder also, dass „Fiorenza“ im Fortgang der Zeit – von Vasari über Burckhardt bis zu Thomas Mann – zur Geburtsstadt eines neuen Denkens, ja der „Wiege der Renaissance“ stilisiert wird. Zu verdanken hat die Stadt dabei ihren Ruf freilich nicht nur glühenden Verfechtern und Romanciers der jüngeren Vergangenheit, sondern zuallererst ihren gefeierten Dichtern, Denkern, Politikern und natürlich Künstlern. Zahlreich sind die Namen derer, die einst durch die Straßen und engen Gassen von Florenz wandelten. Dabei ersannen sie zum einen in ihren Textzeilen ein in der Stadt spürbar neues Selbstbewusstsein des Menschen. Oder verwandelten zum anderen Holztafeln, Wände oder Papier in ein wahres Füllhorn neuer visueller Erzählungen zum Ruhme Gottes, ihrer Auftraggeber und der eigenen Stadt.

Die Alte Pinakothek in München hat sich zuletzt im Rahmen der Ausstellung „Florenz und seine Maler: Von Giotto bis Leonardo da Vinci“ diesem Thema gewidmet. Nach langjähriger Sanierung ist damit im Anschluss an die vollständige Wiedereröffnung ein großer Wurf geglückt. Der Exposition war ein großes Forschungsprojekt mit dem Ziel der Erarbeitung eines aktuellen Bestandskatalogs vorausgegangen, welcher 2017 im Deutschen Kunstverlag publiziert wurde.2 Über 100 Werke des Florentiner Quattrocento waren in der Schau versammelt und in eleganter Weise vor nachtblauen Wänden präsentiert. Hochkarätige Leihgaben wie Botticellis Anbetung der Könige aus den Uffizien oder auch das Bildnis eines jungen Mannes aus der National Gallery of Art in Washington D. C. ergänzten den erstklassigen Münchner Bestand.

Durch die thematische Ordnung der Exponate bot sich den BesucherInnen dabei eine besondere Möglichkeit, hatte man doch das Gefühl, dem Künstler in seiner Werkstatt über die Schulter schauen zu können. Andererseits entstand durch die Dichte und Qualität der Werkauswahl die Illusion, man wäre selbst in Florenz. So ist es das große Verdienst der Exposition, sämtliche (zum Teil erst in dieser Zeit entwickelte) Kunstformen gezeigt zu haben. Doch nicht nur die Werkauswahl wusste zu überzeugen. Auch der Katalog bietet einen in Breite und Tiefe gut aufgebauten, übersichtlichen Begleitband.3 Insgesamt zehn Aufsätze stehen dem Katalogteil gegenüber. Die vorangestellten wissenschaftlichen Essays betten die präsentierten Kunstwerke in einen größeren (kunst)historischen Kontext.

Ausgangspunkt für Künstler und Ausstellung – damals wie heute – war die Zeichnung. So sieht man auf einem Studienblatt (Kat.-Nr. 1) Maso Finiguerras aus der Zeit um 1450 dabei zu, wie sich ein Jüngling im Zeichnen übt. Tief versunken in seine Tätigkeit bemerkt er die Anwesenheit des ihn zeichnenden Künstlers nicht. Einen geradezu programmatischen Beginn für die Florentiner Kunst setzte die Schau mit dieser in Feder ausgeführten Skizze, wird hier doch offenbar, welchen Stellenwert der disegno in der am Arno gelegenen Stadt hatte. Natürlich formulierte das keiner so eindringlich wie Giorgio Vasari. Schließlich verglich er die Zeichnung mit der Entwurfsgabe.4 Das Besondere an diesem Werk Finiguerras liegt dabei vor allem im Sujet begründet, denn durch die Augen des Zeichners selbst beobachten wir einen jungen Künstler bei seinem Tun. Allein dieser Vorgang ist höchst reflexiv. Der zeichnende Mensch wird sich nicht nur seiner Fähigkeiten zur mimetischen Abbildung gewahr, sondern er erhebt die Darstellung des eigenen Arbeitsprozesses auch zum Bildwürdigen. Dem gelernten Goldschmied ist dabei ein Werk gelungen, das Natürlichkeit, Authentizität und Eleganz in gleicher Weise zu verbinden weiß. Gekonnt setzt er Lavierung und Federstriche ein, um ein plastisches Erscheinungsbild des jungen Mannes zu vermitteln.

Weniger auf das eigene Handeln bezogen geht es in dem frühen Kupferstich Kampf der nackten Männer (Kat.-Nr. 41) von Antonio del Pollaiuolo zu. Mit hocherhobenen Armen schwingen die Athleten Äxte und Schwerter, raufen sich an den Haaren oder zielen mit Pfeil und Bogen auf ihre Gegner. Weit geöffnete Münder, zusammengekniffene Augen, Falten und Schrammen in ihren Gesichtern bringen ihre Gefühle zum Ausdruck und versetzen ihre ZuschauerInnen in Angst und Schrecken. Doch scheint bis heute der Grund zur Aufregung der Kontrahenten ungeklärt. So wenig eindeutig wie die Ikonographie des Blattes ist auch seine Datierung, da gute Gründe sowohl für eine frühe Einordnung um 1460 als auch um 1480 sprechen würden. Unabhängig der Lösung all dieser Rätsel faszinierte bereits die ältere Kunstgeschichtsschreibung die Kraft und Aggression im Mimik- und Gestikspiel der Protagonisten, in dem sie mit Aby Warburg an diese angelehnt den Begriff der „Pathosformel“ entwickelte.5

Geht es also um die „umfängliche Wiedergabe des menschlichen Körpers mit dem Ziel, ein Musterblatt für einen größeren Rezipientenkreis“ zu liefern, wie es im Katalog formuliert wurde?6 Im Hinblick auf die geschickt vielansichtig wiedergegebenen präzisen Darstellungen des männlichen Körpers liegt diese Auffassung freilich nahe. Andererseits fällt das Blatt mit den Maßen 40,5 x 59,5 cm so groß aus, dass es weniger plausibel erscheint, das Werk als bloßes exemplum ad studium zu bezeichnen. Insofern müsste darüber hinaus wahrscheinlich doch eine antike oder aber für die zweite Hälfte des 15. Jahrhunderts zeitgenössische Quelle gesucht werden, welche die Narration mit dem Darstellungsmodus verknüpft.7 Vasari jedenfalls war seinerzeit von dem Kupferstich begeistert.8 Sein Enthusiasmus für die Druckgraphik ging dabei sogar soweit, dass er den bereits angesprochenen Maso Finiguerra gleich zum Erfinder der neuen Technik erhob.9 Ganz klar: Das Lob auf die Florentiner Künste und die in den Viten erzählten Anekdoten trugen dazu bei, das Bild jener kulturell überlegen erscheinenden, innovativen Stadt zu prägen, das wir heute noch von Fiorenza haben.

Doch was wäre dieses Florenz ohne seine Gemälde? Kleine und große Altartafeln, Porträts, Cassone– und Spalierebilder mit ihren christlichen und mythologischen Themen lassen einen Eindruck vom Ideen- und Einfallsreichtum der zweiten Hälfte des 15. Jahrhunderts gewinnen. Ein besonderes Highlight der Ausstellung war die Aufstellung des frisch restaurierten Botticelli-Altares (Abb. 1) in einem der letzten Räume.

Abbildung 1: Sandro Botticelli: Die Beweinung Christi, um 1490/95, Tempera auf Pappelholz, 140 x 209,2 cm, Bayerische Staatsgemäldesammlungen – Alte Pinakothek, München, Inv. 1075 (©Bayerische Staatsgemäldesammlungen – Alte Pinakothek, München, CC BY-SA 4.0, keine Änderungen vorgenommen, https://www.sammlung.pinakothek.de/de/artwork/Y0GRlo7xRX; letzter Zugriff: 21.09.20).

Kräftige Farben und Expressivität stehen im Kontrast zur reduziert angelegten Gesamtkomposition. Geradezu mystisch-kühl mag die Szene erscheinen. Ohnmächtig hält Maria Christi makellosen Körper nur dank der Unterstützung des von hinten eingreifenden Johannes. Drei Marien beklagen den verstorbenen Erlöser. Um sie herum stehen als anachronistische Zeugen der Hl. Hieronymus sowie die Apostel Petrus und Paulus. Botticellis Bildanlage folgt dabei einem reziproken Wirkungsprinzip; indem er die künstlerisch-erzählerischen Mittel reduziert, steigert er den Verismus und unsere Empathie an der Szene10 Die innige Anteilnahme am Schicksal Jesu führen dabei besonders die drei Marien vor Augen. Für das Motiv der weinenden Maria, die Christi Kopf liebevoll hält und stützt, hat Botticelli sich von nördlichen Vorbildern inspirieren lassen.11

Unter Rückbezug auf die Antike entstehen in Marmor gefertigte Büsten berühmter Persönlichkeiten. Bildhauer wie Benedetto da Maiano, Desiderio da Settignano oder auch Mino da Fiesole schufen Werke, die in ihrem naturalistischen Ansatz und einer nuancierten Idealisierung das Aussehen ihrer selbstbewussten Auftraggeber zu überliefern wussten. Freilich geht damit eine neue Möglichkeit der Repräsentation, aber auch der memoria einher. Nicht selten meint man, einen gewissen Stolz in den Bildnissen entdecken zu können.

Mit der Renaissance verbindet sich denn auch die Rückkehr des Kindes ins Bild. Davon erzählen nicht nur der im jugendlichen Alter gezeigte Johannes der Täufer (Kat.-Nr. 69) oder der selbstbewusste Jüngling im Bildnis eines jungen Mannes (Kat.-Nr. 70). Ebenso vermitteln einige der Altargemälde mit ihren Engelchen und Darstellungen von Christus und Johannes im Kindesalter eine lebendige Ausstrahlung. In der Ausstellung selbst überzeugte vor allem die geschickte Präsentation der mehrteiligen Altäre. Fehlende Tafeln wurden mit Reproduktionen kaschierend ergänzt und somit das Gefühl eines Besuchs in-situ erzeugt.

Bei den gemalten Porträts jener Zeit treten die Künstler besonders erfindungsreich in Erscheinung. Das Bildnis wird überhaupt zu einer gefragten Gattung. Bestand die Hauptaufgabe der Bildniskunst in vorangegangener Zeit noch darin, weltliche und geistliche Herrscher zu vergegenwärtigen und ihnen damit zu angemessener Repräsentation und Legitimation zu verhelfen, änderte sich dies im 15. Jahrhundert grundsätzlich. Das erstarkte Bürgertum eroberte den Bildraum und lässt sich von nun an vermehrt über Stifterporträts und Einzeldarstellungen für die Nachwelt überliefern. Anschaulich führen uns die ausgestellten Porträts vor Augen, welche Strategien die Maler verfolgten, um die Präsenz der Porträtierten zu erhöhen. Vom strengen Profil bis hin zur Frontalansicht, vom Brust- zum Halbfigurenbildnis, mal mit anonymem Hintergrund, mal mit Landschaft – alles wurde erprobt.

Porträts inszenieren Begegnungen (Kat.-Nr. 76). Je nach dem, wie sich die Person, der wir uns nähern, gibt, verändert sich auch unsere Wahrnehmung. Ist eine Person en profil dargestellt, wird sie meist nobilitiert (Kat.-Nr. 72). Wen anderes als einen Medici würden wir erwarten? Zugleich entzieht sie sich jedoch einer Kontaktaufnahme auf Augenhöhe. Informationen werden verborgen. Wie sieht wohl die porträtierte Gestalt von der anderen Seite aus? Welchen Eindruck erhält man erst, wenn man das Gesicht vollständig sehen kann? Mit der gewählten Kopf- und Körperhaltung sowie dem Bildausschnitt geht zweifelsohne ein Dekorum einher. Ehepaarbildnisse (Kat.-Nr. 81) etwa sind oftmals aufeinander bezogen und aus diesem Grund einander zugewandt oder über Blickkontakt miteinander verbunden. Auch die Kleidung und Attribute der Porträtierten erlauben es, Rückschlüsse auf Stand, Charakter und Bildung zu ziehen.

Und doch bleiben vielfältige Geheimnisse. Botticelli präsentiert z. B. eine Frau hinter einer Fensterbalustrade (Abb. 2).

Abbildung 2: Sandro Botticelli: Bildnis einer Frau (Smeralda Brandini?), 1470–80, Tempera auf Holz, 65,7 x 41 cm, London, Victoria and Albert Museum, bequeathed by Constantine Alexander Ionides, Inv. Nr. CAI. 100 (©Victoria and Albert Museum, London).

Soeben wird sie den Fensterladen geöffnet haben, denn etwas oder jemand hat ihr Interesse geweckt. Dem jungen Florentiner Maler gelingt eine wunderbare ästhetische Inszenierung der zu porträtierenden Dame, weiß er doch Gegensätze miteinander zu verbinden. Der gemalte Fensterrahmen wird gleichfalls zum fingierten Bilderrahmen und lässt an Albertis Metapher vom Gemälde als „finestra aperta“ denken.12 Nah und Fern, helle wie dunkle Farbklänge sowie weich und hart anmutende Stoffe, aber auch ein Diesseits und Jenseits der Fensterbrüstung treten hier in einen Dialog. Und so ist es, als reagiere die Frau im Bild auf uns BetrachterInnen vor dem Bild.13

Dagegen lässt das Bildnis eines jungen Mannes von Filippino Lippi (Abb. 3) den mit grauer Farbe aufgetragenen Rahmen hinter sich.

Abbildung 3: Filippino Lippi: Bildnis eines jungen Mannes, um 1480/85, Öl und Tempera auf Holz, 52,1 x 36,5 cm, Washington D.C., National Gallery of Art, Andrew W. Mellon Collection, Inv. 1937.1.20. (Courtesy National Gallery of Art, Washington).

Zeitlich etwas nach Botticellis Bildnis einer Frau entstanden, steigert Lippi die Präsenz des Mannes enorm. Fast schon wirkt es, als komme uns der elegant Gekleidete optisch entgegen. Kraftvoll setzt sich das Rot seiner Kopfbedeckung vom Hellblau des Himmels hinter ihm ab. Mit weitgeöffneten Augen sieht er uns an. So bewegt-lebendig die Gesichtszüge des Jünglings gestaltet sind, so statisch verbleiben die Röhrenfalten seines Gewandes. Am Ende ist es doch erstaunlich, dass trotz hoher Ausdruckskraft und den bewusst gewählten malerischen Mitteln sowohl die Identifizierung des Porträtierten als auch die Zuschreibung an Filippino Lippi in der Forschung umstritten sind.14

Insofern hat es fast etwas sinnbildhaftes, dass das Team um Kurator Andreas Schumacher gerade dieses Porträt zum „Werbegesicht“ der Ausstellung gemacht hat: Nach fast 450 Jahren hat es noch immer einige Geheimnisse bewahrt. Ja, die Kunst der Florentiner Renaissance gehört zu einer der am besten beforschten Gebiete der Kunstgeschichte. Aber nein, das heißt noch lange nicht, dass damit alle Geheimnisse gelüftet wären.

Gemäldegalerien mit ‚alter Kunst’ sind um Aktualität bemüht. Sie überlegen Strategien, wie eine Ausstellung für eine breite Öffentlichkeit interessant gestaltet werden könnte. Dies zeigt sich beispielsweise in der Gegenüberstellung von jahrhundertealten Stücken und Zeitgenössischem, wie es zuletzt das KHM in Wien immer wieder vorgemacht hat. Moderne, so glaubt man, werbe für ein jüngeres Publikum. Könnte ein Zugang für junge Leute zu ‚alter Kunst’ so aussehen?

Die Alte Pinakothek fand auf diese Frage eine interessante Antwort, die sich an eines der sogenannten ready-mades angelehnt haben könnte. Plakate zur Schau und auch die Rückseite des Katalogeinbandes zierten das bereits besprochene Washingtoner Bildnis eines jungen Mannes – allerdings modernisiert. Nun trägt dieser eine Pilotenbrille, in deren Gläsern sich das Panorama von Florenz mit seiner berühmten Domkuppel spiegelt. Unmerklich fühlt man sich an Marcel Duchamps Mona Lisa-Adaption L.H.O.O.Q. (1919) erinnert. Das Aussehen des Florentiners wird damit ins Hier und Jetzt überführt und ließe sich nun im Sinne einer Reminiszenz an Duchamps Werk als Versprechen verstehen, noch mehr attraktiven Italienern in der Ausstellung begegnen zu können. Zur Erinnerung: Duchamp wählte den Titel „L.H.O.O.Q.“ als Abkürzung für ein französisches Wortspiel „Elle a chaud au cul“, was zu Deutsch bedeutet, La Gioconda habe einen heißen Hintern.15

Darüber hinaus mag die Wahl damit zu begründen sein, ein werbetaugliches Image gefunden zu haben. Am Ende steht ein 450 Jahre altes Porträt mit Sonnenbrille, deren Spiegelung vor allem unsere heutige Vorstellung vom Urlaubsort Florenz mit seinen wahren Wurzeln verlinken soll. Ob die Coolness – oder, mit Castiglione gesprochen, sprezzatura – des „Posterboys“ in dieser Form für ein jüngeres Publikum bei einem eher konservativen Ausstellungsthema gesorgt hat, wissen nur die Statistikgötter. Ein ironisch-komisches Spiel mit der Kunst ist es dennoch.

Das Versprechen, Florenz zu zeigen, hat die Alte Pinakothek in wunderbarer Weise eingelöst. Solange die Ausstellung lief, vermittelte sie ein Gefühl, selbst in der Renaissance-Metropole auf Entdeckungstour gehen zu können. Ihr Finale allerdings dürfte Vielen eine Anregung sein, Florenz aufs Neue mit „offenen Augen und träumendem Herzen“ aufzusuchen. Schließlich bringt es niemand treffender auf den Punkt als Heinrich Heine, dessen Worte über die Geburtsstadt der Renaissance zeitlose Geltung haben:

Ich bin den ganzen Tag in Florenz herumgeschlendert, mit offenen Augen und träumendem Herzen. Sie wissen, das ist meine größte Wonne in dieser Stadt, die mit Recht den Namen la bella verdient. Wenn Italien, wie die Dichter singen, mit einer schönen Frau vergleichbar, so ist Florenz der Blumenstrauß an ihrem Herzen.16

Printversion: Frühneuzeit-Info 31, 2020, S. 229–234.

  1. Eigentlich spricht Bruni hier weniger über die Florentiner Geschichte, als dass es vielmehr um die grandiose geographische Lage der Stadt geht, die eine Grundvoraussetzung ihrer Pracht darstellt. Vgl. Leonardo Bruni: Lob der Stadt Florenz, übersetzt von Peter Mortzfeld, in: Nicolette Mout (Hg.): Die Kultur des Humanismus. Reden, Briefe, Traktate, Gespräche von Petrarca bis Kepler, München: C. H. Beck 1998, S. 43–55. []
  2. Siehe Andreas Schumacher/Annette Kranz/Annette Hojer (Hgg.): Florentiner Malerei – Alte Pinakothek. Die Gemälde des 14. bis 16. Jahrhunderts, Bestandskatalog Alte Pinakothek München, Berlin/München: Deutscher Kunstverlag 2017. []
  3. Vgl. Andreas Schumacher (Hg.): Florenz und seine Maler. Von Giotto bis Leonardo da Vinci, Ausst.-Kat. Alte Pinakothek, München, München: Hirmer Verlag 2019. []
  4. Einen kurzen Überblick, was „Disegno“ bei Vasari alles sein kann, findet sich bei Sabine Fesser: Art. „Disegno“ im Glossar in: Giorgio Vasari: Kunstgeschichte und Kunsttheorie. Eine Einführung in die Lebensbeschreibungen berühmter Künstler anhand der Proemien, übersetzt von Victoria Lorini, hrsg., eingeleitet umd kommentiert von Matteo Burioni und Sabine Feser, Berlin: Verlag Klaus Wagenbach 2004, S. 193–196. []
  5. Aby Warburg: Werke in einem Band, Auf der Grundlage der Manuskripte umd Handexemplare herausgegeben und kommentiert von Martin Treml, Sigrid Weigel, Perdita Ladwig et. al., Berlin: Suhrkamp 2010. Vgl. darin sowohl „Dürer und die italienische Antike (1905)“ auf S. 176–183 als auch „Der Eintritt des antikisierenden Idealstils in der Malerei der Frührenaissance“ (1914) auf S. 281–310. []
  6. Katalogeintrag von Nino Nanobashvili Kat.-Nr. 41, S. 228 (wie Anm. 3). []
  7. Dies wurde schon mehrfach versucht. Vollends überzeugen konnte laut Autorin des Katalogeintrags (ebd.) jedoch keine dieser Thesen. Dort finden sich auch Literaturangaben zu den einzelnen Interpretationen. []
  8. Siehe Giorgio Vasari: Vita d’Antonio e Piero Pollaiuoli. Pittori e scultori fiorentini, in: Ders.: Le Vite. De’ più eccelenti pittori scultori e archi tettori, nelle redazioni del 1550 e 1568, hrsg. von Rosanna Bettarini und Paola Barocchi, 8 Bde., Vol. III: Testo, Florenz: Sansoni Editore 1971, S. 498–508, hier S. 506. []
  9. Vgl. Giorgio Vasari: Vita di Marcantonio Bolognese. E d’altri intagliatori di stampe, in: Ders.: Le Vite. De’ più eccelenti pittori scultori e archi tettori, nelle redazioni del 1550 e 1568, hrsg. von Rosanna Bettarini und Paola Barocchi, 8 Bde., Vol. V: Testo, Florenz: Sansoni Editore 1984, S. 3–25, hier S. 3. []
  10. Ausgehend von Vasaris despektierlicher Botticelli- Vita wie auch der kühlen Inszenierung der Pietà wollte die frühere Kunstgeschichte das Werk nicht als eigenhändig anerkennen oder unterstellte den Einfluss des Bußpredigers Girolamo Savonarola. Die Forschung der jüngeren Vergangenheit konnte mit diesem Fehlurteil aufräumen. Schumacher vermerkt im Katalog zu Recht, „dass Botticellis archaisierende Tendenzen […] keineswegs nur Phänomene seines Altersstils, sondern im Gegenteil Konstanten seines Schaffens sind.“ Vgl. Katalogeintrag von Andreas Schumacher Kat.-Nr. 103, S. 358–361, hier S. 360f. (wie Anm. 3). []
  11. Nicht nur der veristische Darstellungsmodus auch die Anwesenheit von drei Klagefrauen weist auf die Kenntnis von Vorbildern aus der altniederländischen Malerei hin. Wenngleich der Katalog und auch in der Ausstellung mehrfach darauf hingewiesen wurde, dass Florenz trotz aller Fortschrittlichkeit selbst auch auf Innovationen von nördlich der Alpen zurückgegriffen hat, so blieb der Begleitband diesen Hinweis hier schuldig. Vgl. ebd.; in der jüngeren Forschung hat Dombrowski dies überzeugend darlegen können: Damian Dombrowski: Botticellis „Beweinung Christi“ in der Alten Pinaktohek. Aufgabe, Kontext und Rekonstruktion eines Florentiner Altarretabels zur Zeit Savonarolas, in: Wallraf-Richartz-Jahrbuch, Vol. 69 (2008), S. 169–210, hier S. 174. []
  12. Leon Battista Alberti: Della Pittura / Über die Malkunst, herausgegeben, eingeleitet, übersetzt und kommentiert von Oskar Bätschmann und Sandra Gianfreda, Darmstadt: Wissenschaftliche Buchgesellschaft 2002, I, 19 (S. 92/93). []
  13. Vgl. Katalogeintrag von Annette Kranz Kat.-Nr. 76, S. 298 (wie Anm. 3). []
  14. Für einen kurzen Forschungsüberblick mit Literaturhinweisen vgl. Katalogeintrag von Annette Kranz Kat.-Nr. 77, S. 300 (wie Anm. 3). []
  15. Siehe: Calvin Tomkins: Duchamp. Eine Biographie, übersetzt von Jörg Trobitius, München/Wien: Carl Hanser Verlag 1999, S. 260f. []
  16. Heinrich Heine: Historisch-kritische Gesamtausgabe der Werke, bearb. von Manfred Windfuhr, 16 Bde., Bd. 5, Hamburg: Hoffmann und Campe 1994, S. 366. []